Ya sabéis que en Plumas de Caballo no somos muy dados a la crónica negra, pero hay casos y noticias que merecen la pena comentar cuando las afectadas son estrellas del cine clásico. No, en esta ocasión no hablamos de Marilyn Monroe -qué descanso- sino de la extraña muerte de Natalie Wood, ocurrida el 29 de noviembre de 1981, cuando tenía 43 años. Su hermana, la actriz Lana Wood, y el capitán del yate del que teóricamente resbaló para ahogarse en el mar, Dennis Davern, han pedido a las autoridades de Los Ángeles que reabran el caso. 28 años después, la muerte de Natalie sigue coleando.

Recordemos la versión oficial de los hechos. Natalie estaba a bordo del ‘Splendour’ (bautizado así por su éxito cinematográfico ‘Esplendor en la hierba’) en compañía de su marido, Robert Wagner, y del también actor Christopher Walken, con el que estaba rodando una nueva película. Natalie se habría levantado de madrugada, habría visto un bote salvavidas desatado y, al intentar agarrarlo, se habría caído al agua. La actriz no sabía nadar y, como reconoció su hermana, tenía un miedo atroz al mar abierto; de ahí que se ahogara. Su cuerpo fue encontrado al día siguiente a 1.500 metros de distancia. Llevaba puesto el camisón.

La policía de Los Ángeles sostiene esta teoría, que dicho sea de paso también es la menos comprometida. Pero las declaraciones de los otros integrantes del yate han abierto la caja de los truenos. Primero Robert Wagner reconoció que esa misma noche había discutido con su mujer y que sentía celos de lo bien que se llevaban ella y Christopher Walken. También dijo que tardó cinco horas en denunciar su desaparición porque pensaba que se había ido de fiesta a otro yate y no quería escándalos públicos.

Sin embargo, a la hermana de Natalie nunca le han convencido sus explicaciones, y mucho menos cuando el capitán Davern publicó el pasado mes de septiembre su versión de los hechos, señalando el ahogamiento de la actriz como “consecuencia directa” de su pelea con Wagner. Ahora, Lana ha pedido en una entrevista en la cadena CNN que el juez haga caso a este testimonio y revise el expediente. Pero parece poco probable que Wagner, a sus 80 años, tenga que enfrentarse de nuevo a la acusación de homicidio.

Vía | EFE

Compártelo

Si en el primer capítulo de nuestro ciclo describimos las angustiosas timbas de ‘El hombre del brazo de oro’, ahora nos centramos en una película que es una gran partida de poker del primer al último minuto. ‘El destino también juega’ fue dirigida por Fielder Cook en 1966 a partir de un guión de Sidney Carroll y contó con un extraordinario reparto en el que figuraban curtidos rostros del western como Jason Robards, Charles Bickford o Paul Ford, y dos estrellas de primer nivel como Joanne Woodward y Henry Fonda.

El ritmo inicial de la película es trepidante. Vemos a Charles Bickford vestido de enterrador, conduciendo una diligencia fúnebre a toda velocidad por las Grandes Llanuras. De vez en cuando se detiene para recoger a otro hombre, lo sube al carro y prosiguen la marcha. Así hasta llegar a Laredo, donde descubrimos qué tienen estos hombres en común: los cinco son unos artistas en jugar al poker en Texas. Se reúnen una vez al año para desplumarse los unos a los otros mientras los borrachos del bar mantienen el alma en vilo.

Dado que es un western con mucha comedia, los estereotipos de cada jugador son divertidos. Henry Drummond (Robards) es el favorito, seguro de sí mismo, enérgico y nervioso. Benson Tropp, el enterrador Bickford, proyecta una imagen lúgubre reforzada por su misoginia. Otto Habershaw (Kevin McCarthy) es un cínico guaperas que aparenta tener sentimientos. Dennis Wilcox (Robert Middleton) es un gordo bravucón que defiende las reglas del Viejo Oeste. Y Jesse Buford (John Qualen), un tímido jugador que no se fía ni de su sombra.

La partida arranca al atardecer y se prolonga durante toda la noche. Al día siguiente, todavía quedan muchas fichas encima del tapete. Las apuestas se hacen en una sala a la que solo tiene acceso el dueño del local, que proporciona whisky a los jugadores. Es entonces cuando llega Meredith (Fonda), un apocado padre de familia que viaja hacia Oklahoma junto a su esposa Mary (Woodward) y su hijo Jackie (Jean-Michel Michenaud). A los pocos minutos, los ojos azules de Fonda se quedan clavados en las fichas que sirven para apostar; pregunta si puede participar en la timba y finalmente lo consigue contra la opinión de Mary, que sabe que su marido es un ludópata y les hará perder los ahorros de toda una vida.

