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Ago
Importante donación de Richard Lester al British Film Institute
A sus 78 años, Richard Lester está virtualmente retirado del cine. No dirige una película desde ‘El regreso de los mosqueteros’ (1989), si exceptuamos el favor que le hizo a su amigo Paul McCartney con el documental ‘Get Back’ (1991). El director de ‘El knack… y cómo conseguirlo’ o de las películas de los Beatles ‘A Hard Day’s Night’ y ‘Help’ acabó un tanto desencantado con su profesión y muy hundido por la temprana muerte de su gran amigo Roy Kinnear. Todo lo que puede ofrecer Lester en la actualidad son sus recuerdos, y eso es lo que hay en las 60 cajas que ha decidido donar al British Film Institute.
Cartas, guiones, fotografías y cientos de otros documentos componen este tesoro cinematográfico en el que se pueden encontrar, por ejemplo, las misivas que Audrey Hepburn escribió a Lester tras el rodaje de ‘Robin y Marian’ o el agradecimiento de Rachel Welch por haber sido escogida para encarnar a Constance de Bonacieux en ‘Los tres mosqueteros’ (1973). Además, estos “restos de vida”, como los ha calificado Lester, también son un testimonio inequívoco de su empeño por trasladar al héroe de cómic Flash a la gran pantalla, lo que conseguiría en 1975 por medio de Malcolm McDowell.
Como es de suponer, en el British Film Institute están eufóricos por este “regalo inmensamente generoso” que les ha hecho Richard Lester. Ahora aseguran que su intención es ordenar todo el material, clasificarlo, digitalizarlo y hacerlo accesible por Internet a mediados del próximo mes de octubre. Un “tremendo trabajo” que sin duda habrá sido bienvenido. Nosotros nos apuntamos la fecha teórica de publicación en la red para echarle un ojo en cuanto sea posible… y para comentarlo como es debido en Plumas de Caballo. Muchísimas gracias, señor Lester.
Vía | El País
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El BFI pide ayuda para restaurar nueve películas de Hitchcock
Nos sorprendía hace dos meses -¡cómo pasa el tiempo!- el descubrimiento de nueve películas de Alfred Hitchcock que se creían perdidas. El British Film Institute anunció a bombo y platillo que seis de las cintas habían sido restauradas totalmente, y que las otras tres se habían recuperado en parte, además de asegurar que todas ellas se exhibirían en 2012 durante la celebración de los Juegos Olímpicos que albergará la ciudad de Londres.
Pues bien, parece que la cosa no es tan sencilla. El BFI dice ahora que las películas aún no están restauradas y, lo que es peor, que no tiene el dinero necesario para llevar a cabo el proceso: un millón de libras (alrededor de 1,8 millones de euros). Por eso pide a los fans de Hitchcock que se rasquen el bolsillo y adopten alguna de sus obras; los donativos se pueden realizar vía online en esta dirección.
Para que os hagáis una idea: un donativo de 150 libras aseguraría la restauración de 10 segundos de película; harían falta 5.000 para una escena completa y 100.000 para todo el metraje. Lógicamente, no hace falta hacer esos donativos tan bárbaros; se puede donar lo que buenamente se pueda o se quiera, a partir de 1 libra. Pero si donamos 25 nos haremos miembros del BFI y estaremos informados de todas sus actividades; y si donamos 5.000 (ejem), saldremos en los créditos de la película.
Por otro lado, el BFI ha elaborado una lista de otras 75 películas perdidas por si algún cinéfilo puede ayudarles a buscarlas. Todas las cintas son británicas y entre ellas está ‘The Mountain Eagle’, algo así como el Santo Grial de Mr. Hitchcock.
Vía | Estamos Rodando
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Fallece Ronald Neame, director de ‘La aventura del Poseidón’
El director británico Ronald Neame, de 99 años, falleció el pasado miércoles 16 de junio en un hospital de Los Ángeles, según han informado sus amigos y familiares. Neame era conocido sobre todo por haber dirigido ‘La aventura del Poseidón’ (1972), un referente del cine de catástrofes que consiguió nueve nominaciones al Oscar, llevándose las estatuillas a la Mejor Canción Original y a los Mejores Efectos Especiales.
