Personajes
jun
Los titubeos de Chaplin ante el cine sonoro
Como tan bien reflejan películas imperecederas como ‘El crepúsculo de los dioses’ (Billy Wilder, 1950) o ‘Cantando bajo la lluvia’ (Stanley Donen y Gene Kelly, 1952), el paso del cine mudo al sonoro fue traumático para un montón de actores y actrices de Hollywood que cayeron del estrellato al ostracismo en cuestión de meses. En algunos casos fue su timbre de voz lo que truncó sus carreras; en otros, la incapacidad para adaptarse a un nuevo ritmo dramático que les hiciera mantener la credibilidad frente a los espectadores.
Por ello, resulta natural que una estrella de ego gigantesco como Charlie Chaplin tuviera su dosis de insomnio en aquellos años de transición, a finales de los 20. Un reciente descubrimiento acaba de revelar los titubeos y las preocupaciones del actor británico sobre su propia supervivencia en la industria del cine. No en vano él seguía rodando películas mudas como ‘Luces de la ciudad’ (1931) cuando ya hacía cuatro años que se había estrenado ‘El cantor de jazz’.
Chaplin temía pasar de moda, le horrorizaba pensar que sus mejores años ya habían quedado atrás y que el público se aburriría de sus comedias silentes. En el manuscrito que se ha hecho público esta semana escribió que pensaba abandonar Hollywood y convertirse en diputado en el Reino Unido. Además, se han encontrado unas 50 páginas de diálogos sobre una película, ‘Bali’, que nunca llegó a rodarse: la trama criticaba el comportamiento de los holandeses que habían colonizado esta isla de Indonesia y se basaba en un viaje que él mismo había realizado junto a su hermano Sydney en 1932.
Biógrafos e historiadores del cine citados por ‘The Guardian’ aseguran que esta es la primera prueba fiable de los intentos de Chaplin por adaptarse al cine sonoro. Sin embargo, todavía faltaría mucho para que sus personajes hablaran en la gran pantalla; en concreto, hasta 1940, con el estreno de ‘El gran dictador’.
Vía | El Mundo
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Una tentación de 4,6 millones de dólares
Perdonad las ausencias de las últimas semanas, pero está siendo un mes de junio agotador y encima con los primeros calores del verano, que siempre me atrofian las neuronas. En el post del otro día os contaba que Debbie Reynolds iba a subastar toda su colección de vestuario de cine clásico y que la joya de la corona era el vestido que lució Marilyn Monroe en ‘La tentación vive arriba’ (Billy Wilder, 1955). Celebrada la subasta, ya sabemos cuánto se ha pagado por ese conjuntito blanco cuya falda se levantaba por la ventisca que salía de los sistemas de ventilación del metro de Nueva York: 4,6 millones de dólares (o 3,2 millones de euros).
Aprovechemos para aportar algo de ‘background’ a la noticia que han publicado la mayoría de periódicos digitales del mundo. La escena de marras se rodó por primera vez a la altura del número 52 de la Avenida Lexington, en Manhattan, el 15 de septiembre de 1954 a la 1 de la madrugada. Se calcula que unos 5.000 curiosos presenciaron el brillante espectáculo que ofrecían las piernas de la Monroe, silbando y aplaudiendo cada vez que la actriz debía repetirla. Entre el público se encontraba Joe DiMaggio, preso de los celos. Cuando Wilder regresó al estudio comprobó que el material era inservible porque la gente había hecho demasiado ruido, así que repitió la escena en un estudio de la Fox. Marilyn tardó 40 tomas en hacerlo bien… pero valió la pena (que se lo digan a la casa de subastas).
Esta no fue la única prenda de Marilyn subastada: también fueron adquiridos los vestidos que lució en ‘Los caballeros las prefieren rubias’ o ‘Río sin retorno’. Y también se vendieron piezas de ropa de otros actores y actrices: Judy Garland en ‘El mago de Oz’, Richard Burton en ‘Cleopatra’, Gene Kelly en ‘Cantando bajo la lluvia’, Audrey Hepburn en ‘My Fair Lady’, Grace Kelly en ‘Atrapa a un ladrón’… En total más de 700 artículos que le reportaron a Debbie Reynolds la nada despreciable cantidad de 22,8 millones de dólares (a repartir con la casa de subastas, imagino). Y eso no es todo: en diciembre habrá un segundo lote con otros preciados trajes del cine clásico. Id ahorrando. Quién sabe, a lo mejor os da para una imitación de la hebilla del cinturón que usó John Wayne en dos escenas de diez segundos de ‘Centauros del desierto’.
