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Ciclo Cara de Poker: ‘El destino también juega’ (1966)
Si en el primer capítulo de nuestro ciclo describimos las angustiosas timbas de ‘El hombre del brazo de oro’, ahora nos centramos en una película que es una gran partida de poker del primer al último minuto. ‘El destino también juega’ fue dirigida por Fielder Cook en 1966 a partir de un guión de Sidney Carroll y contó con un extraordinario reparto en el que figuraban curtidos rostros del western como Jason Robards, Charles Bickford o Paul Ford, y dos estrellas de primer nivel como Joanne Woodward y Henry Fonda.
El ritmo inicial de la película es trepidante. Vemos a Charles Bickford vestido de enterrador, conduciendo una diligencia fúnebre a toda velocidad por las Grandes Llanuras. De vez en cuando se detiene para recoger a otro hombre, lo sube al carro y prosiguen la marcha. Así hasta llegar a Laredo, donde descubrimos qué tienen estos hombres en común: los cinco son unos artistas en jugar al poker en Texas. Se reúnen una vez al año para desplumarse los unos a los otros mientras los borrachos del bar mantienen el alma en vilo.
Dado que es un western con mucha comedia, los estereotipos de cada jugador son divertidos. Henry Drummond (Robards) es el favorito, seguro de sí mismo, enérgico y nervioso. Benson Tropp, el enterrador Bickford, proyecta una imagen lúgubre reforzada por su misoginia. Otto Habershaw (Kevin McCarthy) es un cínico guaperas que aparenta tener sentimientos. Dennis Wilcox (Robert Middleton) es un gordo bravucón que defiende las reglas del Viejo Oeste. Y Jesse Buford (John Qualen), un tímido jugador que no se fía ni de su sombra.
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‘La mujer del cuadro’ (1944)
Teníamos pendiente un post sobre ‘La mujer del cuadro’ para cerrar el recuerdo a la actriz Joan Bennett con motivo de su centenario, así que vamos a saldar esa deuda cuanto antes. Estamos ante una de las mejores películas de Bennett; sin embargo, pongo en duda que también lo sea de su director, Fritz Lang. Creo que el vienés cuenta en su filmografía con obras más notables que ‘La mujer del cuadro’, donde recoge de manera soberbia los principales ingredientes de la atmósfera ‘noir’ pero donde también descuida el guión hasta convertirlo en un simple -aunque agradable- pasatiempo. Por eso me parece más interesante la película que cierra esta especie de díptico sobre las ‘femme fatales’, rodada al año siguiente bajo el título de ‘Perversidad’, en la que aparecen prácticamente los mismos actores y actrices protagonistas.
La sinopsis de ‘La mujer del cuadro’ nos traslada hasta una zona acomodada de Nueva York en la que los hombres de bien pegan una patada a sus esposas e hijos en cuanto se les presenta la oportunidad y se reúnen en clubes nocturnos para beber, fumar y charlar de lo divino y de lo humano. Esa es la principal afición del señor Richard Wanley (Edward G. Robinson), un almidonado profesor universitario que hace tiempo que ni siente ni padece, acostumbrado a una vida cómoda, sin sobresaltos pero, lógicamente, sin emoción alguna.
Una noche, al entrar al club, el señor Wanley se queda prendado de la mujer que aparece en el solitario cuadro de un escaparate. Se pregunta quién será la modelo y pierde la noción del tiempo, para mofa de sus colegas. Al cabo de unas horas, abandona el local con el sueño en el cuerpo -y unas cuantas copas- y decide echar un último vistazo a la mujer del cuadro. Mientras lo observa de nuevo con la boca abierta, la modelo real aparece a su lado. Resulta ser una chica ligera de cascos (Joan Bennett) que le convence para seguir la velada en casa. Lo que Wanley no sabe es que la chica tiene un amante que se presentará sin avisar e intentará estrangularle y que no tendrá más remedio que matarlo clavándole unas tijeras.
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Ciclo Cara de Poker: ‘El hombre del brazo de oro’ (1955)
Abrimos un nuevo ciclo en Plumas de Caballo. Os recuerdo que por ahí anda el especial de Historia de los Oscars, que espero terminar antes de jubilarme (próximamente, el último capítulo de la gala de 1929). Pero aún nos quedan energías para dar el pistoletazo de salida a otra sección, dedicada fundamentalmente a las partidas de poker más interesantes del cine clásico. Bienvenidos pues a nuestro ciclo Cara de Poker.
