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Centenarios de Robert Taylor, Lucille Ball y Nicholas Ray
Las tan ansiadas –y, por qué no decirlo: merecidas– vacaciones de verano nos han impedido comentar tres centenarios de estrellas del cine clásico que se celebraron, consecutivamente, el 5, el 6 y el 7 de agosto. Así que antes de entrar en otros menesteres, vamos a hacer justicia con los siguientes homenajeados; para que, desde allá arriba, sepan que Plumas de Caballo no se olvida de ellos. Y seguro que vosotros, fieles lectores de este blog, tampoco…
Robert Taylor (5 de agosto): Actor con apodos tan dispares como ‘El hombre con el perfil perfecto’, ‘Arly’, ‘Bob’ o ‘El nuevo rey’, Robert Taylor nació en Filley, Nebraska, en 1911. Era tan versátil que en su filmografía podemos encontrar musicales románticos, westerns, películas bélicas y cine histórico casi a partes iguales. Supo abrirse camino desde la humildad, siendo descubierto en Broadway por la MGM, y al llegar a la cima contrajo matrimonio nada menos que con Barbara Stanwyck. Nunca fue nominado a ningún premio importante, pero su rostro tuvo momentos destacables en ‘Melodías de Broadway’ (1935), ‘Caravana de mujeres’ (1951), ‘Quo Vadis’ (1951), ‘Ivanhoe’ (1952)… Se negó a fomentar la caza de brujas y falleció joven, a los 57 años, porque su adicción al tabaco le provocó un cáncer de pulmón.
Lucille Ball (6 de agosto): Sí, salió en películas clásicas de serie B durante los años 40, pero a Lucille Ball se la recuerda sobre todo porque fue una pionera de la televisión. Los programas que la encumbraron fueron ‘I love Lucy’, ‘The Lucy-Desi Comedy Hour’, ‘The Lucy Show’, ‘Here’s Lucy’ y ‘Life with Lucy’. Fue nominada la friolera de 17 veces a los premios Grammy y lo ganó en cuatro ocasiones, y los espectadores estadounidenses la vieron sin descanso desde 1951 hasta 1974. Para los que prefiráis quedaros con su faceta cinematográfica, os recomendamos ‘El hotel de los líos’ (1938), ‘Envuelto en la sombra’ (1946) o ‘Un remolque larguísimo’ (1953). Estuvo casada dos veces y murió en 1989 a la edad de 77 años.
Nicholas Ray (7 de agosto): Director personalísimo, una de las mentes más atormentadas que tuvo Hollywood en los años 50 y, también, de las de mayor creatividad. Empezó a dirigir películas en 1948, dotando a sus personajes de comportamientos que rompían el molde del clasicismo, que sufrían en sus carnes los traumas psicológicos familiares, traumas que él mismo padeció al ser hijo de un padre alcohólico. De ahí, de todo ese dolor, nacieron ‘Johnny Guitar’ (1954), ‘Rebelde sin causa’ (1955), ‘Los dientes del diablo’ (1959), ‘Rey de reyes’ (1961) o ’55 días en Pekín’ (1963). Era bisexual, se hizo adicto a las anfetaminas y estuvo casado con otra alma perdida: la sensual Gloria Grahame. Murió de un cáncer de pulmón el 16 de junio de 1979 en Nueva York.
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Píldoras de cine clásico (XV)
1. El director italiano Bernardo Bertolucci, de 71 años, recibirá la Palma de Oro de Honor del Festival de Cannes el próximo 11 de mayo, durante la gala de apertura del certamen. El jurado del festival le considera un referente del séptimo arte por haber impregnado sus películas de “un profundo lirismo y una dirección tan precisa como elegante”. Valgan como ejemplo ‘El conformista’ (1970), ‘El último tango en París’ (1972) o ‘Novecento’ (1976). Bertolucci ha sido un habitual en la programación de Cannes, sin embargo nunca había ganado premio alguno; se quedó en la nominación con ‘La tragedia di un uomo ridicolo’ (1981) y ‘Belleza robada’ (1996). Esta es la tercera vez que Cannes otorga un premio honorífico: los anteriores afortunados fueron Woody Allen (2002) y Clint Eastwood (2009). La idea es que, a partir de ahora, el galardón se entregue anualmente.