Vía | Diario de Yucatán
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Debbie Reynolds subasta su colección de recuerdos del cine clásico
Debbie Reynolds (El Paso, Texas, 1932), vive en un estado de semiretiro desde finales de los años noventa. Si exceptuamos algunas puntuales apariciones en televisión y en el teatro, la protagonista de ‘Cantando bajo la lluvia’ se ha dedicado en cuerpo y alma a los negocios y al coleccionismo. En los negocios no le ha ido del todo bien: en 1997 tuvo que cerrar su casino de Las Vegas al no poder hacer frente a los pagos que le reclamaban los acreedores. En lo segundo le ha ido mejor, hasta el punto de reunir más de 5.000 prendas de vestir utilizadas en películas clásicas; una colección que ocupa cerca de 46.000 metros cuadrados.
El último sueño de Reynolds era abrir un museo en Hollywood donde se expondrían todos estos tesoros, pero de nuevo las dificultades monetarias le han jugado una mala pasada. Y la actriz ha dicho basta: “Estoy harta. Tengo que pasar página.” Por eso va a subastar toda su colección a través de la casa ‘Profiles in History’, cuyo máximo responsable espera sacar entre 4 y 6 millones de dólares (o sea, una media de 1.000 dólares por prenda).
Los primeros vestidos y accesorios se subastarán este sábado en Beverly Hills, mientras que el resto de la colección esperará su turno hasta el mes de diciembre. ¿Y a qué pueden aspirar los coleccionistas? Pues no sólo a un montón de objetos personales de la Reynolds, sino también al sombrero hongo de Chaplin, a la falda de Marilyn Monroe en ‘La tentación vive arriba’, al traje de Richard Burton en ‘Cleopatra’, al conjuntito que lució Judy Garland en ‘El mago de Oz’… Como diría un catalán: “N’hi ha per triar i remenar.” Para pagar, ya es otra cosa. Veremos si hay suficiente dinero en juego y no ocurre igual que con el coche de ‘Chitty Chitty Bang Bang’, que todavía sigue sin dueño.
Vía | Emol
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James Arness, la ley del revólver
Este viernes nos dijo adiós James Arness, un actor poco conocido fuera de Estados Unidos pero que tuvo el honor de protagonizar la serie de acción real más longeva de la historia de la televisión americana: ‘La ley del revólver’ (‘Gunsmoke’, 1955-1975). De hecho fue la serie más larga incluyendo los dibujos animados hasta que, en 2010, fue superada por ‘Los Simpson’. Ambientada en Dodge City, Kansas, se emitieron 233 episodios de 30 minutos de duración y otros 402 episodios de una hora. Arness encarnó en todos ellos al ‘marshall’ Matt Dillon.
Nacido el 26 de mayo de 1923 en Minneapolis, James Arness era el hermano mayor de Peter Graves, al que despedimos hace un año y pico. Durante la Segunda Guerra Mundial quiso enrolarse en el ejército de aviación pero, para su desgracia, era tan alto que no cabía en los cazas de combate (medía 1,98 m). Fue un notable soldado de a pie, pero su carrera militar se vio truncada al ser gravemente herido en Anzio. Tras recuperarse, siguió el consejo de su hermano: se apuntó a clases de dicción y se hizo un nombre como ‘disc jockey’ radiofónico.
Poco después, Arness emigró a Hollywood en busca de oportunidades en la Meca del Cine. Fue contratado por la RKO y debutó interpretando al hermano de Loretta Young en ‘Un destino de mujer’ (H.C. Potter, 1947). En 1948 contrajo matrimonio con Virginia Chapman, madre de sus tres hijos, de la que se divorciaría en 1963.
Tras salir en varias películas de ciencia ficción de serie B como ‘El enigma de otro mundo’ o ‘La humanidad en peligro’, Arness tuvo un encuentro crucial para su futuro profesional. Un tal John Wayne le vio actuar y quedó impresionado porque pensaba que tenía un porte ideal para hacer de sheriff. Así que le recomendó para ser el protagonista de ‘La ley del revólver’. Arness le dio muchas vueltas: sabía que lanzarse de esa manera a la televisión era decir prácticamente adiós a sus opciones en el cine. Pero al final siguió el consejo de Wayne, y fue lo mejor que pudo haber hecho. En 1988 homenajeó al Duque interpretando su personaje de ‘Río Rojo’ en una TV-movie.
