Más que contentos, dando saltos de alegría estamos. Y vosotros también lo estaréis en cuanto leáis la retahíla de películas clásicas que se editan en DVD este mes de octubre de 2011. Algunas ya estaban a la venta y se lanzan para cosechar más euros; otras se editan por primera vez. Hay de todo: grandes clásicos, rarezas, westerns, bélicas, comedias románticas… Esto es sólo una pequeña parte de lo que vais a encontrar la próxima vez que visitéis vuestra tienda predilecta:

‘Pánico en las calles’ (Elia Kazan, 1950). Violencia explícita en Nueva Orleans y una epidemia de peste que se expande rápidamente son las premisas de esta película de cine negro ganadora del Oscar al Mejor Guión y del León de Plata del Festival de Venecia al Mejor Director. En el reparto, Richard Widmark, Paul Douglas, Barbara Bel Geddes y Jack Palance. Edita: Llamentol. Precio: 12,95 euros (sin extras).

‘Rutas infernales’ (Bernard Vorhaus, 1940). El cirujano vienés Karl Braun (Charles Coburn) huye del Tercer Reich junto a su hija Leni (Sigrid Gurie) hasta refugiarse en un pequeño pueblo de Dakota del Norte. Pero las tormentas de arena obligan a la población a irse más al Oeste, comandados por un vaquero (John Wayne) que no tardará en fijarse en la preciosa Leni. Edita: Llamentol. Precio: 12,95 euros (sin extras).

‘Horas robadas’ (Daniel Petrie, 1963). Sólo para amantes del melodrama. A Laura (Susan Hayward) le diagnostican un tumor cerebral y su novio, un piloto de coches de carreras, no sabe qué hacer. Además, Laura empieza a sentir una atracción irresistible por el médico que intenta salvarle la vida. Edita: Regasa. Precio: 11,95 euros (sin extras).

‘Y llegó el día de la venganza’ (Fred Zinnemann, 1964). De esas películas bélicas que vemos con curiosidad por saber cómo lo hacía Hollywood para reflejar en pantalla la guerra civil española. Prohibido por la censura franquista, el film está protagonizado por Gregory Peck en el rol de un maqui exiliado en Francia y por Anthony Quinn como Viñolas, un sargento de la Guardia Civil. Edita: Regasa. Precio: 11,95 euros (sin extras).

‘La tela de araña’ (Vincente Minnelli, 1955). Drama pasional –no podía ser de otra manera viniendo de Minnelli– sobre una fogosa mujer (Gloria Grahame) que se echa un amante (Charles Boyer) para evadirse de su aburrido matrimonio con el psiquiatra Stewart McIver (Richard Widmark). Edita: Llamentol. Precio: 12,95 euros (sin extras).

‘La torre de los siete jorobados’ (Edgar Neville, 1944). Quizá, el estreno más interesante del mes. Es una mezcla de comedia, terror y cine fantástico ‘made in Spain’ ambientando en el Madrid del siglo XIX. Es probable que caiga en mis manos, ya os contaré… Edita: Versus Entertainment. Precio: 34,95 euros. Extras: dos discos con la versión original conservada por la Filmoteca Española, documentales sobre Neville, ilustraciones y un libreto de 180 páginas con textos de diferentes historiadores del cine español.

Estos y otros estrenos del mes, en MD Movies Distribución.

Dentro de poco se cumplirán 50 años del estreno de ‘Desayuno con diamantes’. Para muchos es la comedia romántica por antonomasia, aunque tenga más sabor amargo que dulce. Se vio por primera vez el 5 de octubre de 1961 en Nueva York y llegó a España, censura mediante, el 12 de noviembre de 1963. Desde entonces ha enamorado a millones de espectadores en todo el mundo, rendidos la perfecta y triste belleza de Audrey Hepburn, alias Holly Golightly.