A partir de aquí tampoco vamos a desvelar mucho más de la película por si no la habéis visto. Y es que su trama es tan inesperada que nos sentiríamos culpables en caso de revelar algún dato clave. Las partidas de poker siguen adelante con la incorporación de Meredith, que como estaba cantado empieza a perder su dinero; y ni siquiera puede seguir apostando porque -según las reglas del poker cerrado del Oeste- debe igualar la última apuesta realizada… pero no le quedan fichas ni nada valioso que empeñar. Sólo diremos que estéis muy atentos a la intervención de su esposa y del banquero Ballinger (Ford). Seguro que nunca más olvidaréis el significado de la palabra… farol.

Compártelo

‘El signo de la cruz’ (Cecil B. DeMille, 1932). Esta película completó la trilogía bíblica de DeMille, que antes había estrenado ‘Los diez mandamientos’ (1923) y ‘Rey de reyes’ (1927). Una gran oportunidad para ver a Charles Laughton haciendo de Nerón en el momento en que los cristianos son condenados a la arena del circo acusados de haber provocado el incendio de Roma. Fredric March y Claudette Colbert son los otros nombres fuertes del reparto. La Paramount se gastó 45.000 dólares en decorados y 10.000 en vestuario, pero no compró con ello los favores de la Academia, que solo le concedió una nominación a la Mejor Fotografía, responsabilidad de Karl Strauss.

‘Una chica angelical’ (William Wyler, 1935). Margaret Sullavan protagoniza esta comedia romántica basada en un obra de teatro húngara. Ella es ‘Lu’ Ginglebuscher, una huérfana que abandona Budapest para trabajar como acomodadora de cine en Hollywood. Allí conocerá a varios hombres (entre ellos Herbert Marshall y Frank Morgan), que intentarán ganársela de forma más o menos sincera. ‘Lu’, que tiene un gran corazón, querrá contentarlos a todos porque cree que los cuentos de hadas pueden hacerse realidad. Yo no la he visto, pero con este argumento, lo único que me llama la atención es que lleve el sello del señor Wyler.

‘Las cruzadas’ (Cecil B. DeMille, 1936). Otra fastuosa producción de DeMille que también tuvo que conformarse con la nominación al Oscar en la categoría de Mejor Fotografía, en este caso por el trabajo de Victor Milner. En el rodaje hubo extras heridos y caballos muertos, pero DeMille, fiel a su estilo, reaccionó con indiferencia y siguió exigiendo por encima de lo ético… hasta que un actor se hartó y le disparó una flecha que se clavó en su megáfono. Como indica su título, el film describe el viaje de Ricardo Corazón de León (Henry Wilcoxon) a las cruzadas, su interesado matrimonio con la princesa Berengaria (Loretta Young) y su duelo con el sultán Saladín (Ian Keith).

‘Unión Pacífico’ (Cecil B. DeMille, 1939). El reseñado incidente de la flecha no impidió a C.B. seguir rodando películas, como este western que narra la expansión del ferrocarril en los años siguientes a la Guerra Civil. Por supuesto se tratan los problemas a los que tuvo que hacer frente Estados Unidos para unir las dos costas por el camino de hierro, a saber: la codicia de los especuladores, las bandas de forajidos y los ataques de los indios (para una escena se contrataron a más de cien navajos). Mientras tanto, la bella Mollie Monahan (Barbara Stanwyck) y el capitán Jeff Butler (Joel McCrea) viven su particular y dramático romance. Hubo premio para DeMille: ni más ni menos que la Palma de Oro del Festival de Cannes.

‘Recuerdo de una noche’ (Mitchell Leisen, 1940). Otra película protagonizada por Barbara Stanwyck, en este caso encarnando a una mujer que es pillada por tercera vez cometiendo un robo. Pero como es Nochebuena y la policía opina que sería demasiado cruel cumplir el castigo en esta fecha tan señalada, la deja libre para ir a cenar a casa de su madre, que vive en un pueblecito de Indiana. Hasta allí le acompaña el fiscal Jack Sargent (Fred McMurray), que se verá imbuido por el ambiente navideño y se enamorará de la mujer. Pero las fiestas pasan y llega la hora de acusarla ante el juez: ¿será capaz o se le ablandará el corazón? La respuesta es obvia, pero habrá que verla… por si acaso.