Ronald Neame nació en Londres el 23 de abril de 1911 y formaba parte de una segunda generación de artistas, ya que su padre -Elwin Neame- fue director de cine mudo y su madre -Ivy Close- trabajó como actriz. Ronald puso el pie en la industria del cine en los años veinte, cuando empezó a trabajar en los famosos estudios Elstree, donde tuvo la suerte de hacer de cámara para Alfred Hitchcock en ‘La muchacha de Londres’ (1929).
A partir de los años cuarenta, Neame amplió su abanico de habilidades profesionales al triunfar como ingeniero de efectos especiales con ‘One of our aircfrat is missing’ (Michael Powell y Emeric Pressburger, 1942), además de colaborar con David Lean en la redacción de los guiones de ‘Breve encuentro’ (1945) y ‘Grandes esperanzas’ (1946). Estos tres trabajos le reportaron sendas nominaciones a los premios de la Academia de Hollywood.
Su primer largometraje como director fue ‘Take my life’ (1947); desde entonces y hasta 1980 rodó 26 películas, entre las que destacaron ‘The Card’ (1952), ‘Un genio anda suelto’ (1958) y ‘Whisky y gloria’ (1960), todas ellas protagonizadas por Alec Guinness. Sin embargo, la cumbre de su carrera llegó en 1972 con la reseñada ‘La aventura del Poseidón’, para la que contó con un reparto de postín formado por Gene Hackman, Ernest Borgnine y Shelley Winters. Además, Neame también dirigió en otros films a intérpretes de la talla de Judy Garland, Dirk Bogarde y Maggie Smith, ganadora del Oscar por ‘Los mejores años de Miss Brodie’ (1969).
Neame estaba casado desde 1993 con su segunda esposa, Donna Friedberg. También le sobreviven su hijo Christopher y su nieto Gareth, productores de cine y televisión de cierto éxito.
Vía | IMDb
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Venecia rendirá tributo a Nicholas Ray
“Emocionalmente extravagantes”. Me han gustado las palabras que ha utilizado la periodista Patricia Cohen en las páginas de ‘The New York Times’ para definir las películas de Nicholas Ray. Es una buena manera de calificar títulos como ‘En un lugar solitario’ (1950), ‘Johnny Guitar’ (1954) o ‘Rebelde sin causa’ (1955), protagonizados por personajes pasionales, atormentados e inestables. En parte fue por eso que Jean-Luc Godard dijo una vez: “El cine es Nicholas Ray.”
La sentencia de Godard es sin duda una ’boutade’, pero es incuestionable que Ray es uno de los mejores directores de la historia del cine y que creó escuela (Wim Wenders figura entre sus alumnos aventajados). En 2011 se conmemora el centenario de su nacimiento y el Festival de Venecia ya se prepara para celebrarlo por todo lo alto, a pesar de que Ray nunca triunfó plenamente en la ciudad de los canales: se quedó con dos nominaciones al León de Oro por ‘Más poderoso que la vida’ (1956) y ‘Bitter Victory’ (1957).
Lo interesante es que la Biennale no se limitará a hacer la típica retrospectiva, proyectando las obras más representativas de su filmografía, sino que también presentará material inédito gracias a los esfuerzos de Susan Ray, cuarta esposa del director y viuda desde 1979. Por ejemplo, Susan guarda como oro en paño el primer borrador de ‘Rebelde sin causa’, que incluía un giro de tuerca final bastante increíble: en él, Plato (Sal Mineo) dispara a Jim (James Dean) y después se suicida abalanzándose sobre una granada que estaba a punto de estallar.
Pero seguramente lo que más llamará la atención de crítica y público será el estreno de una nueva versión de ‘We can’t go home again’, película en la que Ray centró gran parte de sus esfuerzos al final de su vida. “Fue un film experimental, difícil y visionario”, explica Susan. El director escribió varios guiones y rodó un sinfín de escenas con la ayuda de los alumnos de la State University de Nueva York (utilizando, además, varios formatos: 8 mm., 16 mm. y la embrionaria tecnología del vídeo). Hubo un primer estreno de la película en el Festival de Cannes, pero Ray hizo muchos cambios hasta su muerte. Todo ese material, que se conserva intacto, ha servido para realizar un nuevo montaje que verá la luz en septiembre de 2011.