El motivo por el que llegamos a una película clásica en concreto puede ser diverso: porque nos gusta la protagonista, porque nos han hablado bien de ella, porque la hemos pillado en la tele, porque me han regalado el DVD… En mi caso –no me avergüenza reconocerlo– llegué a ‘Desayuno con diamantes’ porque salía George Peppard. Así de claro. Yo era un fan acérrimo de ‘El equipo A’ y quería saber qué había hecho el coronel Hannibal Smith antes de tener el pelo blanco. Y, claro está, lo primero que encontré fue ‘Desayuno con diamantes’. Fue también el primer film que vi de Audrey Hepburn.

Como es sabido, la historia original fue escrita por Truman Capote en un librito que casi todos reconocemos más crudo y veraz que su adaptación cinematográfica. La Holly Golightly del libro tenía tendencias bisexuales, fumaba hierba, había ejercido la prostitución y había sufrido un aborto. Explicarlo tenía un pase; pero adaptarlo a la gran pantalla para que todos lo viesen, era demasiado. Por eso la mayoría de estos episodios oscuros son silenciados o referenciados muy a la ligera.

Sin embargo, eso no indica que estemos ante una película blanda o maniquea. Al contrario, se trata de un precioso romance noir en el que acumularemos más lágrimas que sonrisas. Y ahí se nota la mano del maestro Blake Edwards.

Hepburn, que acababa de ser madre por primera vez, tuvo un rodaje complicado. La escena inicial, esa inolvidable secuencia en la que desayuna pastelitos daneses frente a los escaparates de Tiffany’s, con un vestido negro que causaría furor y unas gafas de sol enormes, fue un tormento por dos motivos: porque tuvo que rodarla frente a cientos de viandantes que cotilleaban a sus espaldas y porque, en realidad, odiaba los pastelitos daneses. Por no hablar de la escena final, la del gato, que según explicó fue “la más desagradable” de su carrera. Y para rematar la faena no se entendía muy bien con Peppard, cuyos métodos de actuación la sacaban de quicio (a ella y a cualquiera). Luego serían amigos hasta la muerte de la actriz.

Todos estos impedimentos fueron superados uno tras otro por una Hepburn que dio el salto a la inmortalidad de manera definitiva, si no lo había hecho ya con ‘Sabrina’ o ‘Vacaciones en Roma’. A menudo se desprecia su calidad interpretativa en este film, como si lo único que hubiera prestado hubiera sido su rostro y su figura. Pero también hay que valorar esa fragilidad casi etérea con la que barnizó a su personaje y que –lamento decirlo– difícilmente habría podido alcanzar Marilyn Monroe, escogida en el casting inicial.

‘Desayuno con diamantes’ obtuvo cinco nominaciones al Oscar, incluyendo la de Mejor Actriz, pero sólo se llevó dos: los de Mejor Banda Sonora y Mejor Canción Original. Hablamos, por supuesto, de el ‘Moon River’ de Henry Mancini, interpretado en una novena inferior por parte de Audrey pero con voz absolutamente original. Es el punto de melancolía que pone la guinda a la película. Una canción que fue incluida porque Audrey luchó por ella, ya que a los productores ejecutivos no les convencía. Ah, también fue Audrey quien luchó para que Blake Edwards ocupara la butaca de director en lugar de John Frankenheimer. Para que luego digan que no tenía carácter.

Lo mejor: El conjunto en sí, liderado por Audrey Hepburn.

Lo peor: El personaje de Mickey Rooney nunca me ha convencido.

La frase: Más bien, el monólogo de Peppard. Éste de aquí.

Empezamos un post triste con una noticia alegre, al menos para quien suscribe: Plumas de Caballo ya ha alcanzado la cifra de 100 seguidores en su grupo de Facebook. Muchas gracias a todos por estar ahí, consiguiendo que el cine clásico también tenga su hueco en las modernas redes sociales del siglo XXI.

Y ahora, la noticia luctuosa: el pasado sábado falleció el actor Cliff Robertson en el Centro Médico Stony Brook de Nueva York, de causas naturales, a los 88 años. Había ganado el Oscar al Mejor Actor Protagonista por ‘Charly’ (Ralph Nelson, 1968), donde encarnó a un hombre aquejado de una discapacidad mental que, tras someterse a experimentos, logra el nivel de inteligencia propio de los genios. Derrotó en los Oscar a Alan Arkin, Alan Bates, Ron Moody y Peter O’Toole.