‘La mujer X’ (David Lowell Rich, 1966). Todo el mundo se sorprende cuando el millonario Clayton Anderson (John Forsythe) descuida sus negocios para casarse con una vulgar dependienta de San Francisco llamada Holly Parker (Lana Turner). La pareja se traslada de inmediato a Connecticut para vivir en una impresionante mansión donde Holly tiene a su primer hijo. El problema es que la madre de Clayton vive con ellos y se entromete en todas las decisiones de su nuera, a la que considera de una clase social inferior. Las tensiones entre ambas irán creciendo hasta alcanzar situaciones realmente peligrosas. El dato cachondo de esta película es que, seis años después, la mansión donde se rodó se convirtió en la casa de las conejitas de la revista ‘Playboy’. Pero parece que lo de ‘Mujer X’ no tuvo nada que ver.

Vía | ZonaDVD

Compártelo

Teníamos pendiente un post sobre ‘La mujer del cuadro’ para cerrar el recuerdo a la actriz Joan Bennett con motivo de su centenario, así que vamos a saldar esa deuda cuanto antes. Estamos ante una de las mejores películas de Bennett; sin embargo, pongo en duda que también lo sea de su director, Fritz Lang. Creo que el vienés cuenta en su filmografía con obras más notables que ‘La mujer del cuadro’, donde recoge de manera soberbia los principales ingredientes de la atmósfera ‘noir’ pero donde también descuida el guión hasta convertirlo en un simple -aunque agradable- pasatiempo. Por eso me parece más interesante la película que cierra esta especie de díptico sobre las ‘femme fatales’, rodada al año siguiente bajo el título de ‘Perversidad’, en la que aparecen prácticamente los mismos actores y actrices protagonistas.

La sinopsis de ‘La mujer del cuadro’ nos traslada hasta una zona acomodada de Nueva York en la que los hombres de bien pegan una patada a sus esposas e hijos en cuanto se les presenta la oportunidad y se reúnen en clubes nocturnos para beber, fumar y charlar de lo divino y de lo humano. Esa es la principal afición del señor Richard Wanley (Edward G. Robinson), un almidonado profesor universitario que hace tiempo que ni siente ni padece, acostumbrado a una vida cómoda, sin sobresaltos pero, lógicamente, sin emoción alguna.

Una noche, al entrar al club, el señor Wanley se queda prendado de la mujer que aparece en el solitario cuadro de un escaparate. Se pregunta quién será la modelo y pierde la noción del tiempo, para mofa de sus colegas. Al cabo de unas horas, abandona el local con el sueño en el cuerpo -y unas cuantas copas- y decide echar un último vistazo a la mujer del cuadro. Mientras lo observa de nuevo con la boca abierta, la modelo real aparece a su lado. Resulta ser una chica ligera de cascos (Joan Bennett) que le convence para seguir la velada en casa. Lo que Wanley no sabe es que la chica tiene un amante que se presentará sin avisar e intentará estrangularle y que no tendrá más remedio que matarlo clavándole unas tijeras.

Como en otras películas como la impresionante ‘Furia’ (1936), Fritz Lang juega con la idea de un sujeto que siempre se ha regido según la ley pero que, en contra de su voluntad, se ve obligado a engañar a las autoridades para salvar su honor. Y como sucede habitualmente en el género negro, es una mujer quien arrastra al hombre honesto por la calle de la amargura, si bien la Joan Bennett de ‘La mujer del cuadro’ demuestra tener bastante más corazón que la manipuladora sin escrúpulos de ‘Perversidad’.

La investigación policial que rodea al crimen cometido por el señor Wanley consigue implicar al espectador en tanto que sabemos que el asesinato ha sido en defensa propia y eso nos despierta ciertas simpatías hacia él. Es probable que, si explicara lo ocurrido, y tratándose de un tipo sin antecedentes y de buena condición social, la condena no sería la silla eléctrica, ni mucho menos. Pero para Wanley hay algo peor y es que le acusen de adulterio, de que en el momento del crimen se encontrara en casa de esa vulgar desconocida. Por eso decide escurrir el bulto bajo la alfombra. En cualquier caso, su agónica situación transmite un desasosiego que crea esa sensación de malestar tan típica del cine negro, agraviada por la magistral banda sonora de Arthur Lange y los misteriosos juegos de sombras del fotógrafo Milton Krasner.