2. Poco antes del homenaje a Bertolucci, el 3 de mayo, ya tendremos en las librerías la esperada autobiografía de Robert Redford. Hasta ahora, los lectores de ‘Vanity Fair’ son los únicos que han podido leer un extracto del libro, en concreto el que hace referencia al rodaje de ‘Todos los hombres del presidente’ (1976). En este capítulo, Redford insiste en que el guión fue obra suya y que le supuso romper su amistad con William Goldman, que le reclama 700.000 euros por los derechos de autor. Más allá de esta disputa, no se esperan muchos detalles morbosos de su vida íntima, sino más bien una especie de documental encuadernado (¿y edulcorado?). Por cierto que Redford, de 74 años, estrena en sólo unos días su nueva película como director: ‘The Conspirator’, sobre asesinato del presidente Abraham Lincoln.
3. El Museo ABC de Madrid acoge hasta el próximo 7 de junio una colección de dibujos de Akira Kurosawa bajo el título ‘La mirada del samurái’. Son un total de 120 dibujos originales que el mítico director japonés utilizó para los storyboards de sus películas. Según los responsables de la exposición, Kurosawa exhibe en sus trazos influencias eclécticas que van de Hokusai a Van Gogh y de Shakespeare a Tolstoi. No en vano Kurosawa afirmaba que, al crear un storyboard, procuraba pensar en “el encuadre, la psicología y las emociones de los personajes, sus movimientos, el ángulo de cámara, la iluminación, el vestuario y los accesorios”. Es decir, que era muy preciso y tenía una imaginación extraordinaria. Normal que todo este trabajo fuera reconocido con un Oscar.
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Sidney Lumet, la conciencia del cine americano
“No hay papeles pequeños, sino actores pequeños.”
Hace menos de 24 horas que llegaba a España la noticia de la muerte de Sidney Lumet, uno de los directores imprescindibles del cine americano en el último medio siglo. Nos ha dejado a los 86 años, aquejado de un linfoma, en su casa de Manhattan. Se ha despedido desde la ciudad que tan bien conocía y que retrató con maestría en sus películas; no enseñando los bonitos edificios y monumentos, sino la cruda realidad que se escondía en el reverso de la Gran Manzana. Como solía decir: “Si un director llega a Nueva York desde California y no conoce la ciudad, subirá al Empire State y comprará las típicas postales. Pero esa, por supuesto, no es la ciudad.”
Lumet nació en Philadelphia, Pennsylvania, el 25 de junio de 1924. Participó en la Segunda Guerra Mundial cuando apenas había dejado atrás la adolescencia, y luego actuó en Broadway. Se apuntó a las clases de interpretación de Lee Strasberg, pero no le acababan de llenar y decidió buscarse la vida por su cuenta junto a otros amigos de su misma opinión como Eli Wallach o Yul Brynner. Y fue en la televisión, ese nuevo invento que se había instalado definitivamente en la vida de los estadounidenses, donde realmente aprendió el oficio de director, a principios de los cincuenta.
En Plumas de Caballo ya hemos hablado de su debut cinematográfico: ’12 hombres sin piedad’ (’12 Angry Men’, 1957), película en la que plasmó todos los conceptos técnicos y artísticos que había aprendido en la pequeña pantalla. Sin embargo, lo que convierte a este film en una de las mejores óperas primas de la historia del séptimo arte, es el debate moral que plantea su protagonista, un inmenso Henry Fonda (acaso un alter ego del propio Lumet): qué es la justicia, quién puede impartirla, cómo estar seguros de elegir el veredicto adecuado, cuáles eran (y son) los agujeros del sistema judicial americano. El resultado: Oso de Oro del Festival de Berlín y tres nominaciones al Oscar, incluida la de Mejor Director.
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Blake Edwards fallece a los 88 años
Enésima vez que tenemos que hablar de la muerte de alguna estrella del cine clásico en este fatídico año 2010. La pasada madrugada le tocó a Blake Edwards, el director de ‘Desayuno con diamantes’, la saga de ‘La pantera rosa’ o ‘El guateque’. Tenía 88 años, vivía en Santa Mónica y, según su agente, la causa directa de la muerte ha sido una neumonía. Edwards deja viuda a la actriz Julie Andrews y huérfanos a sus cuatro hijos.
Nacido en Tulsa, Oklahoma, el 26 de julio de 1922, William Blake Crump empezó en el cine como actor secundario (aunque con escaso éxito) y, durante la década de los cincuenta, como guionista de Columbia Pictures. En 1955 dirigió su primer filme, ‘Venga tu sonrisa’, protagonizado por Frankie Lane y Lucy Marlow, y su primera película importante fue ‘Operación Pacífico’ (1959), un enredo bélico en el que participaron Cary Grant, Tony Curtis y Dina Merrill.
