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‘Carne’ (1932)
La distribuidora de cine clásico 39 escalones ha editado un fantástico DVD de ‘Carne’, una de las películas más desconocidas de John Ford, que ya podéis encontrar en vuestra tienda habitual. Además de la cinta restaurada y con los diálogos originales, podéis encontrar en ella un montón de extras, como el prólogo y los comentarios del historiador Christian Aguilera. Sin embargo, es una lástima que ‘Carne’ (literalmente ‘Flesh’ en su versión estadounidense) quede muy por debajo de su exquisito envoltorio y que apenas sea recomendable para los fans acérrimos de Ford o para los devoradores de cine clásico… entre los que me incluyo.
Parece que Ford rodó ‘Carne’ para la Metro-Goldwyn-Mayer sabiendo que no tenía un gran material entre manos, pero pensando, quizá, que los beneficios que obtuviera le permitirían gozar de más libertad en el futuro. La historia tenía como protagonista a Polakai, un forzudo luchador alemán que sueña con ser el campeón del mundo pero, sobre todo, con tener a una esposa que le quiera y le ayude a formar una familia. Polakai es tan buena persona que roza la tontería, y por eso sus amigos se ríen de él y le aprecian a partes iguales. Wallace Beery, actor de enorme figura que había ganado el Oscar en 1931 por encarnar a un boxeador alcohólico en ‘The Champ’, es el encargado de meterse en la piel de inocentón Polakai.
La mujer que viene a corromper la impoluta existencia de Polakai es Laura, una americana que se encontraba encarcelada en Alemania junto a su novio, Nicky, por un delito que nunca termina de ser desvelado. Tras ser engañada por un amigo de Nicky que le había prometido ayudarla, Laura se deprime emborrachándose en el bar donde Polakai hace horas extras. El luchador se apiada de ella y, al recibir un mínimo gesto de cariño, se emociona hasta tal punto que se rinde a sus pies. Pero su inexperto comportamiento hace que Laura le siga el juego con el único objetivo de robarle el dinero que había ahorrado para casarse, liberar a Nicky (al que presenta como su hermano) y volver a Estados Unidos sin echar la vista atrás.
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‘El Álamo’ (1960)
La batalla del Álamo pasó a formar parte de la mitología estadounidense desde el mismo momento en que terminó. En una nación que exalta los valores heroicos, el patriotismo y el convencimiento de que nada es imposible, la resistencia de un puñado de texanos frente al poderoso ejército mexicano entre el 23 de febrero y el 6 de marzo de 1836 ha servido como referencia en contiendas bélicas posteriores. Los hechos se convirtieron en leyenda. Y eso es lo que filmó John Wayne en su primera película como director. Pudo hacer una recreación exacta de lo que ocurrió en el pequeño poblado de San Antonio de Béjar; y, en parte, lo hizo, como veremos a continuación.
Pero Wayne también quería sacudir las conciencias de una sociedad que se dejaba arrastrar por nuevas ideas y olvidaba a pasos agigantados cómo se había forjado la historia del país. Así que hinchó su pecho con orgullo, se llevó la mano al corazón y siguió la máxima de su mentor, John Ford: “Cuando la leyenda se convierta en un hecho, imprime la leyenda.”
De ‘El Álamo’ se podrá criticar su falta de rigor histórico, pero si nos ceñimos al producto puramente cinematográfico, el resultado es intachable. Wayne gastó toda su fortuna -12 millones de dólares- en un proyecto que tardó más de una década en sacar adelante y que le dejó al borde de la ruina. Su equipo pasó más de un año en la zona donde se había desarrollado la contienda y construyó unos decorados impresionantes.
También procuró tener a mano toda la documentación posible para uniformar a los personajes, armarles y emplear las tácticas que utilizaron para atacar y defenderse. Encargó a Dimitri Tiomkin la confección de una banda sonora que pasaría por méritos propios a la historia del cine, encabezada por la inolvidable ‘The Green Leaves of Summer’. Las secuencias de acción que dirigió están a la altura de las mejores de John Ford, y además dotó de personalidad al enemigo para huir, en la medida de lo posible, del maniqueísmo. Todo eso hizo Wayne la primera vez que ocupó la butaca de director, regalándonos un film entretenidísimo que resiste el paso del tiempo con fortaleza.