Sin embargo, lo que más han destacado los medios de comunicación tradicionales es que se despidió de la gran pantalla a principios de la pasada década interpretando al tío Ben en la saga ‘Spider-Man’ que dirigió –con acierto– Sam Raimi. Nosotros mencionaremos, además, su paso por ‘Picnic’ (Joshua Logan, 1955), donde hizo de un viejo amigo de William Holden.

Otras películas de su filmografía son ‘Underworld USA’ (Samuel Fuller, 1961), ‘Comando en el mar de China’ (Robert Aldrich, 1970) o ‘Los tres días del cóndor’ (Sydney Pollack, 1975). Sus experiencias como director no tuvieron mucha fortuna: ni ‘J.W. Coop’ (1970) ni ‘The Pilot’ (1980) sedujeron al público.

Militante del Partido Demócrata en los setenta, la anécdota más grande de su biografía es que el ejército informó a su familia de que había muerto durante el ataque japonés a Pearl Harbor. Queda claro que fue un error. Ahora sí: descanse en paz, Cliff Robertson.

Vía | Blogdecine

1. Buen vídeo el que se han marcado los de Dior y que nos traen los amigos del nuevo portal Red Mujer. Y es que la última campaña de publicidad del famoso J’Adore (dirigida por el francés Jean-Jacques Anaud) tiene como protagonista a Charlize Theron, pero también a otras tres divas del cine clásico tan rubias y atractivas como ella: Grace Kelly, Marlene Dietrich y Marilyn Monroe. Quizá la que más lograda está es Grace Kelly, pero la Dietrich y la Monroe tampoco están nada mal (aunque Marilyn, a cámara lenta, da un poquito de grima). En fin, como es el vídeo que encabeza este post, sólo tenéis que darle al play y comentarnos qué os parece.

2. La página web WhatCulture!, dedicada a las curiosidades del cine, la música, el deporte o los cómics, ha elaborado un ranking sobre las diez imágenes más icónicas de la historia del séptimo arte… y la gran mayoría pertenecen a películas clásicas (incluso las que se han quedado a punto de entrar en ese top 10). En la clasificación aparecen la imagen de King Kong triturando aviones en lo alto del Empire State; la de Ursula Andress luciendo palmito en  ‘Dr. No’; la de Gene Kelly, febril y contento, agarrado a la farola de ‘Cantando bajo la lluvia’; la de los protagonistas de ‘El mago de Oz’ danzando sobre el camino de baldosas amarillas; o la de Janet Leigh gritando en la ducha de ‘Psicosis’, segundos antes de recibir una docena de cuchilladas.

3. Y acabamos las píldoras de este post con dos fallecimientos: los de las actrices Eve Brent y Sybil Jason. La primera tenía 82 años y se hizo famosa por encarnar a la Jane de Tarzán en dos películas de 1958 que protagonizó Gordon Scott. También salió en ’40 pistolas’ o ‘La jungla humana’, y en los últimos años había sido reclamada para breves papeles en ‘La milla verde’, ‘Garfield’ o ‘El curioso caso de Benjamin Button’. En cuanto a Sybil Jason, tenía 83 años y había sido la apuesta de la Warner en los años 30 para competir contra la estrella infantil de la Fox: Shirley Temple. Al final la Fox también fichó a Sybil y ambas fueron amigas durante años. Descansen en paz tanto ella como Eve Brent.

Si en los relatos de Franz Kafka los protagonistas se convertían en cucarachas de la noche a la mañana o se veían enredados en interminables y surrealistas procesos judiciales, en esta película el personaje central sufre otro tipo de transformación que bien podría haber apadrinado el escritor checo. Ya es hora de recuperar en Plumas de Caballo ‘El increíble hombre menguante’, uno de esos clásicos de la ciencia ficción que se han rebelado contra la etiqueta de serie B hasta convertirse en una obra básica para todos los amantes del cine… aunque con unos matices que comentaremos más adelante y que le restan algo en la puntuación final.