La primera timba que vamos a desmenuzar es la que protagonizó Frank Sinatra en ‘El hombre del brazo de oro’, película de gran calidad dirigida por Otto Preminger en 1955 y que contó con dos actrices espectaculares en su reparto: Kim Novak y Eleanor Parker, además del entrañable Arnold Stang. Es una cinta sórdida, que trata el infierno de las drogas con la crudeza que permitía la censura de la época y en la que Sinatra encarna a Frankie Machine, un jugador dotado de una habilidad extraordinaria para desplumar a sus rivales, lo que le convierte en el arma favorita de quienes le explotan sin compasión a cambio de una dosis.
El local donde tienen lugar los juegos de poker -justo enfrente de la casa de Machine- es igualmente tétrico. Se accede por una puerta trasera, apenas hay iluminación y el humo de los cigarrillos genera una espesa niebla mientras el sudor empapa las camisas de los jugadores. Frankie, que ejerce de banquero, reta a uno o varios apostantes y les vacía los bolsillos poco a poco, sin prisa pero sin pausa, como si supiera en cada momento qué cartas de la baraja está repartiendo y cuáles tienen cada uno de sus oponentes. Finalmente, cuando a éstos ya no les queda ni el orgullo, la partida se da por acabada y Frankie recibe una pequeña cantidad de dinero por los servicios prestados.
La timba principal de ‘El hombre del brazo de oro’ enfrenta a Frankie con dos mafiosos de altos vuelos que creen que podrán hacer picadillo a ese flacucho banquero por muy bueno que sea manoseando la baraja. Y una vez más, Frankie parece salirse con la suya, venciendo con facilidad las primeras rondas, amasando una verdadera fortuna en un par de horas.
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Confirmado: Leonardo DiCaprio será Frank Sinatra
Llevamos casi tres años oyendo hablar del biopic de Frank Sinatra, uno de los proyectos sobre estrellas del cine clásico que más está costando arrancar. Primero supimos que la película se basaría en las memorias de su ayudante personal, George Jacobs, y que estaría a cargo de dos sujetos tan sospechosos como el director Brett Ratner y el actor Chris Tucker. Meses después respiramos tranquilos al saber quién se iba a hacer cargo realmente del biopic: el gran Martin Scorsese. Y a partir de ahí se dispararon los rumores sobre quién encarnaría a Sinatra. Los nombres de George Clooney o Johnny Depp salieron a la palestra, pero a nadie se le escapaba que Scorsese iba a luchar para que fuera su actor fetiche quien se llevara el papel.
Finalmente, el propio Scorsese ha confirmado lo que intuíamos en este blog desde hace tiempo, que el elegido es Leonardo DiCaprio. No era difícil acertar. Esta será la quinta vez que DiCaprio estará a sus órdenes, después de ‘Gangs of New York’ (2002), ‘El aviador’ (2004), ‘Infiltrados’ (2006) y la recién estrenada ‘Shutter Island’ (2010). Eso sí, Scorsese ha advertido que el guión aún no está terminado y que DiCaprio no cantará en el film, ya que la idea es que le doble el propio Sinatra; una decisión con la que coincidimos al cien por cien.
A partir de ahora los rumores se centrarán en los actores y actrices que completan el reparto, así como en la fecha de inicio del rodaje, que mucho nos tememos no será antes de 2011. Y es que los próximos proyectos de Scorsese son un documental sobre George Harrison y la adaptación del libro ‘La invención de Hugo Cabret’. Será después cuando se ponga manos a la obra con ‘Sinatra’, por lo que seguramente no estará en los cines hasta 2012… y en el caso de España, puede que aún más tarde. Pero veréis como tanta espera merece la pena.
Por cierto, partiendo de la base de que Sinatra es insustituible e inimitable, ¿qué os parece la elección de DiCaprio? Físicamente se parecen tanto como un huevo y una castaña, pero sin duda Leo es uno de los actores del momento y ya protagonizó con buen resultado el biopic de Howard Hugues (’El aviador’). Quede bendecido pues por Plumas de Caballo. Suerte.
Vía | 20 minutos
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Kathryn Grayson ha muerto
Nueva estrella del cine clásico de la que nos tenemos que despedir: Kathryn Grayson. Ha fallecido a los 88 años en Los Ángeles por causas naturales, según informa la prensa estadounidense. Fue un rostro habitual en los musicales de la Metro en los años cuarenta y cincuenta. Es momento de que en Plumas de Caballo le rindamos un pequeño homenaje en forma de post.