A Arness, que tenía 88 años, le sobreviven dos de sus hijos; la tercera, Jenny Lee, se suicidó en 1975. También sigue viva su segunda esposa, Janet Surtress. Descanse en paz.
Vía | IMDb
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Vincent Price, el terror elegante
“A veces creo que personifico el inconsciente oscuro de la raza humana. Sé que suena mal… pero me encanta.”
De no haber sido un adicto al tabaco, Vincent Price quizá habría evitado morir de un cáncer de pulmón el 25 de octubre de 1993, a los 82 años. Y, quién sabe, a lo mejor este viernes 27 de mayo de 2011 aún estaría entre nosotros, preparado para cumplir 100 años. Pero, como lamentablemente no es así, tenemos que conformarnos con este post de homenaje a un actor de los denominados ‘de culto’ por su protagonismo en las películas de terror de bajo presupuesto de los años 50, 60 y 70.
La imagen recurrente de Price, cuya figura es habitual en el Festival de Sitges (donde fue premiado en dos ocasiones), es la de un tipo altísimo (1,93 m), de porte severo, vestido con una elegante levita negra. Solía lucir un fino bigotillo por debajo de la nariz y tenía una mirada entre perversa y socarrona. Otra de sus marcas de fábrica era un timbre de voz muy grave, reforzado por la siseante pronunciación de las palabras que salían de su boca y con las que podía meterte el miedo en el cuerpo o, por el contrario, engatusarte con una frase llena de ironía.
Price nació el 27 de mayo de 1911 en San Luis, Missouri, como hijo del presidente de una productora de caramelos (quién sabe si eso influyó en que, al hacerse adulto, desarrollara una increíble pasión por la cocina). Tuvo una educación de primera categoría, ya que estudió Historia del Arte y Bellas Artes en Yale y en Londres. Luego se mudó a Nueva York y, a partir de 1935, empezó a actuar regularmente en Broadway y en las radionovelas.
Su primer papel importante en el cine llegó en 1939 como secundario de Boris Karloff en ‘La torre de Londres’, pero aún tardaría más de una década en afianzarse como un actor válido para el cine fantástico o de terror. Mientras tanto se curtió en melodramas como ‘Laura’ (Otto Preminger, 1944) y ‘Que el cielo la juzgue’ (John M. Stahl, 1945), ambos protagonizados por Gene Tierney. Price volvería a coincidir con esta guapísima actriz en ‘El castillo de Dragonwyck’ (Joseph L. Mankiewicz, 1946), una cinta gótica de poca calidad pero en la que ya dejó patente que lo suyo eran los personajes oscuros, malévolos y atormentados.
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Centenario de Maureen O’Sullivan
“Cheeta… aquella mona hija de puta.”
Este martes se cumplen 100 años del nacimiento de Maureen O’Sullivan, considerada como la primera gran actriz irlandesa –o, al menos, la que antes llegó al estrellato– y conocida principalmente por haber encarnado a la Jane de ‘Tarzán’ en seis películas. Apuesto lo que queráis a que sus padres, firmes creyentes de la doctrina católica, jamás pensaron que su hija encandilaría a millones de espectadores ligerita de ropa y enroscada al musculoso pecho de Johnny Weissmuller. De hecho, la pequeña Maureen, nacida el 17 de mayo de 1911, pasó su infancia en dos conventos: uno de Dublín y otro de Londres. En éste último se hizo amiga de Vivien Leigh.
¿Cómo llegó entonces Maureen de la conservadora Irlanda a la lujuriosa Los Ángeles? Fue un golpe de suerte, tal cual. El director Frank Borzage se encontraba en Dublín buscando localizaciones para su nueva película: ‘La canción de mi alma’ (en el título original hay un pequeño chiste para irlandeses: ‘Song o’My Heart’). Borzage conoció a Maureen por casualidad, le propuso hacer un test, ella aceptó y el resultado fue más que satisfactorio. Así que Borzage la ‘metió’ en la maleta y se la llevó a Hollywood, ofreciéndole ser la secundaria de John McCormack y Alice Joyce.
Al llegar a Hollywood, Maureen supo que valía la pena quedarse allí e intentar ganarse una carrera como actriz de cine. Y, después de varios papeles poco satisfactorios tanto para ella como para quienes la había contratado, en 1932 fichó por la Metro-Goldwyn-Mayer y se convirtió en la Jane Parker de ‘Tarzán de los monos’. La película tuvo tal éxito que, como hemos dicho, se rodaron cinco secuelas (la última, ‘Tarzán en Nueva York’, en 1942); en todas ellas compartió reparto con el atlético Weissmuller, que también fue su amante esporádico. Maureen acabó un poco harta de tantas aventuras en la selva y, al parecer, en su vejez se refería a Cheeta como “aquella mona hija de puta”. Es normal que no se sientese realizada, pero al menos esas películas le sirvieron para pasar a la posteridad.