Para empezar, la historia original lleva la firma de Richard Matheson, toda una autoridad de la ciencia ficción norteamericana gracias ‘El último hombre sobre la Tierra’. Su protagonista es un hombre corriente llamado Scott Carey (Grant Williams) que disfruta de unas vacaciones en alta mar junto a su esposa Louise (Randy Stuart) cuando, de repente, es regado por una nube de gas tóxico. Ni Scott ni su mujer le dan importancia hasta que, seis meses después, empiezan a ser evidentes los efectos del gas: Scott se hace más pequeño y más delgado cada día que pasa, sin que los médicos puedan encontrar una explicación… ni mucho menos un remedio.

Scott pasa de ser un adulto de 1,85 metros a un hombre de mediana estatura, un hombre bajito, un tipo con la altura de un adolescente, un enano… Su mengua parece no tener fin. Se está convirtiendo en alguien diminuto que necesita ayuda para bajarse del sofá y que terminará durmiendo en una casa de muñecas, perseguido por los gatos y las arañas.

Lo que hace grande a ‘El increíble hombre menguante’ es que no se queda en los efectos especiales (muy buenos, por otra parte) ni en la acción pura y dura. No. Esta película va mucho más allá y nos plantea un problema de perspectiva, de análisis de la condición humana. A pesar del escaso metraje (78 minutos que pasan en un suspiro), el director, Jack Arnold, tiene tiempo de moldear el personaje y de hacerlo creíble al espectador. Scott reacciona como un hombre ante su transformación, y eso no quiere decir que siempre lo haga con valentía: lo hace frustrado, humillado por los gigantes que se compadecen de él, atormentado cuando ni siquiera la enana de un circo (April Kent) es capaz de reconfortarlo.

Quizá –y esto es una opinión muy personal y absolutamente subjetiva– a Matheson se le fue la mano con el final, de ahí mi comentario negativo del primer párrafo. Me explico. La película desemboca en una impresionante batalla entre la araña del sótano y Scott, que se sigue haciendo más y más diminuto a la vez que pierde el miedo a morir. Esto da paso a un monólogo que me parece a todas luces innecesario, con unos tintes creacionistas que tampoco cuadran con el desarrollo del film. Me habría gustado más un final abierto, sin diálogo interior, menos pomposo. Podría haber sido igual de esperanzador y mucho más brillante. Pero lo dejaremos en una minúscula y liviana mota de polvo en el conjunto de una película que, a ratos, nos deja la angustiosa sensación de que todos podríamos ser Scott.

Lo mejor: El drama interior de Scott.

Lo peor: El reseñado monólogo final.

La frase: “¡Tonterías! ¡La gente no encoje!” (uno de los médicos, durante una revisión).

Lo primero es lo primero: gracias a todos los que nos habéis felicitado tanto en persona como en nuestro grupo de Facebook por el tercer cumpleaños de Plumas de Caballo. Así da gusto seguir escribiendo sobre cine clásico, aunque sea de forma esporádica y sin poder dedicarle todas las neuronas que a uno le gustaría. De verdad, gracias. Y lo segundo: vamos a repasar las novedades del mercado de DVD y Blu-ray, a ver cómo viene septiembre… ¡Atentos!

‘El candidato’ (Michael Ritchie, 1972). Drama político en el que Robert Redford encarna a Bill McKay, un senador de California descarado y altivo que se toma la carrera para llegar a la Casa Blanca como un mero pasatiempo: sabe que su forma de ser no encaja con los cánones establecidos, pero quiere experimentar qué ocurrirá si se comporta de forma políticamente incorrecta frente a millones de estadounidenses. La película obtuvo el Oscar al Mejor Guión Original, obra de Jeremy Larner. Edición: DVD de Warner Bros. Precio: 13,50 euros.