El sueño de Zelma Kathryn Elisabeth Hedrick era ser cantante de ópera. Y la verdad es que tenía unas cuerdas vocales fabulosas. Por eso, cuando tenía 15 años, sus padres aceptaron mudarse con ella de Carolina del Norte a Los Ángeles, con la esperanza de hallar el camino al éxito. Pero es poco probable que Kathryn adivinara lo que iba a suceder: triunfaría, sí, pero no en los grandes teatros de ópera, sino en las pantallas de cine de Hollywood.
En 1941, un caza talentos de la Metro la escuchó por casualidad en la radio y se dijo que tenía una voz perfecta para el cine musical. Kathryn recibió una oferta para unirse a la productora de Louis B. Mayer y la aceptó de inmediato. El problema es que con esa firma perdió casi todas las opciones de dedicarse a la ópera; cuando le ofrecieron cantar en el Metropolitan, el señor Mayer en persona se lo prohibió para no dañar su imagen de actriz. El motivo puede parecer poco convincente, pero la verdad es que en aquella época eran los grandes estudios quienes tenían la sartén por el mango.
El mismo año que dio el salto al cine, Kathryn se casó con un actor bastante discreto llamado John Shelton, del que se divorciaría en 1946. Para entonces, Kathryn ya había rodado su primer gran éxito como actriz: el musical ‘Levando anclas’, donde compartió luminarias con dos pesos pesados del género como Frank Sinatra y Gene Kelly. En 1947 se casó por segunda y última vez, ahora con un barítono de clubes nocturnos -Johnny Johnston- con el que sólo duró cuatro años pero el cual le dio a su única hija.
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‘Metrópolis’ congrega a dos mil personas en la Puerta de Brandeburgo
Desde hace unos días se celebra la edición número 60 del Festival de Cine de Berlín, el Oso de Oro de la cual se dará a conocer el próximo domingo. Quienes envían sus crónicas desde allí dicen que, tras unos cuantos años de preocupación por los efectos del cambio climático, la capital alemana vuelve a estar azotada por un frío terrible; de hecho, las temperaturas oscilan entre los cuatro grados centígrados y los tres bajo cero. Con este panorama, organizar una proyección al aire libre de ‘Metrópolis’ parecía una cosa de locos, como ha reconocido el director de la Berlinale, Dieter Kosslick. Pero el caso es que ha salido bien.
Más de dos mil personas se congregaron el pasado viernes frente a la Puerta de Brandeburgo para ver el clásico de Fritz Lang, 83 años después de su estreno. El gancho era que en esta sesión se incluían 30 minutos extras que se temían perdidos para siempre y que fueron encontrados hace dos años en Argentina “por un increíble golpe de suerte”, según reconoció el ministro de Cultura alemán, Bernd Neumann. Además, los espectadores gozaron de música en directo gracias a una orquesta.
La media hora añadida alarga la película hasta los 153 minutos. Al parecer, en su día fue recortada para hacerla menos pesada para el público, sobre todo para el gran mercado de los Estados Unidos. Al parecer también, Fritz Lang no se enteró de nada hasta que fue demasiado tarde y solo pudo exclamar: “Ésta es otra película.” Así pues, su honor queda restablecido… O casi, pues algunas fuentes apuntan a que todavía hay sesenta minutos de metraje en el limbo. Si el anterior hallazgo tuvo lugar en Argentina, no sería extraño que el próximo ocurriera en el altillo de vuestra casa. Yo de vosotros iría a echar un vistazo.
Considerada como la madre de la ciencia ficción, ‘Metrópolis’ fue el primer film que entró en el registro de la Memoria del Mundo de la UNESCO, cuyo objetivo es preservar los valores culturales más importantes de la Humanidad. En su catálogo también se encuentran ‘Los olvidados’ de Luis Buñuel, ‘El mago de Oz’ de Victor Fleming y las primeras películas de los hermanos Lumière.
Vía | Público
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‘Johnny Guitar’ (1954)
Fue a principios de 1953 cuando Joan Crawford compró los derechos de la novela de Roy Chanslor ‘Johnny Guitar’. Sabía que en esas páginas había material de primera para rodar una película y que ella sería la protagonista perfecta. Con esta condición cedió los derechos a la Republic Pictures, que otorgó el papel de villana a Mercedes McCambridge; Crawford pataleó como protesta -ella prefería a la dócil Claire Trevor- pero tuvo que conformarse. Nicholas Ray fue elegido director y Sterling Hayden encarnó al hombre de la guitarra. El resultado fue un western atípico, con una trama tan enrevesada y oscura como la de un ‘film noir’ y algunas escenas y diálogos que son puro melodrama.
