Archivo de marzo, 2010
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Sean Flynn, el hijo de Errol, es noticia tras 40 años desaparecido
Esta mañana he visto unas imágenes de Errol Flynn en la tele pero, como no la estaba escuchando, no sabía a cuento de qué. Luego he buscado por Internet y he encontrado que en realidad la noticia iba sobre su hijo Sean, desaparecido hace 40 años en la selva de Camboya mientras trabajaba como enviado especial de la revista ‘Time’. Sean estaba cubriendo la información de la Guerra Civil de Camboya cuando, según la mayoría de hipótesis, fue capturado por el ejército comunista Jemer Rojo junto a la periodista de la CBS Dana Stone; ambos habrían sido ejecutados catorce meses después, en junio de 1971.
Todos los esfuerzos por hallar el cuerpo de Sean Flynn han resultado en vano -incluyendo los de su madre, la actriz Lili Damita-, pero parece que al fin dichas hipótesis pueden ser confirmadas. Una pareja de investigadores financiada por la propia familia Flynn ha encontrado restos de ropa, huesos y dientes que, junto al testimonio de un aldeano que fue testigo de la ejecución de “un occidental alto y rubio”, podrían dar carpetazo al enigma. La prueba del ADN será definitiva.
Sean Leslie Flynn nació en Los Ángeles el 31 de mayo de 1941, cuando su padre ya había alcanzado la gloria cinematográfica. Los biógrafos dicen que Errol nunca le prestó demasiada atención y que fue su madre quien se ocupó de él. Pese a ello, Sean aceptó protagonizar la secuela de ‘El capitán Blood’ en 1962, una producción con parte de capital español que se tituló -para qué complicarnos- ‘El hijo del capitán Blood’. Participó en alguna otra película europea de escasa importancia. Luego se aburrió y se fue a Kenya, donde trabajó como guardabosques y cazador.
A finales de los sesenta se hizo periodista ‘freelance’ y vivió ‘in situ’ los conflictos de Oriente Medio y la Guerra del Vietnam, redactando artículos para la revista ‘Paris-Match’. Fue entonces cuando ‘Time’ lo contrató para cubrir la Guerra Civil de Camboya, donde habría tenido ese fatídico final (otros 35 periodistas fueron asesinados por las guerrillas locales). Si se demuestra que los restos son suyos, al menos los esfuerzos de la familia habrían servido de algo.
Vía | 20 minutos
Fotos y más información de Sean Flynn | Brian’s Drive-In Theater
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Ciclo Cara de Poker: ‘El golpe’ (1973)
Cumplimos ya nuestro cuarto capítulo dedicado a las partidas de poker más interesantes del cine clásico en Plumas de Caballo y no podíamos dejar pasar más tiempo para referirnos a ese peliculón llamado ‘El golpe’ (1973). Imposible resistirse al atractivo que desprenden tanto el guión de David S. Ward como la dirección de George Roy Hill y, por supuesto, la pareja formada por Paul Newman y Robert Redford. Una exquisitez se mire por donde se mire, con un diseño de producción magnífico y unas interpretaciones magistrales. A muchos directores del cine actual se les debería caer la cara de vergüenza.
Aunque la secuencia más importante de ‘El golpe’ tiene lugar en un local clandestino de Chicago en 1936, donde los dos apuestos timadores se van a cobrar una justa venganza con muchos ceros a la derecha, nosotros vamos a quedarnos con la escena de la partida de texas holdem poker que se desarrolla en un vagón de tren y en la que Paul Newman se come la pantalla.
El objetivo es empezar a desplumar -y, por tanto, herir en su orgullo- al mafioso Doyle Lonnegan (Robert Shaw), el cual pretende arrasar en esa timba y cambiar todas sus fichas y las de los demás jugadores por miles de dólares antes de llegar a la estación de Chicago. Pero un oportuno soborno permite a Henry Gondorff colarse en el vagón y retarlo. El recién llegado no es otro que un Paul Newman muy divertido, aparentemente borracho, agarrado a una botella y con ganas de marcha.