Entonces, ¿dónde se están los presuntos fallos de ‘La mujer del cuadro’, por qué no termina de convencernos? La respuesta es que, quizá, resulta demasiado obvia; sobre todo si descubrimos rápidamente la trampa que nos tiende Lang al empezar. Además, la investigación en sí esta llena de detalles tan lógicos que parece complicado que se le puedan escapar a un hombre tan inteligente como Wanley. Pero también tengo que decir que no me atrevo a criticar un guión firmado Nunnally Johnson y, sobre todo, que nunca he matado a nadie, así que no sé si podría reaccionar con esa torpeza o si todo me parecería tan obvio.

En fin, que por mucho que se quede un escalón por debajo de otras películas de Lang, ‘La mujer del cuadro’ es un manual de cine negro en toda regla: académica, angustiosa e, incluso, moralizadora. A ver si después de verla seguís echando en falta un poquito más de acción en vuestras vidas.

Lo mejor: Su brillante atmósfera fatalista.

Lo peor: Quizá -solo quizá- esos reseñados momentos obvios.

La frase: “Las calles se habían oscurecido con algo más que la noche” (Profesor Richard Wanley = Edward G. Robinson).

Compártelo

Sé que tenemos pendiente un post sobre ‘La mujer del cuadro’ para cerrar el reportaje del centenario de Joan Bennett, pero las efemérides se nos agolpan en el calendario. Si el sábado recordábamos los 100 años del nacimiento de la actriz, este lunes tenemos que hacer lo propio con el actor David Niven. Le recordaréis por su cara de aristócrata granujilla, por ser el rival del inspector Clouseau en ‘La pantera rosa’, por su inconfundible bigote y por su acento británico. Pero, además, tras el actor había una persona muy interesante, con una vida más complicada de lo esperado y que pocas veces se mordía la lengua.

David Niven nació en Londres el 1 de marzo de 1910 y, aunque rodó algunas películas de poca importancia en su país natal, a los 24 años se trasladó a Hollywood para escalar hacia la cima del séptimo arte. En sus primeros filmes en Estados Unidos se limitó a ser un notable secundario de héroes como Errol Flynn, Ronald Colman o Gary Cooper, pero ya a finales de los treinta consiguió hacer sombra a Laurence Olivier en ‘Cumbres borrascosas’ o ser la pareja de Ginger Rogers en ‘Mamá a la fuerza’. Pero justo cuando su carrera parecía encarrilada, la Segunda Guerra Mundial iba a provocar un parón.

La guerra había estado presente en la vida de David Niven desde que era un crío, ya que su padre escocés fue teniente en la Primera Guerra Mundial y falleció durante la batalla de Gallipoli. Es de suponer que David sintió el impacto de su pérdida, pues ya tenía cinco años. Quizá espoleado por ello, cuando Inglaterra fue atacada por Hitler cogió el primer avión con destino Londres para ayudar en lo posible a la victoria de los aliados. Este hecho, lejos de frenar su carrera, le hizo ganarse el respeto de los americanos. Cuando regresó a Hollywood, en 1945, recibió la Orden del Mérito de los Legionarios y fue nombrado teniente por el mismísimo general Eisenhower.

Niven jamás olvidaría el horror que habían visto sus ojos, hasta el punto de que nunca habló de la guerra en público ni alardeó de sus hazañas. La razón es que, cuando fue a Inglaterra, unos amigos le encargaron que buscara las tumbas de sus hijos. Las encontró en el lugar previsto… junto a otras 27.000. Entonces Niven se dijo a sí mismo que tenía 27.000 razones por las cuales no debía contar nada.

La desgracia volvió a cebarse con Niven el 21 de mayo de 1946. Esa noche estuvo cenando junto a su esposa Primulla y otros amigos en la mansión del actor Tyrone Power. Después de cenar, las estrellas decidieron frivolizar un poco jugando al escondite. La mujer de Niven abrió una puerta creyendo que se trataba de un armario para esconderse dentro; pero en realidad se trataba de la puerta de acceso al sótano. Primulla cayó rodando por las escaleras de piedra, se rompió el cráneo y falleció en el hospital pocas horas después. Año y medio más tarde, Niven contrajo matrimonio con su segunda esposa, la sueca Hjördis Genberg, a la que permanecería unido hasta el final a pesar de que habría querido divorciarse de ella en más de una ocasión (llegó a afirmar que sólo servía para ponerse guapa y arreglar las flores).