‘El motín del Caine’ (Edward Dmytryk, 1954). La considerada como obra maestra del a menudo infravalorado director canadiense se estrena por primera vez en Blu-ray. Ya sabéis la historia: el capitán Queeg (Humphrey Bogart) se hace con los mandos del navío Caine e impone una serie de normas represoras que sacan de quicio a la tripulación… sobre todo cuando una tempestad se cierne sobre ellos. Fue nominada a siete Oscars, pero no ganó ninguno de ellos. Edición: Blu-ray de Sony Pictures. Precio: No especificado. Es de suponer que vendrá con muchos extras, así que no bajará de los 20 euros.

‘Los 400 golpes’ (François Truffaut, 1959). Edición en Blu-ray de esa película de Truffaut que todos deberíamos haber visto antes de criticarla o alabarla hasta la extenuación. Su protagonista es Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), un chico que padece el sufrimiento de un hogar sin amor y la represión de un profesor a la antigua usanza. El día que pilla a su madre liándose con otro, decide coger a su amigo René (Patrick Auffay) y cumplir el sueño que ambos habían trazado: escaparse para bañarse en el mar. Edición: Blu-ray de Avalon. Precio: 21,95 euros. Extras: Dossier de prensa, trailers originales, documentales, pruebas de casting y audiocomentarios.

‘Nueva York, año 2012’ (Robert Clouse, 1975). Qué oportuna esta película, ¿verdad? Se sitúa en el año 2012, o sea… ¡el año que viene! ¿Os imagináis que ocurre de verdad? Bueno, es difícil, pero no imposible. Resulta que, en el film, los neoyorquinos se organizan en comunas tras un desastre apocalíptico que ha diezmado la población mundial. Una de las comunas está liderada por Barón (Max von Sydow) y la otra por Carrot (William Smith). Y, por supuesto, siempre están en guerra la una con la otra. El intermediario parece ser un luchador incansable llamado Carson (Yul Brynner). Edición: DVD de Warner Bros. Precio: 13,50 euros.

Otros estrenos del mes: ‘El hijo de la pradera’ (King Baggot y William S. Hart, 1925); ‘Tomorrow at Seven’ (Ray Enright, 1933); ‘El hombre atrapado’ (Fritz Lang, 1941); ‘El placer’ (Max Ophüls, 1952); ‘En un aprieto’ (Phil Karson, 1955); y ‘Contrabando’ (Don Siegel, 1958).

Vía | ZonaDVD, FilmAffinity y MDCine

Me vais a perdonar los que suspiráis todo el año para que lleguen los calores estivales pero, después del chaparrón que ha caído esta tarde en Barcelona, la ciudad huele mejor y la noche es bastante más fresquita. Espero que sea el preludio del otoño, al que le queda menos de un mes para llegar.

El fresquito agiliza mis neuronas y me da energías para ponerme delante del ordenador a las tantas de la noche. Pero como andamos escasos de noticias sobre cine clásico, he decidido recordar la figura de una actriz etérea, de las que pocas veces se mencionan en los listados pero de la que hay abundante bibliografía. Y qué mejor que un libro para recrearse en el descenso de las temperaturas en esta noche de verano.

Ella se llamaba Gene Tierney, tenía raíces irlandesas y nació en el seno de una familia pudiente de Nueva York el 19 de noviembre de 1920. Era guapísima, eso salta a la vista. No fue una gran actriz, no tenía un registro demasiado amplio ni llegaba a la suela de los zapatos de Katharine Hepburn o Bette Davis, pero supo estar a la altura de peliculones como ‘Laura’ (1944), ‘Que el cielo la juzgue’ (1945) o ‘El fantasma y la señora Muir’ (1947).

Sobre Gene Tierney existen varios libros, ninguno de ellos editados en España. Yo conseguí hacerme con ellos poco a poco, esperando pacientemente a que cruzaran el charco tras ser enviados desde vaya usted a saber qué librería de viejo de Minnesota. El más importante e imprescindible es, sin duda, su autobiografía: ‘Self-portrait’ (1979). El libro arranca con un episodio tremendo, en el que Tierney narra su intento de suicidio, cuando se subió a la cornisa de un rascacielos; después alterna su relato de lucha contra la demencia y sus aventuras en Hollywood, tanto delante como detrás de las cámaras.