Ya en las primeras rondas consigue sacar de quicio a Lonnegan, que quiere rehacerse a toda costa y acaba apostando una cantidad enorme para recuperar todo lo perdido de una sola vez. Para que no falle nada, Lonnegan impone su propia baraja, con cartas marcadas. Pero Henry, en un alarde de previsión, ya sabía que su rival hacía trampas… y qué tipo de trampas. Así que le contrarresta con la misma moneda: cuando la cámara nos enseña que lleva el mejor juego de poker y una mano mejor que la de Lonnegan, no podemos sino rendirnos a sus encantos.
La escena -como toda la película, de una precisión extrema, con idas y venidas de compinches que giran la tuerca del guión una y otra vez- termina justo cuando el tren llega a Chicago. Y se redondea con la intervención de Johnny Hooker (Robert Redford), que nos deja atónitos cuando se vende a Lonnegan para traicionar a Henry. Pero no os engañéis. Nada es lo que parece en el mejor golpe de la historia del cine, avalado por 7 Oscars (entre ellos: Mejor Dirección, Mejor Guión Original, Mejor Película y Mejor Banda Sonora). Si aún no la habéis visto, ¿a qué estáis esperando?
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‘Barreras infranqueables’ (1935)
Nunca pudo quitarse de encima la etiqueta de director de segunda fila, ni tampoco la de tirano a la hora de trabajar. Sin embargo, el neoyorquino Archie L. Mayo cumplió de manera notable con casi todos los guiones que pasaron por sus manos, dando la talla en el cine negro, en el drama y hasta en la comedia -véase la tardía película marxiana ‘Una noche en Casablanca’. Estuvo a sueldo de los principales estudios de Hollywood, siendo su etapa en la Warner Bros. la más provechosa; fue ahí donde rodó ‘El bosque petrificado’ con Humphrey Bogart y Bette Davis, así como el film que nos ocupa en este post: ‘Barreras infranqueables’, con Paul Muni y, de nuevo, Bette Davis.
La película -cuyo título original es bastante menos lírico: ‘Bordertown’- se basa en una historia de Robert Lord que adaptaron Laird Doyle y Wallace Smith a propuesta de Carroll Graham. Tanto por el argumento como por la especial dirección de Mayo podríamos decir que se trata de una precursora del cine negro que llegaría en los cuarenta. Existe una voluntad de conciencia social, una especie de denuncia encubierta contra la discriminación racial; lástima que toda esa declaración de principios se derrumbe cual castillo de naipes con un final -por decirlo suavemente- conformista.
Tal como había hecho en ‘Soy un fugitivo’ (1932), Paul Muni vuelve a encarnar a un tipo perseguido por la injusticia, al que no le permiten ser feliz por muy honrado que sea. En este caso su personaje, Johnny Ramirez, es un joven recién salido de la cárcel que vive con su madre en el barrio mexicano de Los Ángeles y que consigue redimirse sacándose la carrera de Derecho. Sin embargo, la primera vez que tiene ocasión de demostrar lo aprendido, el abogado defensor le hace perder los papeles; y dado que es de origen humilde y tiene un pasado oscuro, es desposeído de la licencia.
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‘Lola Montès’ se reestrena en alta definición el 31 de marzo
Entre lo que os dije el otro día sobre Kurosawa y lo que os voy a decir a continuación, voy a perder toda mi credibilidad al frente de este blog de cine clásico. Pero hay que ser sincero con uno mismo: no tenía ni idea de que existía una película llamada ‘Lola Montès’, dirigida por Max Ophüls en 1955 a partir de una novela de Cécil Saint-Laurent. Y ya que Vértice Cine me ha sacado de la ignorancia, nos hacemos eco de su reestreno en alta definición el próximo 31 de marzo en los Cines Verdi de Madrid.
Martine Carol es Lola Montès (María Dolores Eliza Rosanna Gilbert, 1821-1861), una cortesana conocida en toda Europa que mantuvo relaciones con gente tan importante como el compositor húngaro Franz Liszt (Will Quadflieg) o el rey Luis I de Baviera (Anton Walbrook), así como innumerables ‘affairs’ con hombres anónimos. Ni que decir tiene que su azarosa existencia le comportó muchos problemas, hasta el punto de verse obligada a trabajar en el circo de Nueva Orleans. Mientras ella realiza pequeñas acrobacias, el maestro de ceremonias (Peter Ustinov) narra su vida con pelos y señales para deleite del público, ansioso por conocer hasta el más insignificante detalle de sus romances.
