Archivo de agosto, 2010
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’40 pistolas’ (1957)
Es complicado escribir una crítica de ’40 pistolas’ justo después de haberla visto por primera vez. Uno sabe que está ante un western atípico, intuye por qué Samuel Fuller es considerado hoy en día como un director de culto, y valora su osadía a la hora de dotar a la historia de una fría y extrema violencia. Sin embargo, para que las palabras fluyan, para que nuestro paladar saboree el manjar y para que nuestro cerebro separe el grano de la paja, hacen falta unos días de reposo. De ahí que este fin de semana Plumas de Caballo no se haya actualizado.
Samuel Fuller escribió, produjo y dirigió ’40 pistolas’ en 1957. La acción tiene lugar en un condado indeterminado del estado de Arizona, donde la autoritaria Jessica Drummond (Barbara Stanwyck) impone su ley con mano de hierro… y con la ayuda de los cuarenta pistoleros que forman su séquito -de ahí el título de la película. Tal es su poder en este condado que hasta el sheriff (Dean Jagger) besa el suelo por donde pisa.
Un día llegan a la capital del condado los hermanos Bonnell. Se nos presentan en la primera escena del film, rodada con una impresionante efectividad, en la que casi son arrollados por Jessica Drummond y sus 40 secuaces. Pero Griff, el mayor de los Bonnell (Barry Sullivan), no es de los que se deja impresionar fácilmente. Su pasado como pistolero le ha dado las agallas suficientes para afrontar la tarea que le ha encomendado el gobierno: limpiar Arizona de dictadores como Jessica. Con este objetivo se asienta Griff en el poblado, acompañado por sus hermanos menores: Wes (Gene Barry), que actúa como lugarteniente y consejero; y Chico (Robert Dix), un impetuoso e inexperto muchacho que está obsesionado por demostrar su valía en el fuego cruzado.
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‘Nacida para el mal’ (1950)
Cuatro años tardó la RKO en sacar adelante el rodaje de ‘Nacida para el mal’. En 1946 compró los derechos de la novela de Anne Parrish y adjudicó los roles protagonistas a Joan Fontaine, Henry Fonda, John Sutton y Marsha Hunt. Pero, poco después, el proyecto fue cancelado. Se recuperó en 1948 bajo el título de ‘Bed of Roses’, esta vez con Barbara Bel Geddes en el papel principal; sin embargo, Howard Hugues intercedió contra ella y prefirió esperar dos años más, hasta que Joan Fontaine volvió a quedar libre. El resultado fue una película con buenas interpretaciones, algunas escenas meritorias y una pulcra dirección de Nicholas Ray pero, a su vez, con una evidente falta de intensidad dramática y con una crispante indefinición general.
Asumiendo un poco el papel de la lagarta Anne Baxter en ‘Eva al desnudo’, Joan Fontaine da vida a Christabel Caine, una joven que ha crecido agarrada a las faldas de su tía Clara (Virginia Farmer) tras quedarse huérfana. Es una criatura hermosa y dulce para todo el mundo. Por ello, su prima Donna (Joan Leslie) no ve ningún peligro en el hecho de que se mude a su casa mientras se adapta a su primer trabajo: taquígrafa de la editorial de su tío John (Harold Vermilyea). Pero la pícara sonrisa de Christabel no pasa desapercibida para el escritor Nick Bradley (Robert Ryan), el cual está convencido de que bajo esa apariencia angelical existe una mujer ambiciosa y egoísta que hará lo necesario por escalar hacia el éxito en menos que canta un gallo.
El plan de Christabel consiste en sembrar la semilla de la discordia entre Donna y su prometido, el millonario Curtis Carey (Zachary Scott). Con sus modales aniñados y su lengua afilada, Christabel se va metiendo en el bolsillo a Curtis mientras Donna se muestra cada vez más dudosa respecto a su próximo matrimonio. Nick, un hombre cínico y esnob, de los que siempre mira a los demás por encima del hombro, sabe cuál es la estrategia que está empleando esa víbora rubia… Pero no la delata porque está enamorado de ella y, además, Christabel parece corresponderle.
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Estrenos en DVD: Agosto 2010 (II)
Después de publicar los obituarios de Suso Cecchi d’Amico y Robert F. Boyle, a uno le vienen ganas de ver algo de buen cine clásico para quitarse el regusto amargo de la boca. Hace unos días ya os anticipamos algunas de las novedades del mes de agosto -todas ellas pertenecientes al western- y ahora completamos la oferta de estrenos para las próximas semanas. La verdad es que no son títulos muy conocidos, pero quién sabe, a lo mejor encontramos una perla que nos ayude a soportar los rigores del calor veraniego. (Nota: por mucho calor que tengáis, cuando vayáis al cine poneos el abrigo. Parece que los encargados de las salas quieren matarnos de frío.)