Pero no hay duda de que la época dorada de Blake Edwards fueron los años sesenta, que arrancaron con la adaptación de la novela de Truman Capote ‘Desayuno con diamantes’ (1961). Sí, es cierto que la película es bastante más endeble que el libro, pero el amargo romanticismo que desprenden sus fotogramas, la excelente banda sonora de Mancini y la belleza de Audrey Hepburn conquistan, aún hoy, a los espectadores. Además, Edwards tuvo la oportunidad de contestar a sus críticos con otro romance, muchísimo más amargo y veraz: ‘Días de vino y rosas’ (1962), en el que Jack Lemmon y Lee Remick caían en las garras del alcoholismo.
A continuación llegarían las películas protagonizadas por Peter Sellers: comedias puras, sin dramatismos, que en ocasiones presentaban situaciones absurdas o surrealistas. Aparte de la saga de ‘La pantera rosa’, iniciada en 1963, destaca sobre todo ‘El guateque’ (1968).
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Mario Monicelli se suicida a los 95 años
“No vale la pena vivir si no se vive con dignidad.”
Cuesta encontrar algún caso de suicidio entre gente de edad tan avanzada como la que tenía Mario Monicelli; yo, al menos, no recuerdo ninguno. Pero esta es la noticia con la que desayunábamos esta mañana, justo 24 horas después de perder a Leslie Nielsen. Mario Monicelli, director de 95 años, quizá el último baluarte del cine clásico italiano, se ha arrojado al vacío desde la ventana del hospital San Giovanni de Roma, donde se le estaba tratando de un cáncer de próstata que había llegado a la fase terminal.
Monicelli ha preferido acelerar el proceso en lugar de prestarse a una agonía lenta y dolorosa. Se da la circunstancia de que su padre, el escritor y periodista Tomasso Monicelli, también había optado por el suicidio en el año 1946 (a él van referidas las palabras que encabezan este post y que Mario dijo en una entrevista a ‘Vanity Fair’ en 2007).
Nacido en Viareggio, en la región de la Toscana, el 16 de mayo de 1915, Mario se interesó muy pronto por el cine gracias a su amigo Giacomo Forzano, hijo de un productor de cine a sueldo de Benito Mussolini. Desde los quince años escribió y rodó sus propios cortometrajes, llegando a ganar un premio en el Festival de Venecia por el filme mudo ‘I ragazzi della via Paal’ (1934). Pero cuando de verdad se asentó en la industria fue a finales de los cuarenta con ‘Totò cerca casa’, que codirigió junto a Stefano Vanzina. Ese fue el verdadero punto de inflexión de su carrera, que se movió siempre en el terreno de la comedia.
Monicelli dirigió a actores de la talla de Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Vittorio de Sica, Sophia Loren o Nino Manfredi, en películas como ‘I soliti ignoti’ (1958), ‘La grande guerra’ (1959), ‘L’armata brancaleone’ (1966), ‘La ragazza con la pistola’ (1968) o ‘Amici miei’ (1975). Además, fue nominado al Oscar por los guiones de ‘Camaradas’ (1963) y ‘Casanova 7o’ (1965). Era padre de tres hijos y fue objeto de un homenaje en Venecia el año pasado.
Según ha informado su familia, Mario será enterrado sin ceremonia religiosa de por medio, en un acto sencillo e íntimo. Como debe ser. Descanse en paz uno de los reyes de la comedia italiana.
Vía | Estamos Rodando
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Muere Berlanga, ¿muere el cine español?
“Me he pasado la vida intentando dar a la gente sencilla algo que les ayudara a pasar un rato agradable, a hacerles sentir mejor en su piel durante unas horas; he hecho películas.”
Amigos, familiares y decenas de compañeros de profesión -Pedro Almodóvar, José Luis Borau, Concha Velasco, Jesús Guzmán, Gonzalo Suárez y un largo etcétera- han despedido hace unos minutos el féretro con los restos mortales de Luis García Berlanga, fallecido este sábado en Madrid a los 89 años.
De entre todas las crónicas y refritos de agencia que he leído en las últimas 24 horas, me he quedado con ésta de ‘El Correo’ firmada por Oskar L. Belategui que se titula, categóricamente: “Muere el cine español.” Puede que resulte un poco exagerada -incluso para los pésimos tiempos que corren- pero es verdad que con Berlanga prácticamente se echa el telón a una época que no volverá… aunque permanecerá siempre en el recuerdo gracias a las filmotecas, los DVD y los espectadores que saben apreciar el cine con mayúsculas.