‘Lola Montès’ se rodó originalmente en Eastmancolor y CinemaScope, y en el año 2008 fue restaurada gracias al minucioso trabajo del laboratorio de la Cinemateca Francesa. La nueva copia se proyectó en la sesión inaugural de la sección Classics del Festival de Cannes y ahora llega en formato digital a los Cines Verdi de Madrid. Una apuesta arriesgada con los tiempos que corren pero que seguro encuentra su público. Desde ya, felicidades.
PD. No os perdáis la vida real de Lola Montès según este interesante post.
ACTUALIZACIÓN DEL 26/03/2010: Vértice Cine informa de dos noticias. La mala: que se retrasa la fecha de estreno. La buena: que, además de Madrid, Barcelona también acogerá el reestreno de ‘Lola Montès’.
Vía | Vértice Cine
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Centenario de Akira Kurosawa
Pese al desconocimiento de quien escribe sobre la figura de Akira Kurosawa y pese a que un post como éste incumple dos de los propósitos del blog -evitar las efemérides y ceñirse al cine clásico estadounidense- no se puede obviar que el director que sería bautizado con el apodo de Emperador por su sabiduría y fuerte carácter nació tal día como hoy hace 100 años, el 23 de marzo de 1910. Llegó al mundo en Tokyo, alargando el linaje de una familia de samuráis que ya contaba con varios siglos de antigüedad, y pronto desarrolló una pasión por la pintura, el teatro y el cine de la que se beneficiarían millones de personas en todo el mundo.
Más que hacer el típico repaso por la vida y obra de Kurosawa, cosa que podéis encontrar en las notas de prensa que se han publicado en los medios de comunicación, y dado que tampoco he visto la mayoría de sus presuntas obras maestras -apenas ‘Rashomon’ (1950) y ‘Los siete samuráis’ (1954), que dicho sea de paso no me vuelven loco- me gustaría tratar las conexiones entre su cine y el de los grandes maestros de Hollywood como John Ford.
El caso de John Ford es curioso porque por todos es conocida su reticencia a repartir halagos en público -se los negaba, incluso, a su actor fetiche, John Wayne. Sin embargo, a mediados de los años cincuenta entabló una gran amistad con Kurosawa, el cual le tenía por uno de los mejores directores de la historia del cine y una figura tan importante como cualquier maestro de Kung Fu. Después de su primer encuentro, Kurosawa empezó a imitar el estilo de Ford, llevando sus características gafas oscuras, vistiendo ropa similar y contratando, siempre que era posible, al mismo equipo de trabajo, tanto delante como detrás de las cámaras.
Ford podía ser muy cínico con los aduladores, pero hizo una excepción con el director japonés. En una carta dirigida a John Wayne y fechada en noviembre de 1957, se refiere a Kurosawa como “un tipo agradabilísimo” y pide al Duque que le deje entrar a saludar durante el rodaje de ‘El bárbaro y la geisha’, de John Huston.
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‘El embrujo de Shanghái’ (1941)
Inicialmente, ‘El embrujo de Shanghái‘ fue una obra de teatro concebida por el dramaturgo John Colton. Aunque nacido en Minneapolis, Colton pasó la mayor parte de su infancia en Japón y dejó fluir su vertiente asiática en varios de sus libretos, así como un desinhibido interés por las bajas pasiones del ser humano. ‘The Shanghai Gesture’ se estrenó en Broadway el 1 de febrero de 1926, alzó el telón en 206 ocasiones e incluso tuvo un pequeño reestreno dos años después. Sin embargo, tuvieron que pasar más de quince años para que la obra fuera adaptada a la gran pantalla. El motivo: la censura moral del código Hays, un escollo que desanimaba al más osado de los productores.
Lo que más molestaba al señor Hays -y también al consulado chino- es que la obra tenía lugar en un burdel regentado por la imperturbable Madre Goddam, en el cual se traficaba con drogas mientras los clientes adquirían los servicios de prostitutas ninfómanas. Después de leer esta sinopsis, lo normal es que cualquier empleado de Hays tirase el guión a la basura y enviara a su autor al infierno. Pero en Hollywood siempre había quien intentaba sortear los obstáculos de los censores con astucia, talento y un poco de suerte.
