Archivo de mayo, 2009
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Martin Scorsese dirigirá el esperado biopic sobre Frank Sinatra
A veces, aunque sea de lejos, nos escuchan allá en Hollywood. Han pasado dos meses justos desde que nos preguntamos, algo inquietos, qué ocurría con el cacareado biopic de Frank Sinatra, un proyecto que parecía arrinconado y del que sólo se sabía que aparecería Chris Tucker y que Brett Ratner sería el director. Pues bien, nuestras plegarias han sido escuchadas y tenemos dos buenas noticias. Una, que la producción se pone en marcha ya mismo a través de Universal Pictures. Y dos, que el director no será Brett Ratner sino (tachán, tachán)… ¡Martin Scorsese!
“Mi padre tenía gran admiración por el talento de la gente que trabajaba con él, al igual que esa gente lo admiraba a él. Personalmente, estoy encantada de que Martin sea el director”, ha afirmado Tina Sinatra, la hija que Frank tuvo con Nancy Barbato. También nos alegramos nosotros, sobre todo porque Scorsese domina a la perfección dos géneros tan complicados como el biopic (véase la criticada pero para mí espléndida El aviador) y el musical, con sus íntimos reportajes sobre Bob Dylan o los Rolling Stones.
Ahora falta lo más importante: saber quién encarnará a La Voz. ¿Tal vez Leonardo DiCaprio, el actor fetiche de Scorsese, que ya se metió en la piel de otro personaje controvertido y excesivo como Howard Hugues? Para eso tendremos que esperar un poquito más. Ah, se me olvidaba: el título de la película será, sencillamente, Sinatra. Como mandan los cánones.
Vía | Yahoo!
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¿Cuántos munchkins quedan vivos?
En algún momento de este vídeo aparece Mickey Carroll, uno de los munchkins que acompaña a Judy Garland durante los primeros metros del camino de baldosas amarillas en El mago de Oz. Las fuentes no se ponen de acuerdo: algunas dicen que es uno de los munchkins que se dirige a Dorothy con la frase “Follow the yellow brick road!” Otras aseguran que es el único munchkin que toca el violín, pero yo aquí no veo ningún violín (aunque sí lo oigo). Da igual. El caso es que Mickey Carroll salía en este film y que murió la semana pasada en Crestwood, Missouri, a los 89 años.
Nacido en San Luis el 8 de julio de 1919 bajo el nombre de Michael Finocchiaro -no en vano era hijo de inmigrantes italianos y, atención, ahijado del Al Capone- Carroll nunca creció más de 1,40 metros. Desde pequeño quedó fascinado por la gente que actuaba en plena calle y, con la ayuda de su hermano, consiguió trabajo tanto en los garitos de su mafioso padrino como en los picantes shows de Mae West. Poco antes de que empezara el rodaje de El mago de Oz conoció a Judy Garland y su amistad con ella le valió entrar la película.
Y consiguió la fama. O al menos más fama que los otros munchkins. Intervino en programas de radio junto a George Burns, Jack Benny o Al Jolson y fue animador de las campañas de Franklin D. Roosevelt y Harry S. Truman a la presidencia de los Estados Unidos. En los setenta bajó el ritmo de sus apariciones públicas y se dedicó al negocio familiar: fabricación de lápidas funerarias. Dicen que era un hombre altruista, solidario, de gran corazón. Y en noviembre de 2007 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood junto a los otros seis munchkins que quedaban con vida. ¿Cuántos quedarán ahora que se ha ido él?
Vía | El País
Web oficial | Mickey Carroll
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La diabla, el cerebro y la hija de Frankenstein
Cómo me gustan estas películas de ciencia ficción de los años cincuenta. Hay que reconocer que eran muy malas pero que sus guionistas hacían gala de una imaginación desbordante, elaborando todo un catálogo de mutaciones, invasiones, epidemias, malformaciones y sucesos aterradores sin explicación aparente. Y en esta ocasión es la distribuidora Absolute quien anima el cotarro con tres títulos a cuál más increíble. Todos los DVD tienen un precio de 14,95 euros; no son baratos, pero vienen con extras.
La diabla (1957), de Kurt Neumann. El doctor Dan Scott (Jack Kelly) quiere encontrar la medicina mágica que cure a todos sus pacientes, sea cual sea la enfermedad que padezcan. Tras componer un suero de aspecto insano, se lo suministra a una mujer que estaba a punto de irse al otro barrio (Mari Blanchard). El remedio es efectivo, pero tiene unos letales efectos secundarios: la mujer se convierte en una asesina en serie, en un ser monstruoso que… ¡destruye todo lo que toca!