‘El estado de la unión’ (Frank Capra, 1948). Comedia romántica con trasfondo político y social dirigido por el siempre comprometido y un tanto sentimental Frank Capra. Spencer Tracy es Grant Matthews, un hombre de negocios que emprende la arriesgada carrera hacia la presidencia de los Estados Unidos. Pronto tendrá que elegir entre la ambición del poder y la integridad de su esposa (Katharine Hepburn). En definitiva, un relato capriano del sueño americano que en un principio iban a protagonizar Gary Cooper y Claudette Colbert, pero que terminó convirtiéndose en otro vehículo para el éxito de la pareja Tracy & Hepburn. Van Johnson, Angela Lansbury y Adolphe Menjou completan el reparto. Edita: Universal. Precio: No especificado. Sin extras.
‘Piel de serpiente’ (Sidney Lumet, 1960). Adaptación de una obra de Tennessee Williams, narra la historia de un músico callejero de Nueva Orleans llamado Valentine Xavier (Marlon Brando). Tras enfrentarse a los agentes del orden, Valentine escapa Mississippi arriba hasta llegar al pueblo de Two Rivers, donde es acogido por la señora Torrance (Anna Magnani), una italiana con la que iniciará una relación. Sin embargo, Valentine será irá interesando poco a poco por otra mujer que tiene más cosas en común con él: la alcohólica Carol Cutrere (Joanne Woodward). Pasiones sureñas por doquier -como sólo el mejor Williams sabía retratar- que traspasaron la ficción, puesto que, al parecer, Magnani iba loca por acostarse de verdad con Brando y éste… la encontró poco atractiva y no le hizo ni caso. El film ganó dos premios en el Festival de San Sebastián: la Concha de Plata para Sidney Lumet y el premio Zulueta para Joanne Woodward. Edita: 20th Century Fox. Precio: 14,99 euros. Sin extras.
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Robert F. Boyle también nos ha dejado
Si hace apenas 24 horas hablábamos de la muerte de la guionista italiana Suso Cecchi d’Amico, ahora tenemos que referirnos al deceso de Robert F. Boyle, uno de los diseñadores de producción más importantes del cine clásico estadounidense. Cumplió 100 años en octubre del año pasado y salió acreditado en más de un centenar de películas desde la década de los cuarenta hasta la de los noventa. Trabajó con directores de la talla de Alfred Hitchcock, Norman Jewison o Don Siegel, y fue nominado a los Oscars por ‘Con la muerte en los talones’ (1959), ‘Gaily, Gaily’ (1969), ‘El violinista en el tejado’ (1971) y ‘El último pistolero’ (1976). En su haber también figuran los diseños de producción de ‘Los pájaros’, ‘Marnie, la ladrona’ o ‘A sangre fría’.
Robert Francis Boyle nació en Los Ángeles en 1909 y se licenció en Arquitectura por la Universidad del Sur de California. Empezó a trabajar en el sector, pero fue una de las millones de víctimas que perdieron su empleo por culpa de la Gran Depresión. Eso le motivó a buscar otros frentes en los que aplicar los conocimientos adquiridos en la facultad. La Paramount le abrió las puertas del cine en 1933 al contratarle como delineante. Allí estuvo siete años montando decorados y ejerciendo de eventual asistente de dirección, hasta que la Universal lo incorporó a su plantilla. Poco a poco fue ganándose un hueco respetable en la industria, llegando al cenit de su carrera a finales de los cincuenta, cuando consolidó su relación profesional con Alfred Hitchcock.
Hace sólo un año y medio que Robert F. Boyle recibió el Oscar Honorífico de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, un merecido aunque tardío reconocimiento. Tenéis toda la secuencia de la entrega del premio en el vídeo de arriba. Nicole Kidman le presenta ante el público y da paso a una recopilación de escenas diseñadas por Boyle, entre las que destaca ese columpio lleno de cuervos que tantas pesadillas nos provoca a quienes tenemos aversión a las palomas (aquí no hay cuervos; si no, también los temería). Después aparece Boyle en el atril, con un aspecto bastante bueno a pesar de los 98 años que tenía entonces (el galardonado de mayor de edad de la historia de los Oscars). En su discurso se acuerda de toda la gente que le ha ayudado en “el gran viaje” que ha sido, para él, la vida. Sus palabras emocionan hoy más que nunca. Descanse en paz.