Volviendo al plano estrictamente profesional, David Niven participó en producciones de gran nivel como ‘La vuelta al mundo en 80 días’ (1956), ganó su único Oscar al Mejor Actor por ‘Mesas separadas’ (1958) y siguió ligado al terreno bélico con ‘Los cañones de Navarone’ (1961) y ‘55 días en Pekín’ (1963). Pero fue su divertido duelo con Peter Sellers en ‘La pantera rosa’ lo que terminó de inmortalizarlo en la memoria colectiva de los espectadores de todo el mundo. Niven aprovechó su porte británico y su aire sofisticado, amén de ese irónico bigote, para encarnar a Sir Charles Lytton. Luego, también al lado de Sellers, parodió al agente James Bond en ‘Casino Royale’ (1967). Su última gran película fue ‘Muerte en el Nilo’ (1976): “Los actores no nos retiramos nunca, simplemente nos llegan menos papeles interesantes”, sentenció.

Afectado por una terrible variante de la esclerosis que le hizo perder casi 40 kilos, Niven falleció en su château suizo el 29 de julio de 1983, a los 73 años, dejando viuda a la infausta señora Genberg y una descendencia de cuatro hijos (dos por cada matrimonio). Poco antes había escrito en sus memorias que tenía mejores “erecciones” que “convicciones”, dando pábulo a su leyenda de seductor en la sombra (entre sus presuntas conquistas figuran Marilyn Monroe y Grace Kelly… cuando ésta ya era princesa de Mónaco). La verdad, viendo las fotos de ese rostro entre altivo y burlón, uno se creería cualquier cosa de David Niven.

Compártelo

Este sábado 27 de febrero -el mismo día en que cumplen años Elizabeth Taylor (78) y Joanne Woodward (80)- celebramos el centenario del nacimiento de una de las grandes actrices del cine negro americano: Joan Bennett. Rubia -aunque la recordemos morena-, delgada, con un rostro ambiguo que denotaba inocencia y falsedad a partes iguales, Bennett supo encarnar con acierto tanto a damas de clase alta como a las vulgares prostitutas de los bajos fondos de Nueva York. Su registro iba más allá del ámbito gestual y poseía una voz que manejaba a su antojo según las exigencias del guión. Toda una estrella del cine clásico a la que vamos a dedicar dos posts: en el primero repasaremos su biografía y, en el segundo, analizaremos una de sus películas más destacadas, ‘La mujer del cuadro’ (1944).

Joan Geraldine Bennett nació en Palisades, New Jersey, en el seno de una exitosa familia de actores teatrales que se remontaba al siglo XVIII. No le faltó de nada en su infancia, ni a ella ni a sus hermanas mayores, una de las cuales -Constance- también se abriría paso en el cine. Joan estudió en importantes colegios de Manhattan y Connecticut para acabar su formación académica en Versalles. Todo un lujo.

Aunque sus padres la introdujeron desde muy pequeña en los círculos artísticos, Bennett no empezó a rodar películas regularmente hasta 1929. Para entonces tenía 19 años y ya se había casado y divorciado de su primer marido, un tal John Marion Fox, que le dio a su hija Diana. Su primer triunfo en la gran pantalla fue como actriz secundaria en ‘Bulldog Drummond’, protagonizada por Ronald Colman. Luego trabajó al lado de Spencer Tracy en ‘She wanted a millionaire’ (1932), donde ya figuró en el primer lugar de los créditos e incluso obligó a detener el rodaje durante seis meses al caerse de un caballo y romperse una pierna. Ese mismo año volvió a casarse, ahora con el guionista y productor Gene Markey; tuvieron otra hija pero el matrimonio tampoco funcionó y se separaron en 1937.

Tras el estreno de ‘Mujercitas’ (1933), donde solo Katharine Hepburn pudo eclipsarla, el productor independiente Walter Wanger se fijó en ella y le ofreció un contrato para mejorar su carrera. Efectivamente, la relación de Bennett con Wanger sería clave tanto dentro como fuera de la pantalla durante las siguientes tres décadas. Gracias a él pudo compartir reparto con Cary Grant en ‘Big brown eyes’ (1936) o participar en los clásicos ‘El hombre de la máscara de hierro’ (1939) y ‘El conde de Monte Cristo’ (1940). Además, Bennett se quedó a un paso de protagonizar ‘Lo que el viento se llevó’; su prueba de cámara impresionó a David O. Selznick, pero a última hora fue desposeída del papel por Vivien Leigh.