El cerebro del planeta Arous (1957), de Nathan Juran. En el planeta Arous han desarrollado tanto su inteligencia que se han despojado de los inútiles cuerpos (que tan feos quedan en verano) y se han convertido en cerebros con patas. Los hay malos, como Gor, que quieren poseer a los humanos para hacerse con el control de la Tierra. Y los hay buenos, como Vol, que quieren poner su conocimiento al servicio de los terrícolas. ¿Quién ganará esta batalla cerebral? ¡Ciencia ficción a lo grande!
La hija de Frankenstein (1958), de Richard E. Cunha. Considerada una de las peores películas de todos los tiempos por la guía oficial de los Razzie; tan mala que asustó a su propio director, el cual abandonó llorando el plató cuando le presentaron a la criatura que iba a protagonizar este engendro. Pero vayamos a la sinopsis… En este film, Frankenstein regresa de la tumba para revivir… ¡el horror, el terror! ¡Más destructiva! ¡Más aterradora! ¡Mi madre! ¿Dónde está?
Vía | ZonaDVD
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‘El correo del infierno’ (1951)
No es Henry Hathaway el primer director que te viene a la cabeza cuando piensas en los westerns del cine clásico. Más allá de Valor de ley, que reportó el Oscar a John Wayne, el resto de su filmografía permanece en un segundo plano. Aquí tenemos un buen ejemplo: El correo del infierno. Una película sobria, llevada a cabo con los recursos justos y algunos atropellos en el guión, pero con la mano firme de quien demuestra llevar el cine en la sangre.
Toda la acción de El correo del infierno se desarrolla en una sola localización: una posta del correo que enlaza las ciudades de San Luis y San Francisco. Allí, en mitad de la nada, las diligencias cambian las mulas y los viajeros estiran las piernas y sacian su apetito. Un lugar desértico que es terreno abonado para los delincuentes. Tom Owens (Tyrone Power) se encarga de proteger a una viajera que se ha quedado en tierra (Susan Hayward) cuando corre la noticia de que unos asesinos andan por allí. Pero Tom es un joven torpe y cobarde, incapaz de dominar el rudo carácter de la mujer… Y tampoco es demasiado útil cuando los asesinos se presentan en la posta.
Aunque la historia empieza con el típico humor del Oeste al estilo John Ford, a los pocos minutos se suceden escenas realmente duras y violentas. Hathaway supo sacar partido de la excelente fotografía de Milton R. Krasner para que la soledad del lugar fuera una metáfora del estado en el que se encuentran los protagonistas, a los cuales hay que sumar, para mayor dramatismo, la presencia de una niña que apenas sabe andar. Y aunque Tyrone Power siempre me ha dado algo de tirria, reconozco que cuadra con el papel, con esa cara de héroe frustrado, un querer y no poder.
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Calypso is like so…
La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida. Paseas tu mirada por los estantes de un centro comercial al que no voy a hacerle más publicidad de la que le hago normalmente y… ¡zas! Te encuentras cara a cara con un disco que llevas persiguiendo varios años y que desconocías que hubiera atravesado el Atlántico. Efectivamente: alguien se ha dignado a traer a España Calypso is like so…, uno de los escasos álbumes del gran actor Robert Mitchum. Gracias, gracias, gracias.
Mitchum era aficionado a la música desde pequeño (tocaba el piano y el saxofón) y, cuando se emborrachaba, cosa que ocurría con frecuencia, obligaba a sus compañeros de trabajo a escuchar su voz. La verdad es que no lo hacía nada mal. En 1957 descubrió los ritmos calipsos de Trinidad y Tobago, donde se encontraba rodando una película de segunda fila llamada Fuego escondido, junto a Rita Hayworth y Jack Lemmon. Hacía poco que Harry Belafonte había introducido el calipso en Estados Unidos, con mucho éxito; por ello, la Capitol Records aceptó que Mitchum quisiera grabar su propio disco.
Las letras irónicas, divertidas y provocativas de temas como From a logical point of view, Matilda, Mama Looka Boo Boo o Coconut water iban como anillo al dedo para el estilo cínico de Mitchum, que demostró no tener nada que envidiar a los profesionales del género. La portada del disco ya es de por sí memorable: Mitchum con la camisa desabrochada, sosteniendo una copa de whisky y un cigarrillo, con su característica mirada de hurón y una morena despampanante a sus espaldas. Que quede claro quién era el auténtico rey del ‘cool’.