Vía | The New York Times
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Nueve películas mudas de Hitchcock saldrán del olvido en 2012
Londres acogerá la celebración de los Juegos Olímpicos en el verano de 2012, pero el deporte no será el único protagonista esos días: también habrá sitio para el cine clásico. Nueve películas de la etapa muda de Alfred Hitchcock se proyectarán en las Olimpiadas Culturales, que se desarrollarán paralelamente a los Juegos. La noticia no está confirmada al cien por cien, pero al menos esa es la voluntad del British Film Institute (de paso nos recuerdan que el orondo director nació en Leytonstone, justo al lado del Olympic Park).
Amanda Neville, directora del BFI, ha dicho que el proceso de restauración de las nueve películas escogidas ha sido bastante complicado por el mal estado de los materiales. De hecho, tres de ellas no han podido ser recuperadas totalmente, por lo que se deberán buscar alternativas al clásico proyector de cine.
‘The Pleasure Garden’ (1925), ‘The Lodger’ (1926) o ‘The Farmer’s Wife’ (1927) son algunas de las cintas que podrán verse en Londres dentro de dos años, tanto en la sede del BFI como en festivales de música independiente, de donde pueden salir curiosas mezclas. El objetivo es demostrar que ya desde sus inicios Hitchcock poseía un don especial para dirigir películas. Además, se realizarán audiciones de las bandas sonoras que Bernard Herrmann compuso para ‘Psicosis’, ‘Con la muerte en los talones’, ‘El hombre que sabía demasiado’ y ‘Vértigo: De entre los muertos’.
Eso sí, que nadie espere encontrarse con la proyección de ‘The Mountain Eagle’, un film perdido que tiene la fama de ser el Santo Grial del cine británico. Lo dirigió Hitchcock en 1926 pero no se conserva ninguna copia y el propio director lo calificó de “horrible” en su entrevista con François Truffaut. Pero, en fin, quién sabe… Igual aparece en 2012. ¿Por qué no miráis en el armario?
Vía | The Independent
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Centenario de Akira Kurosawa
Pese al desconocimiento de quien escribe sobre la figura de Akira Kurosawa y pese a que un post como éste incumple dos de los propósitos del blog -evitar las efemérides y ceñirse al cine clásico estadounidense- no se puede obviar que el director que sería bautizado con el apodo de Emperador por su sabiduría y fuerte carácter nació tal día como hoy hace 100 años, el 23 de marzo de 1910. Llegó al mundo en Tokyo, alargando el linaje de una familia de samuráis que ya contaba con varios siglos de antigüedad, y pronto desarrolló una pasión por la pintura, el teatro y el cine de la que se beneficiarían millones de personas en todo el mundo.
Más que hacer el típico repaso por la vida y obra de Kurosawa, cosa que podéis encontrar en las notas de prensa que se han publicado en los medios de comunicación, y dado que tampoco he visto la mayoría de sus presuntas obras maestras -apenas ‘Rashomon’ (1950) y ‘Los siete samuráis’ (1954), que dicho sea de paso no me vuelven loco- me gustaría tratar las conexiones entre su cine y el de los grandes maestros de Hollywood como John Ford.
El caso de John Ford es curioso porque por todos es conocida su reticencia a repartir halagos en público -se los negaba, incluso, a su actor fetiche, John Wayne. Sin embargo, a mediados de los años cincuenta entabló una gran amistad con Kurosawa, el cual le tenía por uno de los mejores directores de la historia del cine y una figura tan importante como cualquier maestro de Kung Fu. Después de su primer encuentro, Kurosawa empezó a imitar el estilo de Ford, llevando sus características gafas oscuras, vistiendo ropa similar y contratando, siempre que era posible, al mismo equipo de trabajo, tanto delante como detrás de las cámaras.
