Comedia
Jun
‘La última noche de Boris Grushenko’ (1975)
Incluso a un fan acérrimo de Woody Allen le resulta muy complicado decir que ha visto toda su filmografía. El director neoyorquino ha estrenado 41 películas cinematográficas en 43 años y aún tiene dos más en la agenda: ‘You will meet a tall dark stranger’ y ‘Midnight in Paris’. Es posible que nunca sepamos apreciar como debiéramos su vasta contribución al séptimo arte, sobre todo porque la cantidad va acompañada de calidad; salvo puntuales y excusables tropiezos -se me ocurren ‘Scoop’ o ‘El sueño de Casandra’-, los films de Allen son buenos, notables o, directamente, auténticas obras maestras. Por eso, cuando escoges una de sus películas al azar, sabes que las probabilidades de acierto son bastante altas.
‘La última noche de Boris Grushenko’ -titulada originalmente ‘Love & Death’- es la sexta película de Allen, preludio de la espléndida ‘Annie Hall’ (1977). Puede que ahora haya quedado sepultada por el extenso catálogo de films woodywodienses del que disponemos, pero merece la pena bucear en los años setenta para descubrirla. Es mordaz, absurda, mitómana, filosófica y -por encima de todo- divertidísima. Puede que me traicione el fresco recuerdo que tengo de ella, pero ahora mismo no sabría decir otra película de Allen con la que me haya reído tanto. ¿Significa esto que es su mejor film? Seguramente, no; pero anda cerca.
La carátula misma del DVD es para troncharse: en ella aparece la Muerte, de espaldas a cámara, vestida con un traje blanco impoluto y su correspondiente guadaña; a su espalda, el desgraciado Boris Grushenko baila y levanta los brazos, con una sonrisa que refleja locura y resignación. Este es el más evidente de los homenajes que realiza Allen a lo largo de la película, al parodiar ‘El séptimo sello’ de Ingmar Bergman. Otros guiños irán destinados a los hermanos Marx -sobre todo a ‘Sopa de ganso’ y ‘Una noche en la ópera’-, Charles Chaplin, Buster Keaton o al film ‘Persona’, del propio Bergman. Pero más que de homenajes habría que hablar de la declaración de amor de Allen hacia todos ellos, de su admiración por quienes le precedieron en el noble oficio de engrandecer el cine (¡y qué pocos han tomado ejemplo desde entonces!).
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Ciclo Cara de Poker: ‘El destino también juega’ (1966)
Si en el primer capítulo de nuestro ciclo describimos las angustiosas timbas de ‘El hombre del brazo de oro’, ahora nos centramos en una película que es una gran partida de poker del primer al último minuto. ‘El destino también juega’ fue dirigida por Fielder Cook en 1966 a partir de un guión de Sidney Carroll y contó con un extraordinario reparto en el que figuraban curtidos rostros del western como Jason Robards, Charles Bickford o Paul Ford, y dos estrellas de primer nivel como Joanne Woodward y Henry Fonda.
El ritmo inicial de la película es trepidante. Vemos a Charles Bickford vestido de enterrador, conduciendo una diligencia fúnebre a toda velocidad por las Grandes Llanuras. De vez en cuando se detiene para recoger a otro hombre, lo sube al carro y prosiguen la marcha. Así hasta llegar a Laredo, donde descubrimos qué tienen estos hombres en común: los cinco son unos artistas en jugar al poker en Texas. Se reúnen una vez al año para desplumarse los unos a los otros mientras los borrachos del bar mantienen el alma en vilo.
Dado que es un western con mucha comedia, los estereotipos de cada jugador son divertidos. Henry Drummond (Robards) es el favorito, seguro de sí mismo, enérgico y nervioso. Benson Tropp, el enterrador Bickford, proyecta una imagen lúgubre reforzada por su misoginia. Otto Habershaw (Kevin McCarthy) es un cínico guaperas que aparenta tener sentimientos. Dennis Wilcox (Robert Middleton) es un gordo bravucón que defiende las reglas del Viejo Oeste. Y Jesse Buford (John Qualen), un tímido jugador que no se fía ni de su sombra.
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‘La mujer del año’ (1942)
El concepto de química es muy propio del cine clásico. Ahora se usa bastante menos, o esa es la sensación que yo tengo. Quizá porque antes había más parejas que repetían en series de películas y que terminaban siendo naturales para el espectador: Humphrey Bogart y Lauren Bacall, Robert Mitchum y Deborah Kerr, Fred Astaire y Ginger Rogers, etc. La relación -profesional e íntima- entre Spencer Tracy y Katharine Hepburn comenzó en 1942 con ‘La mujer del año’, una irregular comedia romántica dirigida por George Stevens que sirvió para que los tórtolos repitieran en ocho ocasiones más hasta el año 1967.