Divorciada de Markey, Joan tuvo luz verde para casarse con Wanger en 1940. Pero sería otro hombre quien terminaría de inmortalizarla para la historia del cine: Fritz Lang. El director vienés potenció su faceta de morena y rebajó su escalafón social, convirtiéndola en puta, chantajista o asesina, siempre al servicio del género ‘noir’. Lang desarrolló en un interés casi obsesivo por Bennett -dicen que hasta espiaba sus pechos a través de la cámara- y consiguió que actuara para él en cuatro películas, una cifra récord si tenemos en cuenta el agrio carácter del director: ‘El hombre atrapado’ (1941), ‘La mujer del cuadro’ (1944), ‘Perversidad’ (1945), ‘Secreto tras la puerta’ (1948).

Tras desligarse de Fritz Lang, Bennett regresó a papeles más amables, como los que encarnó en las casi calcadas ‘El padre de la novia’ (1950) y ‘El padre es abuelo’ (1951), junto a Spencer Tracy y Elizabeth Taylor. Pero el incidente que estaba a punto de ocurrir y que estuvo a punto de retirarla del cine no tuvo nada de amable.

El 13 de diciembre de 1951, su marido Walter, preso de un ataque de celos, disparó a su nuevo agente, Jennings Lang (que nada tenía que ver con Fritz). No hubo víctimas, pero se armó un gran escándalo en la prensa y Bennett sopesó la idea de abandonar. Y aunque no lo hizo, sus apariciones posteriores fueron mucho más esporádicas e irrelevantes, si exceptuamos la película ‘No somos ángeles’ (1955) y la serie de televisión ‘Dark Shadows’, que se mantuvo en antena cinco temporadas. También interrumpió sus colaboraciones en la radio, donde había triunfado ayudada por su excelente registro vocal. Aún así, su matrimonio con Wanger -con el que había tenido otros dos hijos en los cuarenta- se prolongó hasta 1965, cuando firmaron el divorcio en México.

De la última etapa de la vida de Joan Bennett cabe destacar su participación en la película de Dario Argento ‘Suspiria’ (1977), que le valió la nominación a los premios Saturn en la categoría de Mejor Actriz de Reparto. En 1978 se casó con su cuarto y último marido, el publicista David Wilde, al que permanecería unida hasta su muerte, que tuvo lugar en Scarsdale, Nueva York, el 7 de diciembre de 1990.

Compártelo

Abrimos un nuevo ciclo en Plumas de Caballo. Os recuerdo que por ahí anda el especial de Historia de los Oscars, que espero terminar antes de jubilarme (próximamente, el último capítulo de la gala de 1929). Pero aún nos quedan energías para dar el pistoletazo de salida a otra sección, dedicada fundamentalmente a las partidas de poker más interesantes del cine clásico. Bienvenidos pues a nuestro ciclo Cara de Poker.

La primera timba que vamos a desmenuzar es la que protagonizó Frank Sinatra en ‘El hombre del brazo de oro’, película de gran calidad dirigida por Otto Preminger en 1955 y que contó con dos actrices espectaculares en su reparto: Kim Novak y Eleanor Parker, además del entrañable Arnold Stang. Es una cinta sórdida, que trata el infierno de las drogas con la crudeza que permitía la censura de la época y en la que Sinatra encarna a Frankie Machine, un jugador dotado de una habilidad extraordinaria para desplumar a sus rivales, lo que le convierte en el arma favorita de quienes le explotan sin compasión a cambio de una dosis.

El local donde tienen lugar los juegos de poker -justo enfrente de la casa de Machine- es igualmente tétrico. Se accede por una puerta trasera, apenas hay iluminación y el humo de los cigarrillos genera una espesa niebla mientras el sudor empapa las camisas de los jugadores. Frankie, que ejerce de banquero, reta a uno o varios apostantes y les vacía los bolsillos poco a poco, sin prisa pero sin pausa, como si supiera en cada momento qué cartas de la baraja está repartiendo y cuáles tienen cada uno de sus oponentes. Finalmente, cuando a éstos ya no les queda ni el orgullo, la partida se da por acabada y Frankie recibe una pequeña cantidad de dinero por los servicios prestados.

La timba principal de ‘El hombre del brazo de oro’ enfrenta a Frankie con dos mafiosos de altos vuelos que creen que podrán hacer picadillo a ese flacucho banquero por muy bueno que sea manoseando la baraja. Y una vez más, Frankie parece salirse con la suya, venciendo con facilidad las primeras rondas, amasando una verdadera fortuna en un par de horas.