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Warren Beatty tiene decidido volver a la interpretación
El regreso de Warren Beatty al cine fue una de las grandes noticias que nos dejó el reciente TCM Classic Film Festival. Fue el propio actor quien lo dijo durante una distendida entrevista con su amigo Alec Baldwin, con varias decenas de espectadores como testigos.
Beatty lleva más de diez años sin rodar ninguna película, en concreto desde la blandísima comedia ‘Enredos de sociedad’ (Peter Chelsom, 2001), donde coincidió con Diane Keaton y Nastassja Kinski. Desde entonces dice haberse entregado en cuerpo y alma al cuidado de su esposa, la estupenda actriz Annette Bening, y de sus cuatro hijos, que tienen entre 11 y 19 años de edad.
“Cada uno de mis hijos es más interesante que [rodar] cinco películas”, le contó Beatty a Baldwin, para después apostillar: “Sin embargo, voy a hacer otra película. De hecho, voy a hacer varias. Sería lo mejor para ellos.” Y eso que, a sus 74 años, es consciente de las dificultades que entraña el Hollywood actual: “No puedes tomarte las libertades que nos tomábamos”, afirmó, en referencia a la época en que dirigió ‘Reds’ (1981): “No puedes correr el riesgo de aburrir a la audiencia… Estamos en mitad de una revolución sobre cómo deben verse las películas.”
Aparte de lo que dice Beatty, que desgraciadamente tiene toda la razón del mundo, nosotros nos preguntamos si su caché seguirá siendo el mismo que hace diez años. Por la basura de ‘Enredos de sociedad’ cobró la friolera de 8 millones de dólares, sólo uno menos de lo que se embolsó por ‘Dick Tracy’ (1990). Pero, las cosas como son: Warren los vale. Por guapo y por buen actor. Y, si no, id a la videoteca, coged el DVD de ‘Esplendor en la hierba’ y comprobadlo.
Vía | IMDb
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Dolores Fuller, musa de Ed Wood, fallece a los 88 años
La actriz Dolores Fuller (nacida Dolores Agnes Eble), musa del excéntrico Ed Wood en la década de los cincuenta, falleció el martes pasado en Las Vegas a los 88 años, según publican hoy varios periódicos estadounidenses. Para los que tengáis fresca la película que rodó Tim Burton en 1994 sobre el calificado como “peor director de la historia del cine”, Dolores Fuller era el personaje que interpretaba Sarah Jessica Parker (del que la imitada renegó públicamente).
La primera incursión de Dolores en el séptimo arte tuvo lugar cuando recién había cumplido los 10 años, en la oscarizada comedia romántica ‘Sucedió una noche’. Claro que ahí sólo era una extra en la secuencia del motel; es más: salió en pantalla por casualidad, ya que se encontraba en ese motel de vacaciones con su familia. Perdonadme la broma, pero quizá ésta fuera su mejor interpretación… o al menos la más natural.
Anécdotas aparte, Dolores tuvo que esperar hasta la llegada de la televisión para empezar a labrarse algo parecido a una carrera artística. Un día acudió a un casting junto a su amiga Mona McKinnon y allí conoció a Ed Wood, que la convertiría en su novia y en la protagonista de las películas ‘Yo cambié mi sexo’ (1953) y ‘Jail Bait’ (1954).
Tras separarse de Wood, Fuller tuvo que reconocerse a sí misma como una pésima actriz y decidió encaminarse hacia la música, lo cual se le dio bastante mejor. Fundó su propia discográfica, Dee Dee Records, y se dedicó a componer canciones para numerosas películas; entre ellas, dos de Elvis Presley: ‘Blue Hawaii’ y ‘Kid Galahad’. También impulsó la carrera musical de Johnny River. Sin embargo, nunca le fue otorgado ningún premio ni reconocimento público. Quede al menos este post para recordarla por los siglos de los siglos. Descanse en paz.