Las otras dos grandes biografías de Gene Tierney son las que escribieron Pascal Mérigeau en 1987 y Michelle Vogel en 2004. La de Mérigeau es bastante visual, con muchas fotografías hasta entonces inéditas, y se lee con curiosidad. La de Vogel me pareció bastante floja: no es más que un pastiche entre el ‘Self-portrait’ y los titulares de la prensa rosa que persiguió a Tierney cuando se casó con el diseñador Oleg Cassini o cuando flirteó con el príncipe Aly Khan. También ahonda en las desgracias personales de la actriz (por ejemplo, que parió a un niño deficiente mental tras contraer la rubéola durante el embarazo), pero aportando poquitas cosas nuevas. Por lo que valía el libro, me pareció un timo… aunque la edición era bonita.

Quienes os conforméis con ver fotos de Gene Tierney (lo cual sería perfectamente comprensible), os recomiendo que busquéis en alguna hemeroteca estadounidense las portadas de ‘Yank’, una revista que se enviaba a los soldados de la Segunda Guerra Mundial y en la que aparecían las estrellas femeninas del cine con poquita ropa, para subir la moral de la tropa. Ah, y aunque es bueno disfrutar de la Tierney sobre el papel, no os olvidéis de que la mejor manera de hacerlo es poniendo un DVD en el que ella sea la ‘prota’. Buenas noches…

El diario ‘El País’ publica este domingo un curioso reportaje sobre una de las pasiones escondidas de Francisco Franco: el cine. Al parecer, el dictador veía un mínimo de dos películas por semana en su residencia de El Pardo (todas las semanas del año, excepto en agosto). De hecho, sus acólitos le preparaban programas de mano como los que se repartían en los cines: “6 de enero de 1946. ‘Noticiario español’ 157-B. ‘Imágenes’ núm. 53. Descanso. ‘El sargento inmortal’, de John Stahl, con Henry Fonda y Maureen O’Hara.” Desde esa fecha tuvieron lugar más de 2.000 pases privados que se prolongaron hasta octubre de 1975, un mes antes de su feliz muerte.

Cuenta Josep Maria Caparrós, catedrático de Historia del Cine, que tres cuartas partes de las sesiones incluyen películas estadounidenses (unas 1.500), mientras que las restantes son españolas. El cine europeo es estadísticamente residual en el archivo de Franco, si bien hay excepciones del calibre de ‘Las noches de Cabiria’ (Federico Fellini, 1957); ‘El manantial de la doncella’ (Ingmar Bergman, 1960); o ‘El gatopardo’ (Luchino Visconti, 1963). Por géneros, abundan las comedias, los westerns y las aventuras. Apenas hay musicales.

Franco veía las películas dobladas al español, lo cual no habla muy bien de su condición de cinéfilo, pero supongo que el hombre tenía que ser consecuente con sus ideales Grandes, Únicos y Libres. Adoraba los dibujos animados, y por eso organizaba sesiones especiales cuando sus hijos y nietos cumplían años; Walt Disney le llegó a enviar una copia dedicada de ‘La Cenicienta’. Y, atención, porque en El Pardo también se proyectaban películas que habían sido censuradas para el españolito de a pie, léase ‘Casablanca’ (Michael Curtiz, 1942) o ‘Cristóbal Colón’ (Fredric March, 1949). Entre los films que le cabrearon profundamente se encuentran ‘Viridiana’ (Luis Buñuel, 1961) y ‘El verdugo’ (Luis García Berlanga, 1963).

En fin, como digo, un reportaje bastante interesante. A uno se le ponen los pelos de punta al comprobar que un tipo tan aborrecible como Franco tuviera gustos cinéfilos parecidos, pero qué le vamos a hacer. Hasta me gustaría tener una sala de proyección como la que tenía él…

Vía | El País

Si el número de estrellas del cine clásico vivas es ya de por sí reducido, encontrar a un puñado de ellas que se mantengan activas y en buena forma resulta aún más complicado. Pero ahí está Doris Day, a sus 87 años, que acaba de grabar un nuevo disco que es una mezcla de canciones nuevas y antiguos éxitos. Se titula ‘My Heart’ y saldrá a la venta en Estados Unidos y el Reino Unido el próximo 5 de septiembre.