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Regresan a Estados Unidos 75 films mudos que se creían perdidos
Cómo me gustan estas noticias. No me digáis que no sería emocionante estar trabajando en el archivo cinematográfico de Nueva Zelanda y encontrar 75 películas mudas que los historiadores daban por perdidas, todas ellas con sello estadounidense. Eso es lo que le ocurrió al señor Steve Russell hace un año. Tras informar convenientemente al responsable de los archivos de Hollywood, Brian Meacham, esas 75 películas se disponen a regresar a su país de origen, de donde salieron durante las décadas de los diez y los veinte. Al parecer las películas se quedaron en Oceanía porque los estudios no podían asumir el coste del transporte de vuelta.
El hallazgo del señor Russell incluye una auténtica joya que hará las delicias de los seguidores de uno de los mejores directores de todos los tiempos: se trata de ‘Upstream’, una película de una hora de duración filmada por John Ford en 1927 y de la que se había perdido la pista por completo, al igual que sucede con la mayoría de sus producciones mudas. Además están ‘Maytime’ (1923), de una jovencísima Clara Bow; ‘Won in a Closet’, la primera película dirigida por Mabel Normand; varios westerns ambientados en Tucson, San Antonio o Yosemite y algunos cortometrajes. En la web de la National Film Preservation Foundation podéis ver un par de escenas del western ‘The Sergeant’, de Francis Boggs.
Cinco laboratorios especializados en la conservación de material fílmico mediante nitrato aguardan la llegada de este tesoro de incalculable valor. Al parecer hay algunos estudios como Sony Pictures o 20th Century Fox que se están haciendo cargo del traslado, sin dejar nada a la improvisación. Y es que un material de ese calibre, el cual probablemente estará en una situación precaria debido al tiempo transcurrido, debe manejarse con la precisión de un artificiero. A ver si pronto se hacen públicas y podemos verlas, aunque sea a través de Internet. Mientras tanto, en Plumas de Caballo mantenemos la esperanza de que, en el oscuro desván de alguna vieja casa de Copenhague, Oslo, Canberra o -por qué no- Zaragoza, se halle intacta una copia de ‘Humor Risk’, la película fantasma de los hermanos Marx.
Vía | 20 minutos
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Grace Kelly, el fuego latente de ‘Mogambo’
Dicen que fue John Ford quien posibilitó que Grace Kelly entrara a formar parte del reparto de ‘Mogambo’. La actriz ya había tenido problemas para convencer a los productores de que sería la esposa ideal para Gary Cooper en ‘Solo ante el peligro’, donde en ocasiones era devorada por la impetuosa Katy Jurado. Así que la Metro-Goldwyn-Mayer barajaba otros nombres para su nuevo proyecto, nombres que debían estar a la altura de Ava Gardner y Clark Gable, como Lana Turner, Gene Tierney o Deborah Kerr. Pero a Ford le había gustado aquella rubita de ojos azules. Creía que tenía clase y talento. O a lo mejor le cayó simpática porque tenía apellido irlandés. El caso es que presionó para quedársela y lo consiguió.
El papel de Kelly en ‘Mogambo’ era peligroso. Su personaje, Linda Nordley, era la apocada esposa de un antropólogo británico que había contratado un safari por el corazón de África (en la incestuosa versión española era su hermana). Eso, en principio; porque, al llegar a la selva, Linda se enamora del jefe de la expedición y empieza a sospechar que no podrá mantener la fidelidad a su marido. La misión de Grace era mostrar los remordimientos de su personaje y, a la vez, insinuar el fuego latente que escondía su cuerpo de mujer florero, la pasión que luchaba por salir al exterior cada vez con mayor intensidad. El riesgo era convertirse en una moneda de dos caras, es decir, que la transición fuera demasiado abrupta, demasiado artificial, o que ella misma fuera sepultada por la arrolladora personalidad de Ava. Pero, la hubiera escogido por eso o no, Ford tenía razón: Grace tenía clase y talento. Cumplió con creces y se ganó a pulso la nominación al Oscar, así como el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto.