La leyenda dice que Hepburn tuvo mucho que ver en la génesis de ‘La mujer del año’. Primero se hizo con los derechos de un guión que habían escrito los desconocidos Michael Kanin y Ring Lander Jr., para luego revendérselo a Louis B. Mayer. La actriz no reveló el nombre de los guionistas hasta que Mayer soltó la pasta, seguramente porque de haber sabido que no eran dos figuras, habría negociado a la baja. Y, puestos a pedir, la decisión más sorprendente fue renunciar a su director favorito -George Cukor- porque pensaba que Tracy necesitaría “alguien con quien poder hablar de béisbol”. Así que el elegido fue otro George -Stevens- que ya la había dirigido en ‘Sueños de juventud’ (1935).
Está claro que Hepburn estaba como loca por hacer aquella película y es que, entre otras razones, el papel le iba como anillo al dedo. Su personaje era una periodista llamada Tess Harding, una mujer avanzada a su tiempo que conseguía entrevistarse con políticos de primer nivel, que viajaba continuamente y que contaba con un asistente personal -el relamido Gerald, encarnado por Dan Tobin- para organizar su apretadísima agenda. La señorita Harding está en todas partes, es válida tanto para enviar una crónica desde el frente aliado como para hacer un discurso en una convención feminista; sólo tiene un punto flaco: el periodismo deportivo.
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‘Marty’ (1955)
He de reconocer que tenía un mal presentimiento con Marty. El DVD llevaba varios meses pasando de una estantería a otra, sin que me decidiera a ponerlo. Siempre había otra película clásica que me parecía más interesante por descubrir o por revisar. Pero con 35 grados a la sombra uno quiere algo fresquito y ligero, y si va acompañado de ocho nominaciones al Oscar (con premios a la mejor película, al mejor actor principal y al mejor director), parece que nada puede fallar. El caso es que Marty fue un gran remedio contra el calor porque me dejó… frío.
A lo mejor es que había aborrecido el film antes de verlo por la buena prensa que tiene. Es posible; todas las críticas son subjetivas y el contexto en que ves una película influye más de lo que nos pensamos. Pero por más vueltas que le doy y más méritos que intento encontrarle, no conecté con Marty.
El argumento es de una sencillez aplastante. Marty (Ernest Borgnine) es el patito feo de una familia de raíces italianas afincada en Nueva York. Tiene 34 años, trabaja como carnicero y es el único de seis hermanos que todavía no ha conocido el amor. Cada sábado por la noche intenta ligar con alguna chica, pero todas le rechazan por su falta de atractivo físico.
Marty debe luchar contra su complejo y, además, soportar la presión de quienes le instan a casarse de una vez por todas, empezando por su madre. Hasta que, por fin, le sonríe la fortuna. De forma totalmente casual conoce a Clara Snyder (Betsy Blair), una joven profesora de Brooklyn que se encuentra en una situación parecida: ni viste a la moda, ni tiene un rostro hermoso, ni sabe mover las caderas de manera sensual. Los dos adefesios (como gustan de llamarse) se enamoran a pesar del rechazo que provocan en la hipócrita sociedad que les rodea, incluyendo a amigos y familiares.
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Películas fantasmas (I): ‘Humor Risk’
El diario 20 minutos ha publicado esta semana un interesante reportaje sobre películas clásicas que nunca llegaron a realizarse. Y leyendo la nómina de directores, intérpretes y, sobre todo, la relación de historias que iban a contarnos, es una pena que no se llevaran a cabo. Si se me apareciera el genio de la lámpara y me dijera que podría convertir en realidad uno de esos films, me quedaría con el Napoleón que quiso rodar Stanley Kubrick en 1968, con más de 40.000 extras y con Jack Nicholson en la piel de emperador francés. Suena grandioso. Os dejo el enlace al artículo para que podáis escoger vuestra favorita.
Siendo fieles a las raíces de este blog, hemos de completar esa lista con dos obras inacabadas de los hermanos Marx. Dos películas que han pasado a la mitología de sus fans y de las que se conservan bocetos, fragmentos de guión e incluso algunas fotografías, pero ni un sólo centímetro de material filmado. Estamos hablando de Humor Risk y de Jirafas en ensalada de lomos de caballo, a la que ya nos referimos en un post sobre Salvador Dalí.
A principios de los años veinte, los Marx trabajaban a toda máquina en el teatro, pero cada vez estaba más claro que el cine iba a ser el maná de los espectáculos. Groucho y sus hermanos se pusieron en contacto con algunos estudios de Hollywood que se mostraron reacios a financiar sus locuras en versión celuloide. Así que fueron ellos mismos quienes pusieron la mayor parte del dinero que costaba rodar una película decente: 7.000 dólares. Un modesto grupo de productores, entre los que se hallaba el famoso guionista Jo Swerling, contribuyó a engordar el presupuesto.