En este caso, el valiente fue un hombre que sabía de lo que hablaba: Josef von Sternberg. El propio director se encargó de adaptar el libreto de Colton, concediendo un cambio importante para pasar el filtro: ‘El embrujo de Shanghái’ se desarrollaría en un casino y no en un burdel. Luego, Von Sternberg se ganó la confianza de un productor eslovaco llamado Arnold Pressburger, que financió la película con un millón de dólares.
La nueva sinopsis quedaba pues de la siguiente manera. Estamos en la víspera del Año Nuevo chino en Shanghái, una ciudad que huele a pecado en cada una de sus esquinas. Madre Gin Sling (Ona Munson) dirige uno de los casinos más populares, donde hay tiempo para jugar a la ruleta, al blackjack, al poker y un sinfín de actividades en las que los incautos se dejan el dinero. El ambiente es opresivo, irrespirable, como recrean perfectamente Von Sternberg y el fotógrafo Boris Leven, que obtuvo la nominación al Oscar, al igual que el compositor Richard Hageman por la banda sonora.
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Ciclo Cara de Poker: ‘El poker de la muerte’ (1968)
En nuestra tercera partida de poker en Plumas de Caballo vamos a hablar de una película un tanto atípica que produjo la Paramount en 1968 con el título original de ‘5 Card Stud‘. Aquí, como de costumbre, nos tomamos la licencia de traducirlo a nuestro antojo y lo bautizamos como ‘El poker de la muerte’; título bastante más explícito pero, en cualquier caso, acorde con la sinopsis del film.
Basada en una novela de Ray Gaulden que adaptó convenientemente Marguerite Roberts, ‘El poker de la muerte’ fue dirigida por Henry Hathaway. En aquella época ya era habitual que los equipos de rodaje de los nuevos westerns se trasladaran al desierto de Almería, pero Hathaway -un artesano cuyos métodos de trabajo habría elogiado John Ford- prefirió que las cámaras se instalaran donde realmente ocurría la acción: en Durango, un pueblo mexicano que había sido fundado por los primeros emigrantes vascos.
‘El poker de la muerte’ es una película bicéfala, pues son dos las estrellas que encabezan el reparto. En primer lugar tenemos a Dean Martin, un carismático jugador de poker que se gana la vida repartiendo las cartas… y quedándose las mejores manos. Nada que objetar salvo por el hecho de que todos los integrantes de la última partida en la que jugó empiezan a morir uno a uno mientras él huye sospechosamente a Denver, Colorado; según dice, para evitarse problemas y seguir probando fortuna. Martin cumple con su rol sin grandes alardes y acaricia nuestros oídos con ’5 Card Stud’, la canción que da nombre a la película y que compuso Maurice Jarre.
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Estrenos en DVD: Marzo 2010 (y II)
Os prometimos que este mes de marzo habría dos posts de estrenos de cine clásico en DVD ante la avalancha de títulos que lanzan las distribuidoras en los primeros días de primavera. La verdad es que no son obras maestras, pero igualmente cuesta hacer una criba para destacar a las mejores, porque cualquiera de ellas tiene su interés. Así que os recomiendo clicar en el enlace del final del post para ver el listado completo de novedades. En Plumas de Caballo hemos hecho esta selección, con variedad de géneros. Que aproveche.
‘El renegado’ (Irving Pichel, 1941). Cinta de aventuras producida por la 20th Century Fox y ambientada en Canadá a finales del siglo XVII, cuando el país todavía estaba bajo el poder del imperio británico. Es una recreación histórica de la fundación de la Compañía Mercantil de la Bahía del Hudson a cargo de dos tramperos con espíritu emprendedor: Pierre Radisson (Paul Muni) y Gooseberry (Laird Cregar). El obstáculo principal para poner en marcha el negocio es convencer al rey de Inglaterra (Vincent Price) de su viabilidad. La bella Barbara Hall (Gene Tierney) observa los toros desde la barrera (DVD, 14,99 euros. Extras: Ficha técnica, ficha artística y galería fotográfica).