Vía | IMDb
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Muere Suso Cecchi d’Amico
El pasado sábado 31 de julio murió Suso Cecchi d’Amico, guionista italiana, pieza angular del neorrealismo y colaboradora habitual del director Luchino Visconti. Tenía 96 años recién cumplidos. Fue enterrada el lunes tras recibir el último adiós en la iglesia de Santa María del Pueblo de Roma, la ciudad donde había nacido -con el nombre de Giovanna- el 21 de julio de 1914.
Hija del escritor y crítico de cine Emilio Cecchi, Suso fue inculcada en los valores del respeto, el feminismo y la libertad, así que no es de extrañar que su carrera fuera vista con ojos desconfiados por los sectores más rancios de la derecha italiana. Su antifascismo se hizo patente en los mensajes implícitos de los guiones que firmó, entre los que se encuentran ‘Roma, ciudad abierta’ (Roberto Rossellini, 1945), ‘Ladrón de bicicletas’ (Vittorio de Sica, 1948) o tres de los más destacados de Luchino Visconti: ‘Senso’ (1954), ‘Rocco y sus hermanos’ (1960) y ‘El gatopardo’ (1963). Se rumorea, además, que fue ella quien dio la forma definitiva al libreto de ‘Vacaciones en Roma’ (William Wyler, 1953).
De todos los premios que recibió -que no fueron demasiados- el más importante fue el León de Oro al conjunto de su carrera que le fue entregado en el Festival de Venecia de 1994, así como la Orden al Mérito de la República Italiana. Tenía tres hijos -Masolino, Caterina y Silvia- fruto de su matrimonio con el intelectual y musicólogo Fedele d’Amico, fallecido en 1990.
La directora Cristina Comencini, que contó con Suso en ‘El final ya es sabido’ (1993), la recuerda como “una mujer completa, entre cuyas virtudes se encontraba una gran claridad en la escritura. Escuchaba a todos y tomaba apuntes. En los diálogos era muy sutil y tenía un gran respeto por el público”. Así pues, gracias por todos estos guiones cinematográficos. Descanse en paz.
Vía | ABC
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Harpo Marx, silencioso ruido
Los periódicos españoles siguen dando espacio al cine clásico en sus suplementos veraniegos. A ver si cuando se vaya el calor siguen acordándose de él. En esta ocasión os traemos el extenso reportaje que Peio H. Riaño ha escrito en el diario ‘Público’ sobre Harpo Marx. Lo he leído con atención, porque Harpo es mi hermano Marx favorito, y tengo que reconocer que le hace bastante justicia. Básicamente es una recopilación de datos extraídos de la autobiografía ‘¡Harpo habla!’ que, según entiendo, va a reeditar Seix Barral el otoño próximo. Yo tengo por las estanterías la edición que sacó Montesinos en 2001. No sé si las historias de Harpo son tan divertidas como las de Groucho, pero seguramente sean más veraces. De todas ellas me quedaría con la tronchante visita a la Unión Soviética.
Hace unos años, un amigo -que ahora mismo está en Islandia- y yo entrevistamos a Félix Fanés, profesor de Historia del Arte y estudioso de la figura de Salvador Dalí (creo que por aquel entonces era el responsable del museo del pintor en Figueres). En la entrevista profundizamos sobre la relación entre Dalí y el cine de Hollywood, haciendo hincapié en la admiración que el pintor sentía hacia los hermanos Marx en general y hacia Harpo en particular. No recuerdo las palabras exactas del señor Fanés, pero vino a decirnos que, para Dalí, Harpo Marx era el paradigma del surrealismo, el alma pura de un niño atrapado en el cuerpo de un hombre y, sobre todo, un personaje incapaz de controlar sus instintos: se tiraba encima de la comida y las mujeres sin pensar en las consecuencias. Habría mucho que discutir aquí puesto que el comportamiento libertario de Harpo solía proceder de guiones que establecían un patrón de conducta ante la cámara; pero es cierto que la idea del personaje en sí -no de la persona- era para Dalí lo mismo que un trozo de queso para un ratón.
Siempre he admirado el cinismo y la ironía de Groucho, el falso encanto de Chico y la entereza con la que Zeppo asumía sus roles secundarios. Pero quien me robó hace tiempo el corazón cinematográfico fue Harpo; sí, por ser ese espíritu burlón, el tipo que hace todo lo que nosotros no podemos hacer porque nos regimos por las normas que nos impone la sociedad. Pero también por una razón mucho más sencilla: porque me hace reír. Uno de los mayores ataques de risa que he tenido nunca lo sufrí en una biblioteca mientras veía la escena de ‘Sopa de ganso’ que encabeza este post. Y es que el hombre que no podía hablar tenía una facilidad innata para emitir todo tipo de sonidos… en los peores momentos.
Vía | Público
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