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‘Con faldas y a lo loco’, 50 años de imperfecciones
Este domingo se han cumplido 50 años del estreno de Con faldas y a lo loco, ocurrido en Estados Unidos el 29 de marzo de 1959. Superados los múltiples problemas que surgieron durante el rodaje, como los insaciables caprichos de la estrella Marilyn Monroe, la película fue un éxito de taquilla y lanzó las carreras artísticas de Jack Lemmon y Tony Curtis. Para muchos es la mejor comedia de Billy Wilder; para casi todos, contiene una de las citas más célebres de la historia del cine: “Nadie es perfecto.” Se la dice el multimillonario Osgood Fielding III (Joe E. Brown) al travestido Lemmon y la recuperamos en versión original en el vídeo que encabeza este post. La temporada pasada fue uno de los fragmentos escogidos para la cuña de Plumas de Caballo en su versión radiofónica. ¡Qué recuerdos!
Vía | 3cat24
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‘Copacabana’ (1947)
El 9 de febrero se cumplen 100 años del nacimiento de Carmen Miranda. Exótica bailarina nacida en Portugal pero brasileña por los cuatro costados, se convirtió en una de las sensaciones de Nueva York en los años cuarenta y, por supuesto, Hollywood no desaprovechó la ocasión de contratarla. Así, Carmen meneó las caderas en una quincena de películas, muchas veces con una grotesca macedonia insertada en su cabeza. Murió pronto, a los 46 años, de un ataque al corazón; Brasil, conmocionado, decretó duelo nacional.
Copacabana es una de sus películas más famosas, sobre todo porque en ella compartió reparto con Groucho Marx. A priori, una mezcla disparatada. Groucho encarnaba a Lionel Q. Devereaux, un agente estafador que intenta conseguir trabajo para su novia en el Copacabana, un local nocturno muy concurrido de Manhattan. Por una serie de increíbles equívocos, la mujer se ve obligada a hacer dos actuaciones cada noche, una como la desinhibida latina Carmen Novarro y otra como la misteriosa Mademoiselle Fifí.
Poco se puede destacar de esta comedia de enredos dirigida por Alfred E. Green, más que algún chiste por encima de la media protagonizado por Groucho, que luce bigote natural por primera vez en su carrera. Carmen Miranda llama la atención más por su histriónico atuendo que por lo pegadizo de sus ritmos, y ya puede cantar Tico tico no fubá a velocidad de vértigo, que la cosa no da para mucho. Claro que al menos resulta entretenida, lo que no puede decirse de la tórtola Anne (Gloria Jean) ni del empalagoso tenor Andy Russell.
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‘El invisible Harvey’ (1950)
James Stewart obtuvo su cuarta nominación al Oscar con El invisible Harvey, comedia fantástica -en el doble sentido de la palabra- en la que hizo gala de su habitual simpatía y conexión con el público.
La película se basa en una obra de teatro que consiguió un éxito arrollador en Broadway a mediados de los cuarenta, con 1.775 representaciones, y que fue adquirida por la Universal a cambio de 750.000 dólares. Stewart encarna a Elwood P. Dowd, un hombre afable y altruista al que todo el mundo aprecia. Pero su mejor amigo no pertenece a este mundo (o sí): se trata de un conejo de dos metros de altura que le acompaña a todas partes y al que ha bautizado con el nombre de Harvey. La familia de Elwood -encabezada por la histriónica Josephine Hull- no sabe qué hacer para que deje de estropearle las fiestas de la nobleza, así que deciden internarle en un manicomio… Sin saber que los que están a punto de perder la cordura son ellos mismos.
Una comedia tiene que empezar por ser divertida y ésta, por supuesto, lo es. El alemán Henry Koster -nominado al Oscar por La mujer del obispo en 1947- dirige el film con velocidad y elegancia, ayudado por las excelentes interpretaciones de su equipo protagonista. Además de los esperados malentendidos entre Stewart, Harvey y los desconocidos que se van encontrando por la calle, el guión da una vuelta de tuerca más y cuestiona los valores de la felicidad, concluyendo que, tal vez, lo mejor sería estar loco para sobrevivir a este mundo. Pueden cansar un poco los desmayos de Hull -que le valieron la estatuilla- pero también hay que reconocer el buen papel de esta señora que ya había hecho el mismo personaje en la versión teatral.
Lo mejor: Stewart. Y Harvey, claro.
Lo peor: Que no tengas tiempo para verla.
La frase: “Bueno, doctor, tengo que decirle que llevo 35 años luchando contra la realidad… Y soy feliz, porque finalmente he conseguido derrotarla” (Elwood P. Dowd / James Stewart).
Calificación: 9
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