Nacido en Valencia el 12 de junio de 1921, Luis García-Berlanga Martí tuvo que luchar contra la injusticia, la represión y la censura durante la mayor parte de su vida. Tenía 15 años cuando estalló la Guerra Civil. Su padre, un importante dirigente del Frente Popular republicano, fue encarcelado por Franco; y Berlanga, para atenuar su sufrimiento, no tuvo más remedio que alistarse en la División Azul durante la Segunda Guerra Mundial. Combatió en el frente ruso en 1941 y logró regresar a España en 1942. En esa década, la de los cuarenta, forjó su interés por el cine, escribiendo guiones y asistiendo al Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, donde trabó amistad con Juan Antonio Bardem, Agustín Navarro o Fernando Fernán Gómez.
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El bar ‘El Sector’ de Madrid dedica su noche de Halloween 2010 a Alfred Hitchcock
Así es, poco a poco nos acercamos a la noche de las brujas, la noche de Halloween, una tradición anglosajona que cada vez tiene más presencia en España. Y uno de los locales que no faltarán a su cita con las calabazas, los disfraces y las historias de terror es ‘El Sector’ de Madrid, un bar muy cinéfilo que acoge habitualmente estrenos de cortometrajes, presentaciones de webs y blogs de cine o reuniones de amigos con una pasión común: el séptimo arte.
Para la cita del próximo 31 de octubre, ‘El Sector’ se ha atrevido con una propuesta de cine clásico y ha decidido dedicar la noche de Halloween al maestro del suspense: Alfred Hitchcock. No es una elección cualquiera ya que, como sabéis, este año se celebra el 50º aniversario de ‘Psicosis’.
Entre las actividades programadas por ‘El Sector’ figuran la proyección de montajes con las memorables escenas de ‘Recuerda’ o ‘Con la muerte en los talones’. El atrezzo también estará relacionado con el universo Hitchcock y, además, se quiere batir el récord de personas disfrazadas de la madre de Norman Bates.
La fiesta comenzará a las 22:30 h del 31 de octubre. Si estáis interesados en ir, la dirección es: calle Quintana, 17 (semiesquina con la calle Ferraz). Podéis llegar en metro (paradas de Argüelles o Ventura Rodríguez) o dejar el coche en los parkings de las calles Marqués de Urquijo o Tutor.
Vía | El Sector
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La Berlinale 2011 dedicará una retrospectiva a Ingmar Bergman
El Festival Internacional de Cine de Berlín dedicará la retrospectiva de su 61ª edición a la obra del director sueco Ingmar Bergman, según ha informado la organización del certamen en una nota de prensa. De esta manera, la Berlinale quiere rendir tributo a un hombre que “indagó en las cuestiones existenciales de la vida y destripó la sociedad burguesa”, adquiriendo el estatus de “clásico moderno”, como lo definieron los jóvenes críticos de cine de la Nouvelle Vague.
“La versatilidad de Ingmar Bergman es tan extraordinaria como su coraje a la hora de romper los tabús de la sociedad”, afirma el director de la Berlinale, Dieter Kosslick. Además, Bergman tuvo una relación bastante cordial con la Berlinale, como atestiguan el Oso de Oro de 1958 por ‘Fresas salvajes’ y el premio OCIC de 1962 por ‘Como en un espejo’.
La retrospectiva incluirá la proyección de todas las películas de Bergman y algunos ejemplos de sus trabajos como guionista. También se proyectará un documental biográfico a cargo de su compatriota Stig Björkman, que ha querido retratar al mito tanto delante como detrás de la cámara. La organización asegura que todas las películas se presentarán en versiones restauradas para que el público pueda apreciarlas sin perder detalle.
Paralelamente, la Cinemateca de Alemania inaugurará la exposición ‘Ingmar Bergman: Verdades y mentiras’. Los visitantes podrán ver en primera persona documentos de trabajo y correspondencia del director de ‘El séptimo sello’ gracias a la colaboración de la Fundación que lleva su nombre y de otras asociaciones cinéfilas de Suecia. Mucho Bergman, por tanto, en la 61ª edición de una Berlinale que tendrá lugar del 10 al 20 de febrero de 2011.
Vía | Berlinale
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Otra despedida: Arthur Penn
“Lee Strasberg arruinó a una generación entera de actores con su método de mierda.”