Ford podía ser muy cínico con los aduladores, pero hizo una excepción con el director japonés. En una carta dirigida a John Wayne y fechada en noviembre de 1957, se refiere a Kurosawa como “un tipo agradabilísimo” y pide al Duque que le deje entrar a saludar durante el rodaje de ‘El bárbaro y la geisha’, de John Huston.
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Don Siegel será objeto de una retrospectiva en San Sebastián
El mismo día en que arranca la 60ª edición de la Berlinale, hablamos de una noticia relativa al próximo Festival de San Sebastián, que se celebrará del 17 al 25 de septiembre -parece que sin los agobios económicos del año pasado. El certamen donostiarra va desvelando poco a poco su programación y ya ha confirmado a quién dedicará una de las dos retrospectivas clásicas. El homenajeado no es otro que Don Siegel, el director que renovó el cine policíaco de los 60 y 70 y que, de paso, impulsó la carrera artística de un tal Clint Eastwood.
Nacido en Chicago -ciudad sin ley- en 1912, Siegel perteneció a la llamada “generación de la violencia”, compuesta por un grupo de directores que preferían las líneas rectas, la crudeza de los relatos y los ritmos enérgicos e impactantes; léase Robert Aldrich, Samuel Fuller, Richard Brooks, Richard Fleischer o Nicholas Ray. Para definir su contundente estilo cinematográfico, a Siegel le ayudó su larga experiencia como montador de la Warner Bros., participando en la edición de ‘Los violentos años 20′ (1939) o ‘Murieron con las botas puestas’ (1941). Luego dirigió cine negro, westerns e incluso una joya de la ciencia ficción de serie B como ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ (1956).
Sin embargo, fue a partir de los sesenta cuando terminó de inscribir su nombre en los libros de historia del cine; como decíamos, gracias al género policíaco, al que dotó de una perspectiva más descarnada. Valgan como ejemplo ‘Código del hampa’ (1964) o ‘Madigan’ (1968). Ese mismo año conoció a Clint Eastwood, al que inmortalizó en ‘La jungla humana’ (1968), ‘Dos mulas y una mujer’ (1971), ‘El seductor’ (1971), ‘Harry, el sucio’ (1971) y ‘Fuga de Alcatraz’ (1979). Por si fuera poco, entre medias tuvo tiempo para rodar la emotiva despedida de John Wayne: ‘El último pistolero’ (1976).
“Él me animó a que dirigiera y yo le animé a ser actor… Yo creo que si hay algo que verdaderamente aprendí de Don Siegel es a saber lo que quieres rodar y a saber qué estas viendo cuando lo ves; y eso es algo que no he visto muchas veces en todos estos años”, reconoce Clint Eastwood. Si él lo dice, no hay más que discutir: la primera retrospectiva clásica de San Sebastián está justificada. ¿Cuál será la segunda?
Vía | Web oficial del Festival de San Sebastián
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El director francés Eric Rohmer fallece a los 89 años
Acabo de enterarme leyendo ‘The Guardian’, pero parece que la noticia ya lleva unas horas circulando por la red. El director francés Eric Rohmer ha fallecido este lunes en París a los 89 años de edad, según ha hecho público su estudio de producción, Les Films du Losange, si bien todavía no ha trascendido la causa inmediata de la muerte. Su nombre real era Jean-Marie Maurice Scherer, fue uno de los impulsores de la Nouvelle Vague y se le consideraba uno de los grandes maestros del cine de autor europeo.
Rohmer nació en Nancy el 4 de abril de 1920 y fue un estudioso de la lengua y la cultura de Alemania antes de involucrarse completamente en el séptimo arte. A mediados de los años cincuenta trabajó como crítico en ‘Cahiers du cinéma’, junto a los conocidos Jean-Luc Godard, Alain Resnais, François Truffaut o Claude Chabrol, con quien escribió un curioso libro reivindicando la figura de Alfred Hitchcock; dicho libro analizaba las primeras cuarenta y cuatro películas del director inglés, dotándolas de una trascendencia que quizá pasaba desapercibida para el propio ‘Hitch’.