Vía | The New York Times
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Píldoras de cine clásico (XV)
1. El director italiano Bernardo Bertolucci, de 71 años, recibirá la Palma de Oro de Honor del Festival de Cannes el próximo 11 de mayo, durante la gala de apertura del certamen. El jurado del festival le considera un referente del séptimo arte por haber impregnado sus películas de “un profundo lirismo y una dirección tan precisa como elegante”. Valgan como ejemplo ‘El conformista’ (1970), ‘El último tango en París’ (1972) o ‘Novecento’ (1976). Bertolucci ha sido un habitual en la programación de Cannes, sin embargo nunca había ganado premio alguno; se quedó en la nominación con ‘La tragedia di un uomo ridicolo’ (1981) y ‘Belleza robada’ (1996). Esta es la tercera vez que Cannes otorga un premio honorífico: los anteriores afortunados fueron Woody Allen (2002) y Clint Eastwood (2009). La idea es que, a partir de ahora, el galardón se entregue anualmente.
2. Poco antes del homenaje a Bertolucci, el 3 de mayo, ya tendremos en las librerías la esperada autobiografía de Robert Redford. Hasta ahora, los lectores de ‘Vanity Fair’ son los únicos que han podido leer un extracto del libro, en concreto el que hace referencia al rodaje de ‘Todos los hombres del presidente’ (1976). En este capítulo, Redford insiste en que el guión fue obra suya y que le supuso romper su amistad con William Goldman, que le reclama 700.000 euros por los derechos de autor. Más allá de esta disputa, no se esperan muchos detalles morbosos de su vida íntima, sino más bien una especie de documental encuadernado (¿y edulcorado?). Por cierto que Redford, de 74 años, estrena en sólo unos días su nueva película como director: ‘The Conspirator’, sobre asesinato del presidente Abraham Lincoln.
3. El Museo ABC de Madrid acoge hasta el próximo 7 de junio una colección de dibujos de Akira Kurosawa bajo el título ‘La mirada del samurái’. Son un total de 120 dibujos originales que el mítico director japonés utilizó para los storyboards de sus películas. Según los responsables de la exposición, Kurosawa exhibe en sus trazos influencias eclécticas que van de Hokusai a Van Gogh y de Shakespeare a Tolstoi. No en vano Kurosawa afirmaba que, al crear un storyboard, procuraba pensar en “el encuadre, la psicología y las emociones de los personajes, sus movimientos, el ángulo de cámara, la iluminación, el vestuario y los accesorios”. Es decir, que era muy preciso y tenía una imaginación extraordinaria. Normal que todo este trabajo fuera reconocido con un Oscar.
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Sidney Lumet, la conciencia del cine americano
“No hay papeles pequeños, sino actores pequeños.”
Hace menos de 24 horas que llegaba a España la noticia de la muerte de Sidney Lumet, uno de los directores imprescindibles del cine americano en el último medio siglo. Nos ha dejado a los 86 años, aquejado de un linfoma, en su casa de Manhattan. Se ha despedido desde la ciudad que tan bien conocía y que retrató con maestría en sus películas; no enseñando los bonitos edificios y monumentos, sino la cruda realidad que se escondía en el reverso de la Gran Manzana. Como solía decir: “Si un director llega a Nueva York desde California y no conoce la ciudad, subirá al Empire State y comprará las típicas postales. Pero esa, por supuesto, no es la ciudad.”
Lumet nació en Philadelphia, Pennsylvania, el 25 de junio de 1924. Participó en la Segunda Guerra Mundial cuando apenas había dejado atrás la adolescencia, y luego actuó en Broadway. Se apuntó a las clases de interpretación de Lee Strasberg, pero no le acababan de llenar y decidió buscarse la vida por su cuenta junto a otros amigos de su misma opinión como Eli Wallach o Yul Brynner. Y fue en la televisión, ese nuevo invento que se había instalado definitivamente en la vida de los estadounidenses, donde realmente aprendió el oficio de director, a principios de los cincuenta.
En Plumas de Caballo ya hemos hablado de su debut cinematográfico: ’12 hombres sin piedad’ (’12 Angry Men’, 1957), película en la que plasmó todos los conceptos técnicos y artísticos que había aprendido en la pequeña pantalla. Sin embargo, lo que convierte a este film en una de las mejores óperas primas de la historia del séptimo arte, es el debate moral que plantea su protagonista, un inmenso Henry Fonda (acaso un alter ego del propio Lumet): qué es la justicia, quién puede impartirla, cómo estar seguros de elegir el veredicto adecuado, cuáles eran (y son) los agujeros del sistema judicial americano. El resultado: Oso de Oro del Festival de Berlín y tres nominaciones al Oscar, incluida la de Mejor Director.
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