‘Repertorio de verano’ (Charles Walters, 1950). Musical protagonizado por Gene Kelly y Judy Garland que podríamos calificar de rural por el lugar en el que se desarrolla: una humilde granja de Nueva Inglaterra. La Garland estaba en pleno proceso de desintoxicación por su adicción a las drogas y ello tuvo consecuencias en el rodaje; hay escenas en las que está más delgada que en otras porque se rodaron con meses de diferencia. Gene, tan arisco otras veces, transigió porque Judy le daba placer tras las cámaras. En la dirección estuvo un experto de los musicales como Charles Walters, que años después triunfaría con ‘Gigi’ o ‘Alta sociedad’ (DVD, 14,95 euros. Sin extras).
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Fallece Peter Graves
En la mayoría de medios de comunicación podéis encontrar este lunes la necrológica de Peter Graves. El actor, natural de Minneapolis, donde nació el 18 de marzo de 1926, nos dijo adiós el domingo en su casa de Pacific Palisades. Las notas de prensa informan de que Graves acababa de volver de un desayuno junto a su esposa e hijas cuando sufrió un ataque al corazón. Cuatro días más y habría cumplido 84 años.
Graves era un hombre alto -1,88 m.-, zurdo y con un característico cabello blanco al que estará asociado cuando hagamos memoria para recordarlo. En su juventud fue deportista y aprendió a tocar el saxofón. Luego, antes de peinar canas, se pasó al cine. Debutó en 1951 como secundario de Rory Calhoun en ‘Rogue River’ y pasó el resto de la década entre westerns y cintas de ciencia ficción de serie B. Pero en los cincuenta también logró un pequeño papel en una película muy querida en este blog, la única película que dirigió Charles Laughton y en la que Robert Mitchum encarnaba a un cínico predicador.
Efectivamente, Peter Graves sale en ‘La noche del cazador’. Apenas unos minutos, cuando la historia acaba de arrancar; pero su personaje es crucial porque es quien desencadena todo lo que sucede después. Graves es Ben Harper, el angustiado padre de familia que, harto de ver que sus hijos pasan hambre por la maldita Depresión, atraca un banco y roba una fortuna. Ben llega a casa corriendo, con la policía pisándole los talones, pero le da tiempo de esconder el dinero en la muñeca de su hija Pearl. Acto seguido, le pide a ella y a su hijo John que sepan mantener el secreto. En la siguiente escena le vemos compartiendo celda con el reverendo Powell, que le intenta sonsacar información chantajeándolo con la gloria eterna… a lo que Ben responde con un puñetazo en los morros. Seguro que fue de los pocos hombres que pudo pegar a Mitchum sin temor a que éste le devolviera el golpe.
El momento cumbre de su carrera llegó a mediados de los sesenta con la serie de televisión ‘Misión: Imposible’, por la que ganó un Globo de Oro al Mejor Actor después de haber sido nominado en tres ocasiones. Además, fue el surrealista comandante Clarence Oveur en ‘¡Aterriza como puedas!’ (1980); según reconoció el propio Graves, fueron sus amigos quienes le convencieron para aceptar el papel, porque al leer el guión se sintió “insultado” y lo descartó. Sin él -y sin Lloyd Bridges o Leslie Nielsen- no nos habríamos reído tanto. Gracias, Peter. Descansa en paz.
PD: En la continuación del post tenéis el vídeo de las dos escenas de Peter Graves en ‘La noche del cazador’.
Vía | El Mundo
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Que Plumas de Caballo sea un blog de cine clásico no quiere decir que solamente mire al pasado. Como ya sabéis algunos de vosotros, tenemos nuestros propios grupos en Facebook y Twitter para que las actualizaciones de contenido os lleguen lo más rápidamente posible y podáis intervenir con vuestros comentarios, críticas y sugerencias. Venga, a ver si os animáis a formar parte de nuestra familia, cada día más numerosa: haced clic aquí para entrar al grupo de Facebook y aquí para haceros seguidores en Twitter. Y por supuesto podéis invitar a quien queráis, estaremos encantados de recibir nuevos lectores.
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