Fue también en esa década cuando Rohmer dirigió sus primeros films, como ‘El sello del león’ (1959). Consiguió una nominación al Oscar al Mejor Guión Original por ‘Mi noche con Maud’ (1969), su obra más notable junto con ‘La coleccionista’ (1967), ‘La rodilla de Claire’ (1970) o ‘Pauline en la playa’ (1983). Además, fue reconocido en el festival de Cannes y, sobre todo, en el de Berlín. A ver si en los próximos días podemos recordar en Plumas de Caballo alguna de estas películas, aunque ya os avanzo que lo poquito que he visto de él, no me ha gustado mucho. En cualquier caso, ahí queda su aportación a la historia del cine. Descanse en paz.
Vía | The Guardian
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Adiós a Paul Naschy, el hombre lobo
A estas horas es probable que ya os hayáis enterado de la muerte de Jacinto Molina Álvarez, conocido artísticamente como Paul Naschy. Para ser sincero, diré que no he visto ninguna de sus películas, que se alejan bastante de mis gustos cinematográficos. Pero eso no quita que me haya picado la curiosidad hasta el punto de escarbar en su biografía y encontrar algunos datos interesantes. Por ejemplo: que en los años cincuenta escribió algunas novelas ambientadas en el Oeste americano bajo el seudónimo de Jack Mills, o que hizo de extra en Rey de reyes y 55 días en Pekín. Fue en los sesenta cuando se implicó de lleno con el cine de terror salpicado de gore y desnudos femeninos, siendo La marca del hombre lobo (1968) su debut como actor y guionista. Su última película, La herencia Valdemar, se estrenará el próximo 22 de enero. Descanse en paz el ‘Boris Karloff’ español.
Vía | Estamos Rodando
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Noche de gloria para Lauren Bacall
“A los 19 años fui elegida por Howard Hawks para trabajar en una película con un hombre llamado Humphrey Bogart. No me entusiasmé mucho cuando lo supe. Pensé: «¿Estos dos juntos? Dios, esto no es para mí.» Entonces Hawks me dijo: «Bueno, a lo mejor es Cary Grant» y pensé: «¡Wow! ¡Eso cambia las cosas!» Pero acabó siendo con Bogart y esa fue mi gran suerte; porque no sólo era un magnífico actor, sino también un hombre extraordinario. Él me dio una vida. Él cambió mi vida.”
No os dejéis engañar por la cita. Lauren Bacall se lo pasó de cine en el acto de entrega del Oscar honorífico que la Academia de Hollywood ha tenido a bien concederle a sus 85 años. Pero era inevitable que su discurso tuviera un matiz nostálgico al recordar al gran amor de su vida. Mientras acariciaba la estatuilla, Bacall clavaba la vista en el atril, esperando que Bogart le silbara las palabras que tenía que pronunciar. También hubo recuerdos para Gregory Peck, Kirk Douglas y John Huston, los otros hombres que han marcado su trayectoria ante las cámaras; pero, lógicamente, a años luz de su coprotagonista en Tener y no tener (1944).
El discurso de Bacall duró casi cinco minutos. La presentación de Anjelica Huston, otros cinco. Me parece destacable. Todo el mundo critica que el Oscar honorífico se haya entregado en una ceremonia aparte, sin el ruido ni la expectación que habrá en la alfombra roja del teatro Kodak el próximo 7 de marzo. Pero miremos el lado positivo: ¿De cuánto tiempo habría dispuesto Lauren en la gala oficial? ¿40 segundos? ¿Un minuto, por ser quién es? Quizá haya sido mejor así, tanto para ella como para el resto de homenajeados (John Calley, Roger Corman y Gordon Willis). Una ceremonia más acogedora, en la que no han faltado invitados de primer nivel como Tom Hanks o Quentin Tarantino, y en la que han podido explayarse a gusto. Además, los organizadores han asegurado que el 7 de marzo volverá a recordarse el ‘momento Bacall’. Conclusión: ya me parecía una buena idea y, visto lo visto, me reafirmo.
Os recomiendo que cliquéis en el enlace de abajo y veáis la entrega del Oscar a Bacall, que demostró un gran sentido del humor para cerrar su intervención: “Me alegro de estar viva… Lo cual debe haber sorprendido a alguno de los presentes.”
Vía | Oscars.org
Foto | Reuters
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