Nada más llegar a su destino, tras un agotador viaje por un río revuelto, el marido de Linda cae enfermo y ella se desvive por cuidarlo, hasta el punto de enfrentarse con el cazador Victor Marswell (Gable), que no parece preocupado. Pero el paciente mejora enseguida y Linda aprovecha la ocasión para salir a dar un paseo. Bajo un cielo cada vez más negro, la joven se pierde intentando encontrar el camino de vuelta y está a punto de convertirse en la cena de una pantera negra, pero Victor aparece de entre los árboles para salvarla y, de paso, metérsela en el bolsillo.
La experiencia ha acelerado el pulso de Linda, enrojeciendo sus mejillas. Regresan a casa. Y cuando Linda está a punto de entrar en su habitación, Victor la asalta por detrás; ella le acaricia el brazo, él le quita con violencia el pañuelo de la cabeza y se lo pone alrededor del cuello. Durante unos segundos solo vemos el rostro agitado de Linda, con la lujuria asomándole por los ojos y la boca; pero consigue domar sus instintos, darse la vuelta y dejar a Victor con la miel en los labios. También hay algo de odio en la mirada de Grace porque sabe que le ocurrirá como a la pantera, que será otra de las exóticas capturas del cazador y no podrá resistirse. Tarde o temprano será suya.
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‘Corazones indomables’ (1939)
No sé si existe en la historia del cine un caso similar al de John Ford, capaz de hacer películas como churros y que la mayoría de ellas rocen la excelencia. Valga como ejemplo que, en 1939, Ford terminó el rodaje de La diligencia, para luego ponerse con El joven Lincoln y seguir con el film que nos ocupa, Corazones indomables. Las dos últimas pertenecen a un primer ciclo con Henry Fonda que se cerraría a principios de 1940 con Las uvas de la ira. Vamos, que Ford concentró en año y medio lo que otros directores no han sido capaces de reunir en toda su carrera. Un genio y una mina de oro para la Fox.
Corazones indomables es una recreación a pequeña escala de la Guerra de la Independencia de 1776, cuando los americanos se liberaron de la opresión británica y empezaron a construir la nación más poderosa del mundo. Ford, basándose en la novela de Walter D. Edmonds, quiso realizar su particular homenaje al valle de Mohawk, un enclave fronterizo que resistió por sí mismo hasta la llegada de las tropas del general George Washington. Para ayudarle en su tarea, la Fox contrató a Ray Rennahan y Bert Glennon, que aprovecharon al máximo las posibilidades del Technicolor, e incluso sufragó la búsqueda de vestuario y armas de la época que habían ido a parar a la lejana Etiopía.
Henry Fonda es Gil Martin, un joven campesino que conquista el corazón de una mujer de ciudad, la estirada Lana (Claudette Colbert), hasta el punto de convencerla para casarse y establecerse en una humilde cabaña de los bosques de Mohawk. Tras darse cuenta de que ese tipo de vida es demasiado duro para ella, Lana consigue adaptarse y ayuda a su marido a la resistencia frente a los indios, que son pagados por los británicos para expulsarles del lugar, bajo la mirada con parche del inquietante Caldwell (John Carradine).
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‘La ruta del tabaco’, al fin en DVD
Hacía mucho tiempo que no veía una carátula tan buena como la que encabeza este post. Se trata de la edición en DVD de La ruta del tabaco (1941), editada por la Fox en exclusiva para la FNAC. Sí, sí, ya podéis restregaros los ojos, pero la chica sucia con la mirada perdida no es otra que Gene Tierney, quizá la actriz más bella de la historia del cine. John Ford la afeó a conciencia para encarnar a la hija de una familia de pueblerinos del sur de Estados Unidos que afronta la expropiación de sus tierras entre la desidia y la melancolía. Os la recomiendo, aunque el DVD (9,95 euros) sólo traiga una galería de fotos como extras, al igual que la novela original escrita por Erskine Caldwell. Es corta, se lee de un tirón y así podréis comparar las dos versiones. Y como la adaptación a la gran pantalla corrió a cargo de Nunnally Johnson, la calidad de la historia se mantiene prácticamente intacta.