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El año en que se alinearon los planetas
Como ya hemos hablado en alguna otra ocasión, 1939 está considerado el mejor año de la historia del cine; por la calidad de las películas que se estrenaron y por su coincidencia con el fin de la Gran Depresión y el regreso de los espectadores a los patios de butacas. Ocurriera por la fuerza del destino, por una imprevista alineación de los planetas o por pura casualidad, el caso es que nunca se han juntado tantos films merecedores del Oscar en una sola edición.
Setenta años después, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood proyectará cada lunes, a partir del 18 de mayo, las películas que optaron a la estatuilla y que todo buen cinéfilo debe ver al menos una vez antes de morir. Los pases tendrán lugar en el Samuel Goldwyn Theater, por este orden: Lo que el viento se llevó, La diligencia, Cumbres borrascosas, Amarga victoria, Tú y yo, Adiós, Mr. Chips, Ninotchka, Caballero sin espada, La fuerza bruta y El mago de Oz.
Uno de los organizadores, Randy Haberkamp, explica cuáles fueron los motivos del espectacular 1939, empezando por la llegada masiva de inmigrantes que escapaban del nazismo: “La influencia del talento de estos artistas tuvo un gran efecto en la calidad de los films. Además, aunque la Depresión no había terminado oficialmente, la gente volvía a ir al cine y gastaba dinero. Así que la industria del cine también gastó más para hacer mejores películas.” Así de sencillo.
Vía | Los Angeles Times
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‘La ruta del tabaco’, al fin en DVD
Hacía mucho tiempo que no veía una carátula tan buena como la que encabeza este post. Se trata de la edición en DVD de La ruta del tabaco (1941), editada por la Fox en exclusiva para la FNAC. Sí, sí, ya podéis restregaros los ojos, pero la chica sucia con la mirada perdida no es otra que Gene Tierney, quizá la actriz más bella de la historia del cine. John Ford la afeó a conciencia para encarnar a la hija de una familia de pueblerinos del sur de Estados Unidos que afronta la expropiación de sus tierras entre la desidia y la melancolía. Os la recomiendo, aunque el DVD (9,95 euros) sólo traiga una galería de fotos como extras, al igual que la novela original escrita por Erskine Caldwell. Es corta, se lee de un tirón y así podréis comparar las dos versiones. Y como la adaptación a la gran pantalla corrió a cargo de Nunnally Johnson, la calidad de la historia se mantiene prácticamente intacta.
Seguimos con dos exclusivas más de la FNAC. En primer lugar, Huracán sobre la isla (1937), otra de John Ford. Una película que combina drama y aventuras en los mares del sur protagonizada por Dorothy Lamour y Jon Hall que obtuvo un Oscar al mejor sonido y dos nominaciones, al mejor actor de reparto (Thomas Mitchell) y a la mejor banda sonora (Alfred Newman). Por otro lado, tenemos una joya de King Vidor: Y el mundo marcha (1928), considerada una de las últimas grandes obras del cine mudo. No en vano logró dos nominaciones al Oscar en las categorías de mejor director y mejor película.
Y terminamos con una colección de DVDs de Universal pertenecientes a la Hammer Collection, es decir, películas de terror de los años setenta no aptas para asustadizos. Los títulos en cuestión, que se sirven sin extras aunque en unos estuches bastante majos, son los siguientes: El doctor Jekyll y su hermana Hyde (1971), Sangre en la tumba de la momia (1971), Los demonios de la mente (1972), Miedo en la noche (1972) y La monja poseída (1976), que cuenta con un reparto llamativo: Richard Widmark, Christopher Lee, Michael Goodliffe y Natassja Kinski. Precio de la unidad: 11 euros.
Vía | ZonaDVD
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Nuevo documental “no autorizado” sobre Audrey Hepburn
Murió en 1993, pero sigue siendo un icono; del cine, la moda y la elegancia. Hace dos meses, los cinéfilos del Reino Unido escogieron su rostro como el más bello que jamás había aparecido en una película, por delante de Angelina Jolie, Grace Kelly, Marilyn Monroe y Sophia Loren. Nació el 4 de mayo de 1929 en la ciudad belga de Ixelles, poco antes de vivir una horrible pesadilla llamada nazismo. Hoy, por tanto, Audrey Hepburn habría cumplido 80 años.