Sin embargo, sus rivales se resisten a perder y siguen apostando todo lo que llevan encima. Frankie desea retirarse, cree que ya es suficiente, los primeros rayos del sol indican que la partida debe terminar; está cansado, con el ‘mono’, y sus reflejos empiezan a fallar. Pero el tío que le explota quiere más pasta, quiere seguir ganando manos y le obliga a seguir. Frankie se remoja la cabeza, respira hondo, pide que abran las ventanas para airear el ambiente… Pero es demasiado. Se desploma. Comete una equivocación al creer que el viejo truco del as en la manga puede funcionar; se descubre el pastel, se acaba la partida, la banca se arruina y Frankie recibe una soberana paliza.

Maravillosa intensidad la de esta y otras escenas de ‘El hombre del brazo de oro’, realmente da la sensación de estar viendo la partida de poker texas ‘in situ’, a codazos con los otros presentes, con el miedo en el cuerpo por si aparece la policía. Qué grande era Preminger.

Compártelo

Hace catorce años, cuando tenía 79, Kirk Douglas sufrió un infarto que dañó parte de su cerebro y le dejó, literalmente, sin habla. Tuvo que aprender a hablar otra vez desde cero, como si fuera un bebé. Al principio ni siquiera podía articular sonidos, pues tenía dormidos los músculos de la lengua, así como los labios y los dientes. Un grave problema que habría tumbado a muchos ancianos, pero no al bueno de Kirk, que se esforzó todo lo que pudo y, poco a poco, recuperó la capacidad de emitir palabras.

Como ya os hemos contado en otras ocasiones, Kirk Douglas tiene su propio MySpace, lugar donde hace unas horas ha recordado aquel fatídico episodio; pero lo ha hecho con optimismo, sin ponerse medallas ni hacer concesiones al melodrama. Douglas ha asegurado que el infarto le hizo “mejor persona” y que, desde entonces, valora mucho más esos pequeños dones que poseemos, como la facultad de hablar. Pase lo que pase, lo importante es seguir luchando: “Aún me sigue costando y hay momentos en los que quiero abandonar, pero lucho contra esos pensamientos.”

No descubrimos nada si decimos que Douglas es un ejemplo de superación y espíritu de sacrificio, así como de adaptación a las nuevas tecnologías (como lo son tanto o más que él aquellos que luchan desde el más absoluto anonimato). Pero es que, además, en esta etapa de su vida le ha dado por sincerarse, como si estuviera haciendo un repaso de aquellos hechos que le han marcado y quisiera dejar constancia de ello. Hace justo un año se subió a un escenario para protagonizar un monólogo de 90 minutos titulado ‘Antes de que olvide’, en el cual llegó a preguntarse a sí mismo si pudo hacer algo más para evitar que su hijo Eric (el hermano pequeño de Michael) falleciera prematuramente por culpa de las drogas.

Seguiremos pendientes de su blog, a ver qué nos cuenta la próxima vez. Hasta entonces, no me resisto a poneros en un enlace a esta curiosa foto del pasado Día de Acción de Gracias.

Vía | IMDb

Compártelo

Llevamos casi tres años oyendo hablar del biopic de Frank Sinatra, uno de los proyectos sobre estrellas del cine clásico que más está costando arrancar. Primero supimos que la película se basaría en las memorias de su ayudante personal, George Jacobs, y que estaría a cargo de dos sujetos tan sospechosos como el director Brett Ratner y el actor Chris Tucker. Meses después respiramos tranquilos al saber quién se iba a hacer cargo realmente del biopic: el gran Martin Scorsese. Y a partir de ahí se dispararon los rumores sobre quién encarnaría a Sinatra. Los nombres de George Clooney o Johnny Depp salieron a la palestra, pero a nadie se le escapaba que Scorsese iba a luchar para que fuera su actor fetiche quien se llevara el papel.

Finalmente, el propio Scorsese ha confirmado lo que intuíamos en este blog desde hace tiempo, que el elegido es Leonardo DiCaprio. No era difícil acertar. Esta será la quinta vez que DiCaprio estará a sus órdenes, después de ‘Gangs of New York’ (2002), ‘El aviador’ (2004), ‘Infiltrados’ (2006) y la recién estrenada ‘Shutter Island’ (2010). Eso sí, Scorsese ha advertido que el guión aún no está terminado y que DiCaprio no cantará en el film, ya que la idea es que le doble el propio Sinatra; una decisión con la que coincidimos al cien por cien.