Se dice que las desgracias nunca vienen solas y, de hecho, es pura estadística que, cuando informamos de algún deceso relacionado con el cine clásico, a los pocos días tenemos que publicar el obituario de otra persona. Así, si el pasado lunes nos despedíamos de la entrañable Gloria Stuart, este miércoles tenemos que hacernos eco del fallecimiento de Arthur Penn, conocido principalmente por haber sido el director de ‘Bonnie and Clyde’ y ‘Pequeño gran hombre’. La noticia ha sido difundida por su amigo Evan Bell, que ha reconocido que Penn, de 88 años, estaba gravemente enfermo, aunque no ha revelado cuál era su dolencia.
Hijo de una enfermera y de un relojero, Arthur Penn vino al mundo el 27 de septiembre de 1922 (o sea, que acababa de celebrar su cumpleaños) en la ciudad de Filadelfia, Pensilvania. Desde muy joven se sintió atraído por la interpretación, de ahí que poco a poco fuera encaminando sus pasos hacia el teatro y, más tarde, al cine. Cuando tenía 36 años dirigió su primera película relevante: ‘El zurdo’, un western de personajes atormentados que tenía como protagonista a Paul Newman.
Después se hizo cargo de ‘El milagro de Anna Sullivan’, que le reportó su primera nominación al Oscar. Conseguiría otras dos -por ‘Bonnie and Clyde’ y ‘El restaurante de Alicia’- aunque no se llevó la estatuilla en ninguna ocasión. Lo mejor de su filmografía se cierra en los setenta con ‘Pequeño gran hombre’, un cuento del Oeste desde la perspectiva de los indios, y ‘La noche se mueve’, con Gene Hackman metido a intrépido investigador privado.
Decía Arthur Penn que en su época se hacían grandes películas porque los directores tenían la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a sus espaldas, lo que les otorgaba un mayor compromiso político y social. Actualmente, sostenía, las películas son “asombrosas técnicamente, pero no tan completas”, precisamente por esa falta de compromiso. En este sentido, reconocía el enorme talento de directores como Steven Spielberg, aunque no entendía del todo el rumbo que estaba tomando el cine, la magnitud de los presupuestos y los efectos especiales. Tampoco se fiaba mucho de quienes habían seguido el método Strasberg, como apunta la frase que encabeza este post. Descanse en paz.
Vía | ABC
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Jean-Luc Godard descarta ir a Hollywood para recoger el Oscar honorífico
A lo largo de la historia de los Oscars ha habido más de uno y más de dos premiados que, por diversos motivos, no han ido a Hollywood a recoger la estatuilla. Así que tampoco es una sorpresa mayúscula lo que ha ocurrido con Jean-Luc Godard. El director francés ha descartado su asistencia a la cena de gala del próximo 13 de noviembre en la que iba a recibir el Oscar honorífico por el conjunto de su carrera. O, según la Academia, porque “a lo largo de cincuenta años ha escrito y dirigido audaces películas, a veces controvertidas, que han hecho de él uno de los maestros de vanguardia de la historia del cine”.
La excusa que ha dado Godard por boca de su esposa y productora, Anne-Marie Mieville, parece poco consistente: que a sus 79 años no está en condiciones de hacer un viaje en avión hasta la costa oeste de los Estados Unidos (actualmente vive en Suiza). Más que nada porque no se le conocen problemas físicos graves y porque acaba de estrenar una nueva película titulada ‘Film socialisme’. Más creíble resulta la otra razón esgrimida por la señora Mieville: que Godard le ha dicho que esa gala a la que le han invitado “no son los Oscars de verdad”. Y nadie puede llevarle la contraria. Tiene toda la razón. Pero también es verdad que en esa cena iba a tener mucha más atención e iba a estar rodeado de mejor compañía que en la fastuosa ceremonia de principios de 2011.
Por otro lado (y esto es cosa mía) quizá haya un poquito de resentimiento por el hecho de que, hasta hoy, sólo François Truffaut haya recibido el Oscar de entre todos los directores que formaron parte de la Nouvelle Vague. El Oscar honorífico suena a premio de consolación.
En fin, ya veremos si Godard recapacita, pero parece difícil que cambie de opinión. Su esposa ha añadido que seguramente será alguien del equipo de producción quien acuda a recoger la estatuilla. Recordemos que el 13 de noviembre también será la noche de Eli Wallach, Francis Ford Coppola y el restaurador de películas Kevin Brownlow.
Vía | El País
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