El excelente guión de Philip Yordan nos pone en situación con una larga y tensa primera secuencia en la que se van poniendo las cartas sobre la mesa, a menudo con insinuaciones y sutilezas muy bien trabajadas. Joan Crawford interpreta a Vienna, una mujer que, después de innumerables sacrificios -más adelante deja claro que ha tenido que abrir sus piernas a medio Far West para ganar el dinero que posee- ha conseguido abrir un casino en una zona desértica, a priori sin futuro alguno; pero Vienna sabe que en pocos meses llegará la vía del ferrocarril y que alrededor de su negocio florecerán miles de hogares. Mientras tanto, sus placeres son escuchar el sonido de la ruleta girando y olfatear los platos que prepara el viejo Tom (John Carradine) en la cocina.
Pero Vienna no es querida en estas tierras. Su presencia se ve como una amenaza para quienes ostentan el poder y, además, es acusada de colaborar con una banda que asalta diligencias cerca de la nueva ruta del ferrocarril. En su contra juega el hecho de que tuvo un romance con uno de los presuntos criminales, Dancin’ Kid (Scott Brady).
No hay pruebas concluyentes que la puedan enviar a la horca, pero tampoco tiene la seguridad de que no se las inventarán (¿otra alegoría de la caza de brujas?). Sabe que necesita protección y por eso se pone en contacto con un hombre recién salido de la cárcel, un tipo introvertido, de pocas palabras, alto como una torre y con una guitarra colgando de sus anchas espaldas. Aunque no lleva ningún arma, Vienna sabe de lo que es capaz. Ninguna mujer le ha conocido tan profundamente como ella.
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‘La rodilla de Claire’ (1970)
Hace ya un par de semanas que falleció Eric Rohmer, el críptico cineasta francés impulsor de la Nouvelle Vague. Dijimos entonces que, para homenajearle, recuperaríamos alguna de sus películas más conocidas en forma de post. Finalmente, me he decantado por ‘La rodilla de Claire’, que se encuadra dentro de sus ‘Cuentos morales’. La vi hace tiempo y me hizo dormir como un tronco, pero como soy partidario de dar segundas oportunidades a aquellas obras que los expertos consideran maestras, hice un segundo intento tras la muerte de Rohmer. La única diferencia positiva es que esta vez aguanté despierto hasta el final.
No me gusta atacar una película por su lentitud. Considero que el ritmo puede ser igual de bueno tanto si es trepidante como si va a paso de tortuga. Pero si el ritmo es lento, pausado y reflexivo, detrás tiene que haber algo que enganche, que invite al espectador a mecerse en la historia que van tejiendo los protagonistas. En el caso de ‘La rodilla de Claire’, mi único interés era saber cuánto quedaba para terminar el suplicio. Intentaré explicarme un poco mejor en las próximas líneas.
La acción tiene lugar en Annecy, un pequeño pueblo situado en el corazón de los Alpes franceses, a principios del mes de julio. Allí se encuentran por casualidad dos viejos amigos que compartieron muchas cosas en el pasado: el bohemio Jérôme (Jean-Claude Brialy), que se acerca a los 40 y está a punto de casarse; y la novelista italiana Aurora (Aurora Comu), que pasa unos días en la casa del lago, propiedad de la señora Walter (Michèle Montel). Jérôme decide que la mejor manera de apurar sus últimos días de soltero es hospedarse también en la casa, recuperando la íntima confianza que le proporcionaba Aurora. Sin embargo, ella parece más interesada en utilizarle como fuente de inspiración para su nueva novela, y le reta a resistir el atractivo de Laura y Claire (Béatrice Romand y Laurence de Monaghan), las hijas adolescentes de la señora Walter.
Bajo mi punto de vista, lo más conseguido de la película es la manera en que Rohmer dibuja la historia. Hablo de forma literal ya que, gracias a la fotografía de Néstor Almendros, el director crea un cuadro que podría pasar por impresionista, en el que las figuras cobran vida y se integran en el majestuoso paisaje alpino; fijaos en el detalle de que las mujeres suelen llevar vestidos de colores llamativos o estampados de flores. Es como si nos pusiéramos delante de una obra de Monet y ésta empezara a moverse, contándonos su propia historia.