A partir de ahora los rumores se centrarán en los actores y actrices que completan el reparto, así como en la fecha de inicio del rodaje, que mucho nos tememos no será antes de 2011. Y es que los próximos proyectos de Scorsese son un documental sobre George Harrison y la adaptación del libro ‘La invención de Hugo Cabret’. Será después cuando se ponga manos a la obra con ‘Sinatra’, por lo que seguramente no estará en los cines hasta 2012… y en el caso de España, puede que aún más tarde. Pero veréis como tanta espera merece la pena.

Por cierto, partiendo de la base de que Sinatra es insustituible e inimitable, ¿qué os parece la elección de DiCaprio? Físicamente se parecen tanto como un huevo y una castaña, pero sin duda Leo es uno de los actores del momento y ya protagonizó con buen resultado el biopic de Howard Hugues (’El aviador’). Quede bendecido pues por Plumas de Caballo. Suerte.

Vía | 20 minutos

Compártelo

Nueva estrella del cine clásico de la que nos tenemos que despedir: Kathryn Grayson. Ha fallecido a los 88 años en Los Ángeles por causas naturales, según informa la prensa estadounidense. Fue un rostro habitual en los musicales de la Metro en los años cuarenta y cincuenta. Es momento de que en Plumas de Caballo le rindamos un pequeño homenaje en forma de post.

El sueño de Zelma Kathryn Elisabeth Hedrick era ser cantante de ópera. Y la verdad es que tenía unas cuerdas vocales fabulosas. Por eso, cuando tenía 15 años, sus padres aceptaron mudarse con ella de Carolina del Norte a Los Ángeles, con la esperanza de hallar el camino al éxito. Pero es poco probable que Kathryn adivinara lo que iba a suceder: triunfaría, sí, pero no en los grandes teatros de ópera, sino en las pantallas de cine de Hollywood.

En 1941, un caza talentos de la Metro la escuchó por casualidad en la radio y se dijo que tenía una voz perfecta para el cine musical. Kathryn recibió una oferta para unirse a la productora de Louis B. Mayer y la aceptó de inmediato. El problema es que con esa firma perdió casi todas las opciones de dedicarse a la ópera; cuando le ofrecieron cantar en el Metropolitan, el señor Mayer en persona se lo prohibió para no dañar su imagen de actriz. El motivo puede parecer poco convincente, pero la verdad es que en aquella época eran los grandes estudios quienes tenían la sartén por el mango.

El mismo año que dio el salto al cine, Kathryn se casó con un actor bastante discreto llamado John Shelton, del que se divorciaría en 1946. Para entonces, Kathryn ya había rodado su primer gran éxito como actriz: el musical ‘Levando anclas’, donde compartió luminarias con dos pesos pesados del género como Frank Sinatra y Gene Kelly. En 1947 se casó por segunda y última vez, ahora con un barítono de clubes nocturnos -Johnny Johnston- con el que sólo duró cuatro años pero el cual le dio a su única hija.

Afianzada en la soltería, Kathryn tuvo su época dorada en la década de los cincuenta gracias, fundamentalmente, a dos películas. En primer lugar, ‘Magnolia’ (1951), donde encarnó a la protagonista -a pesar de que los aplausos se los llevó el ciclón Ava Gardner. Y, en segundo lugar, ‘Kiss me Kate’, una comedia basada en ‘La fierecilla domada’ de Shakespeare en la que compartió reparto con Howard Keel (por cierto, tanto estas dos películas como ‘Levando anclas’ fueron dirigidas por George Sidney). Por otro lado, se dice que en ese periodo Kathryn engordó el número de conquistas fugaces del incalificable Howard Hugues.

Tras quedar liberada por fin del yugo de la MGM, Grayson rodó una película al servicio de la Paramount (’El rey vagabundo’, 1956). Fue la última vez que la vimos en la gran pantalla. A partir de entonces se limitó a ofrecer actuaciones musicales en sitios como Las Vegas, donde se reunía con Howard Keel y otros ex compañeros de Hollywood. A finales de los ochenta, con casi 70 años, apareció en tres episodios de ‘Se ha escrito un crimen’. En 1996 rechazó ser la protagonista de ‘Las manías de mamá’ (su papel se lo quedó Debbie Reynolds, que fue nominada al Globo de Oro). Desde entonces lo único que se ha sabido de Kathryn Grayson es que daba clases particulares de canto. Hasta hoy. Descanse en paz.

Vía | EFE

Compártelo