Doris Day ha cantando en multitud de películas a lo largo de su carrera, aunque es recordada sobre todo por el ‘Qué será, será’ de ‘El hombre que sabía demasiado’ (Alfred Hitchcock, 1956). Si nos centramos en su faceta como cantante, nos aparecen más de 20 álbumes grabados entre 1950 y 1994, así que llevaba unos 17 años sin editar ninguno. Y, a modo de curiosidad, el nombre de Doris Day es mencionado en las canciones ‘Dig it’, de los Beatles; y ‘Wake me up before you go go’, de Wham.

A través de la web oficial de la actriz ya se puede reservar una copia de ‘My Heart’, que tiene un precio aproximado de 10 dólares. A mí no me vuelve especialmente loco Doris Day, pero reconozco que tengo curiosidad por ver cómo suena su voz casi nonagenaria y si mantiene la energía y la vitalidad que la caracterizaron en las comedias románticas de los años 50 y 60. Si alguno de vosotros se hace con el disco, que lo cuente, por favor.

Vía | El Mundo

Si en el post de ayer homenajeábamos a Robert Taylor, Lucille Ball y Nicholas Ray por haberse cumplido sus centenarios, hoy tenemos que celebrar otros 100 años: los de Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes, conocido mundialmente como Cantinflas.

Cantinflas fue uno de los personajes que impregnaron mis sobremesas de los sábados en la Televisión Española de finales de los 80 y principios de los 90. Desde entonces, vaya usted a saber por qué, sus películas han desaparecido de la parrilla. Yo era un mocoso que no entendía mucho dónde estaba la gracia de aquel hombrecillo con extraño bigote, mexicano, inocente y altruista, que se metía en un montón de enredos. Tampoco me enteraba, claro, del trasfondo social de sus aventuras ni de por qué era un icono para sus paisanos.

Nació en México DF el 12 de agosto de 1911, siendo el sexto de una interminable familia de 12 hijos de los que sólo sobrevivieron 8. Creció en la más absoluta pobreza y tuvo que buscarse la vida como boxeador o torero antes de meterse en los espectáculos ambulantes. Un productor ruso le convenció para hacer cine y fundó su propio estudio, donde rodó los primeros cortometrajes de Cantinflas (¿inspirado en el Charlot de Chaplin?). Los espectadores se identificaron rápidamente con él y se divirtieron con su ininteligible lenguaje, que incluso motivó la aceptación en la RAE del término cantinflear.

Su paso por Estados Unidos fue breve pero exitoso. En 1957 ganó el Globo de Oro al Mejor Actor de Comedia o Musical por ‘La vuelta al mundo en 80 días’ y en 1961 recibió otra nominación en la misma categoría por ‘Pepe’, donde había cameos de Bing Crosby, Judy Garland, Janet Leigh, Jack Lemmon, Kim Novak, Debbie Reynolds, Edward G. Robinson, Frank Sinatra y un largo etcétera. Pero, como reconoció Cantinflas, la barrera idiomática le impidió progresar más allá; regresó a México y quedó inmortalizado por films como ‘El bolero de Raquel’ (1956), ‘El analfabeto’ (1960), ‘El padrecito’ (1964) o ‘El profe’ (1971).

Se retiró con ‘El barrendero’ en 1982 y a partir de entonces se dedicó a las obras de caridad, ya que la fama nunca le hizo olvidar cuáles fueron sus duros orígenes. Murió el 20 de abril de 1993 a los 81 años, y quizá habría llegado vivo a su centenario si no hubiera consumido tres cajetillas de cigarros al día. Da igual: lo importante es que fue feliz e hizo felices a millones de personas.

Vía | El Mundo