Coincidiendo con esta efeméride, el canal BIO de Digital Plus emite el documental Audrey Hepburn, su historia no autorizada. Para lo que, como yo, hayáis leído tarde el anuncio, sabed que tenéis otra oportunidad de verlo este martes 5 de mayo (hay pases a las 02:00, 08:00 y 14:00 horas). La película está dirigida por Paul Drane y producida por The Edit Shop, con una duración aproximada de 60 minutos, y promete ser “una mirada especial a uno de los iconos de Hollywood más memorables y preciados”.
Si no me fallan las cuentas, éste es el séptimo documental que recrea la figura de la protagonista de Desayuno con diamantes, de los cuales uno se centra en el su lado ‘fashion’ y otro en los años que trabajó para la Paramount Pictures. Además, recordemos la existencia del biopic The Audrey Hepburn Story (2000), protagonizado por la neumática Jennifer Love Hewitt, otro de esos olvidos que se van acumulando en mi lista de pendientes.
Vía | El País
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‘El ángel azul’ (1930)
Como recordaba la propia actriz en una entrevista de 1972 que se puede ver en los maravillosos extras del DVD editado por Divisa, Marlene Dietrich no estaba predestinada a ser la estrella de El ángel azul. A sus 29 años, sólo era otra alumna de una academia de jóvenes talentos. Josef von Sternberg se fijó en ella para darle el papel de Lola Lola; pero, aún así, el protagonismo recaía en Emil Jannings, un suizo de 46 años que se acababa de convertir en el primer ganador de un Oscar al mejor actor, por La última orden (1928). Como en muchas otras ocasiones, fueron los espectadores y no el orden de los créditos quienes dictaron sentencia.
La película arranca como una simpática comedia con claros registros del cine mudo (de hecho fue el primer film alemán sonoro) cuyos elementos trágicos salpican la trama poco a poco, hasta que ganan terreno definitivamente. En el Berlín de los años veinte, el profesor Immanuel Rath, un solterón entrado en canas, gordo y severo, se esfuerza por meter en cintura a sus estudiantes del Liceo, que por las noches acuden en masa a un cabaret llamado El ángel azul, donde la actuación principal corre a cargo de Lola Lola, una cantante de voz rasgada que alegra la vista de los muchachos.
Decidido a cortar por lo sano su insana curiosidad, el profesor Rath acude al cabaret para pillar a sus alumnos ‘in fraganti’, pero él también caerá bajo el hechizo de Lola Lola, hasta el punto de enamorarse y pedirle matrimonio. Ella acepta, pero a cambio Rath debe despedirse de sus clases, porque su relación con una mujer tan pervertida es incompatible con los principios morales del Liceo.
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George Sanders: morir en Castelldefels
“Querido mundo: Por si a alguien le interesa saberlo, ya he vivido bastante. Seguir viviendo sería un asco. Te dejo con tus conflictos, tu basura y tus cloacas sin fin. Con los mejores deseos. Sinceramente tuyo, George Sanders.”
El 25 de abril de 1972, George Sanders tenía que coger un avión desde Barcelona con destino París. Desde hacía tres días se hospedaba en el hotel Rey Don Jaime de Castelldefels, adonde había llegado procedente de Palma de Mallorca. Los tres días había desayunado tarde y se le había visto deambular borracho por los pasillos o los aledaños del hotel. Casi nadie había sido capaz de arrancarle una sola palabra. Se decía que el gigante Sanders (medía 1,92 metros), de 65 años, ganador del Oscar al mejor actor de reparto por Eva al desnudo (1950), buscaba un apartamento en la costa catalana; pero al mismo tiempo mostraba poco amor hacia todo aquello que lo rodeaba.
A las dos y media de la tarde de aquel fatídico martes, un empleado del hotel llamó a la habitación número 3 para avisar al señor Sanders de que, o se daba prisa, o perdería su vuelo a París. Al no haber respuesta, y dado el extraño comportamiento del actor durante su estancia, se optó por forzar la puerta. La estampa era propia de una película, y por la perfección del cuadro casi resultaba hermosa: George Sanders yacía desnudo sobre una alfombra, de lado, con una mano apoyada en el lateral de la cama. Sobre la mesita, una botella de whisky casi vacía y dos notas, una en inglés (la que encabeza el post) y otra en castellano: “Avisar a mi hermana. Hay suficiente dinero para pagar todo esto.”
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