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‘El gran Ziegfeld’ (1936)
Hace solo unos días, cuando le dedicamos un post a Luise Rainer por su centenario, dijimos que en breve repasaríamos una de las dos películas que la llevaron al Oscar. La elegida es ‘El gran Ziegfeld’, un biopic pomposo, excesivo y recargado sobre uno de los productores más importantes de Broadway en los años diez y veinte del siglo pasado; un personaje que muy probablemente compartía los adjetivos con los que nos hemos referido a la película. Por su parte, Rainer interpretó a Anna Held, la mujer que impulsó la carrera de Ziegfeld con la fuerza de sus cuerdas vocales.
Rodar ‘El gran Ziegfeld’ costó muchísimo dinero; tanto que, la Universal, propietaria de los derechos, tuvo que vendérselos a la Metro-Goldwyn-Mayer al no poder hacer frente a los gastos. Se estima que el presupuesto final superó los dos millones de dólares, cantidad enorme para aquella época, prácticamente lo mismo que costó rodar ‘El mago de Oz’ tres años después. No hay duda de que gran parte del dinero fue a parar a los bolsillos del actor protagonista, William Powell, pero el mayor derroche se lo llevaron los números musicales con los que se abrillantó la película. Uno de ellos, ‘A pretty girl is like a melody’, costó 200.000 dólares, bastante más de lo que necesitaba el señor Ziegfeld para producir alguno de sus éxitos teatrales.
Florenz Ziegfeld -que se llamaba igual que su padre y por eso utilizaba el ‘Jr.’ al final de su nombre en los carteles que anunciaban los espectáculos- fue el típico empresario ‘yankee’: emprendedor, ambicioso, optimista por naturaleza, cien por cien pragmático, capaz de dejar los escrúpulos bajo la alfombra para recobrar el equilibrio de su imperio. Procedía de una familia alemana de buena reputación que se había instalado en Chicago hacia 1860; el padre fundó una prestigiosa escuela de música que aún hoy sigue abierta. Pero el joven Ziegfeld quería llegar a ser alguien importante de verdad, tener fama, dinero y mujeres. Y empezó su camino aprovechando la Exposición Universal que acogió Chicago en 1893. Allí presentó a Eugen Sandow, padre del culturismo moderno, como “el hombre más fuerte del mundo”.
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Bollywood rodará ‘cortos’ animados de Charlot en tres dimensiones
Como leéis. Una productora de Bollywood ha cerrado un acuerdo con la familia de Charles Chaplin para embarcarse en un proyecto muy interesante: trasladar los mejores ‘cortos’ de Charlot al terreno de la animación. Pero no queda aquí la noticia. Aprovechando la fiebre por las tres dimensiones que vive todo el mundo desde el estreno de ‘Avatar’, los estudios que intervienen en la financiación -DQ Entertainment, Method Animation y MK2- quieren aprovechar las posibilidades de la nueva tecnología para que el mítico y bigotudo personaje sea más real que nunca.
Para llevar a cabo el proyecto se cuenta con un presupuesto de unos ocho millones de euros, cantidad que se considera suficiente para animar las 70 películas de Chaplin que han sido cedidas por sus herederos (a cambio, suponemos, de una jugosa cantidad en concepto de derechos de autor). En teoría el objetivo es bastante noble: que las nuevas generaciones de cinéfilos descubran las peripecias de Charlot, se rían con sus aventuras y se enternezcan con su ingenua personalidad. Además, en el contrato se estipula que los dibujos animados deberán ser mudos para preservar la esencia original.
A mí me parece una gran idea, la cuestión es si los niños de hoy en día le encontrarán alguna gracia a Charlot habiendo tanta competencia en el mercado. Pero entonces pienso en los impresionantes primeros minutos de ‘Wall·E’ o de ‘Up’, en las que no se dice ni pío, y recuerdo que los mocosos de la sala eran incapaces de despegar los ojos de la pantalla. Así que… ¿por qué no? Podría funcionar. Por el momento aplaudimos la valentía de Bollywood, que ya hasta se atreve con iconos del cine clásico anglosajón. Seguro que el 3D no hace a Charlot el triple de bueno -no le hace falta-, pero si sirve para que los pequeños sepan quién es ese hombre del bastón y los zapatos roídos, valdrá la pena el reclamo.
Vía | Estamos Rodando
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