Seguimos con dos exclusivas más de la FNAC. En primer lugar, Huracán sobre la isla (1937), otra de John Ford. Una película que combina drama y aventuras en los mares del sur protagonizada por Dorothy Lamour y Jon Hall que obtuvo un Oscar al mejor sonido y dos nominaciones, al mejor actor de reparto (Thomas Mitchell) y a la mejor banda sonora (Alfred Newman). Por otro lado, tenemos una joya de King Vidor: Y el mundo marcha (1928), considerada una de las últimas grandes obras del cine mudo. No en vano logró dos nominaciones al Oscar en las categorías de mejor director y mejor película.
Y terminamos con una colección de DVDs de Universal pertenecientes a la Hammer Collection, es decir, películas de terror de los años setenta no aptas para asustadizos. Los títulos en cuestión, que se sirven sin extras aunque en unos estuches bastante majos, son los siguientes: El doctor Jekyll y su hermana Hyde (1971), Sangre en la tumba de la momia (1971), Los demonios de la mente (1972), Miedo en la noche (1972) y La monja poseída (1976), que cuenta con un reparto llamativo: Richard Widmark, Christopher Lee, Michael Goodliffe y Natassja Kinski. Precio de la unidad: 11 euros.
Vía | ZonaDVD
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‘Centauros del desierto’ (1956)
Lírica, polémica, bella, racista, sobrevalorada, magnífica… Estos son algunos de los adjetivos que he leído en otras críticas sobre Centauros del desierto. Y no os dejéis engañar por la elevada puntuación media de las principales webs de cine, porque los comentarios a favor y en contra son bastante más parejos. A mí me gusta, pero desde el respeto que tengo por cualquier obra filmada por John Ford, admito sus imperfecciones. Me resisto a considerarlo el mejor western de la historia del cine, ni mucho menos la mejor película, como dijo Steven Spielberg.
Lo que sí creo adivinar es que Centauros del desierto es la mejor película de John Wayne. Y no lo aseguro porque aún no he visto su filmografía completa. El personaje de Ethan Edwards es de una complejidad fascinante. Sutil, cuando intercambia una mirada cómplice con su cuñada Martha, al entregarle el abrigo. Tierno, cuando deja que sus sobrinos se le tiren encima y les regala sus viejos recuerdos de la guerra civil. Odioso, cuando mata a discreción llevado por la ira y los prejuicios. Altivo, cuando trata a sus subordinados. Frágil, al darse cuenta de que es un inadaptado que se desprecia a sí mismo.
Tras la cámara, se nota la mano de John Ford. La secuencia inicial del ataque indio, que motiva la incensante búsqueda de la pequeña Debbie por parte de Ethan, es memorable. Sin mostrar una sola imagen de violencia, Ford crea una atmósfera inquietante con la luz crepuscular, el silencio del desierto, la histeria repentina de la familia y ese reflejo del horizonte que pone los pelos de punta. No vemos nada más tras el rapto de Debbie, hasta que llega Ethan y encuentra el lugar arrasado, encendiendo la mecha de su odio. Cuando se habla del lirismo de esta película, hay que hablar de esta escena tanto como de los planos enmarcados de Wayne que abren y cierran la historia.
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Packs navideños: Kane, Ford y los Marx
Si todavía no tenéis en vuestra videoteca el DVD de Ciudadano Kane (1941), ésta es una buena oportunidad. Manga Films ha reeditado la película de Orson Welles, ganadora del Oscar al mejor guión original y nominada a otras nueve estatuillas, en una edición especial de dos discos que incluye otro film llamado RKO 281. En él se narran los entresijos de la producción de Ciudadano Kane, utilizando a actores conocidos para encarnar a personajes de la época: Liev Schreiber es Orson Welles, James Cromwell es William Randolph Hearst, Melanie Griffith es Marion Davies, John Malkovich es Herman J. Mankiewicz y Brenda Blethyn interpreta a la cotilla Louella Parsons. El precio del pack ronda los 12 euros; no está mal.
Sin abandonar las novedades de Manga Films, nos encontramos con el pack John Ford Essential, que incluye cinco películas de las llamadas “personales” u “obras menores pero imprescindibles” de uno de los mejores directores del siglo XX. Apuntad: El delator (1936), El fugitivo, de la que precisamente hablamos ayer en este blog (1947), Ford Apache (1948), La legión invencible (1949) y Caravana de paz (1950). Ésta última no recibió ningún premio, de ahí que la distribuidora haya tenido que venderla como “uno de los westerns más desconocidos y poéticos de John Ford”. Aunque, tratándose de Ford, tampoco habrán exagerado mucho. Precio del pack: 30 euros.
Y acabamos con otro pack -se nota que se acerca la Navidad; momento de regalar algo con más jugo que un simple DVD: Lo mejor de los hermanos Marx, que en realidad no es “lo mejor” sino las cinco películas que rodaron para la Paramount; las cuales, a su vez, son las cinco en las que coinciden Groucho, Harpo, Chico y Zeppo. Destacan El conflicto de los Marx, Sopa de ganso y (¡cómo no!) Plumas de caballo, todas ellas de principios de los treinta. El pack, que cuesta 30 euros, se completa con Los cuatro cocos y Pistoleros de agua dulce.
Vía | ZonaDVD
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‘El fugitivo’ (1947)
Por lo general, cuando quiero ver una película intento no saber nada de ella hasta que me siento frente a la pantalla. Y eso provoca que, a veces, me lleve sorpresas. Es lo que me ha ocurrido con El fugitivo. La carátula del DVD ofrecía una imagen evocadora de Henry Fonda, sin duda el hombre al que se refiere el título; junto a él, una Dolores del Río que parecía mirarle con ojos golosos; y en la butaca de director, John Ford. Mi conclusión: película de acción, western, convicto escapando de la justicia. En diez minutos me he dado cuenta del error.
La película empieza en una iglesia casi en ruinas. Claroscuros, música celestial; llegada de Henry Fonda, al abrir las puertas su silueta forma una cruz en los adoquines: es un sacerdote. Su rostro suplica piedad al Altísimo. A continuación, encuentro místico con Dolores del Río, alias María Dolores, bebé en brazos incluido. Ese cura es su salvador. No queda otro en todo el país; la revolución -mexicana, aunque un mensaje sobreimpresionado intente no herir suceptibilidades- está acabando con ellos. De ahí que sea un fugitivo.
Basado en la novela El poder y la gloria, de Graham Greene, El fugitivo es uno de los films más personales de Ford; de hecho, lo financió con el dinero de su recién inaugurada productora, Argosy Pictures (comandada por él y Merian C. Cooper). Ford era consciente de que la historia no atraería al público, pero sentía la necesidad de rodar una historia alejada de su filmografía habitual y siempre se mostraría orgulloso de ella. El dilema moral al que se enfrenta el protagonista -un Henry Fonda magnífico, tan temeroso de Dios como de su propia cobardía- atrajo al director de tal manera que tampoco le importaron mucho los ataques de la crítica.
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Las mejores parejas de la historia
Con motivo del estreno de Asesinato justo, que protagonizan Robert de Niro y Al Pacino, The Times ha publicado un informe sobre las 20 mejores parejas de la historia del cine. No se limita a actores, sino que también habla de directores, productores y otros miembros de los créditos de cualquier película. Esto de las listas es muy subjetivo, pero en Plumas de Caballo nos hacemos eco porque cuatro de las cinco primeras parejas pertenecen al periodo clásico. Saltándonos el binomio formado por George Lucas y Dennis Muren, que ocupan el tercer puesto, la clasificación está encabezada por:
5. Marilyn Monroe y Lee Strasberg: a juicio de The Times, la rubia platino acertó de lleno al apuntarse a las clases que impartía el inventor del Método, que redefinió su estilo de actuación en los años previos a los grandes taquillazos de Marilyn.
4. Robert Redford y Paul Newman: inventores del concepto de química en la gran pantalla. No sólo por guapos, sino por buenos actores. Ahí quedan obras del calibre de Dos hombres y un destino (1969) o El golpe (1973).
2. John Ford y John Wayne: el Oeste, Estados Unidos. Así de grandes eran Ford y Wayne. Tanto como su leyenda. Desde La diligencia (1938) hasta El hombre que mató a Liberty Valance (1961), pasando por la imperecedera Centauros del desierto (1956).
Y, por último…
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